Dans wel speciaal soort volkskunst.

Het is onmogelijk te tellen hoeveel verschillende dansen er in Rus bestonden en zelfs nog steeds bestaan. het moderne Rusland. Ze hebben een grote verscheidenheid aan namen: soms naar het nummer waarop ze dansen, soms naar de aard van het festival of evenement, of naar de plaats waar ze werden opgevoerd. Maar in al deze zeer verschillende dansen is er iets gemeenschappelijks, kenmerkend voor het Russische volk: de breedte van beweging, dapperheid en kracht, vrolijkheid en kattenkwaad, bijzondere opgewektheid, zachtheid, lyriek en poëzie, een combinatie van bescheidenheid en eenvoud met een groot gevoel van adel en waardigheid.
Russische volksdans heeft zijn eigen eeuwenoude geschiedenis. In de 5e tot de 7e eeuw werden volksdansen uitgevoerd in de boezem van de natuur tijdens de festiviteiten van ‘volksspelen’. Hun karakter werd beïnvloed door de oude Vedische ideeën van de wereld.

In een oude legende over het Moravische koninkrijk vermeldt de guslar-verteller bijvoorbeeld vlotten op de meren, waar jonge mensen samenkwamen en ‘rondedansen deden en in cirkels speelden’. Het is moeilijk voor te stellen wat voor soort dansen de oude Russen op deze onstabiele vlotten uitvoerden.
Voor de oude Ariërs, fundamenteel geassocieerd met de Vedische ideeën van het universum, is dans een uitdrukking van meditatie, eenheid met de natuur, de voortzetting ervan, een uitdrukking van hoge gevoelens van liefde en het eeuwige verlangen naar schoonheid.
In oude Russische rituele dansen manifesteerden zich, voor zover men kan beoordelen, denkvormen die kenmerkend zijn voor de Vedische representatie van de wereld. De spiritualisering van de natuur naar analogie met levende wezens, het idee dat achter elk natuurobject een bepaalde geest schuilgaat en dat elk object levend is. Geloof in de kracht van woorden, ritme, plastische actie, lichaamsbeweging, met behulp waarvan je de kracht van de natuur kunt beïnvloeden en bepaalde resultaten kunt veroorzaken. Harmonisatie van alles natuurlijke krachten, begrip van de eenheid en algemene penetratie van alle dingen in het hele universum.

Er is nog maar heel weinig in onze tijd terechtgekomen; dit zijn al vrij late kalender- en alledaagse rituelen, die ooit op natuurlijke wijze de hele creativiteit van het Russische volk beïnvloedden.
Doel kalender rituelen er was een magisch effect op de omringende wereld, de aarde, de krachten van de natuur, veroorzaakt door de wens om zichzelf te beschermen tegen natuurrampen.
Familierituelen worden geassocieerd met gebeurtenissen in het leven van een individu: geboorte, volwassen worden, oprichting van een gezin, dood.
Het is moeilijk te beoordelen wat voor soort energetische krachten de Drevlyan-Russen bezaten, hoe ze dachten, wat ze voelden. Eén ding is duidelijk: ze waren niet onderhevig aan de fundamentele ziekte van de mensheid: geld en macht, macht en geld. Je kunt alleen het een of het ander beoordelen, maar door de basispostulaten en ideeën te analyseren over hoe de wereld van de Drevlyans was gestructureerd, kun je beseffen dat de hedendaagse wereld van de volksdans aanzienlijk is vervormd, veranderd en verwijderd van zijn oude oorsprong. sommige (fundamentele oorsprong) brachten niettemin een zekere lading aan de Russische cultuur, die haar aanzienlijk onderscheidt van veel culturen van de wereld.

Geweldige Russische volkschoreografie

Volkschoreografie is altijd nauw verbonden geweest met het leven en de ontwikkeling van de samenleving, met haar economische en sociale structuur, met het geloof, met de esthetische eisen van die tijd.
Elk tijdperk wordt weerspiegeld in de danscultuur van de mensen als in een spiegel. Folklore vervult de ziel van elke persoon met trots voor zijn volk, bevordert respect, liefde en een gevoel van patriottisme.
De verscheidenheid aan Russische volksdanskunst is groot. Rondedansen, herdansen, spelletjes en andere volksdansen verbazen met hun diversiteit en rijkdom aan bewegingen. In de dans onthullen mensen hun karakter, brengen ze gedachten, stemmingen en ervaringen over.
Hoe mooi en majestueus zijn de noordelijke rondedansen, hoe snel en vurig zijn de dansen van de Don- en Kuban-kozakken! En de sprankelende, parmantige Ural quadrilles? Hoeveel meer bevat Russische dans?
In het pre-christelijke Rus waren kleurrijke volksspelen wijdverspreid, die zo werden getimed dat ze samenvielen met de feestdagen op de Vedische kalender, bijvoorbeeld: Yarilin-dag - de feestdag van de zon, Tausen - Nieuwjaar, Obzhinki (Ovsen) - oogst, Kolyada - wintervakantie en diverse anderen.
Veel van de karaktereigenschappen die het Russische volk gemeen hebben - liefde voor vrijheid, onverzettelijkheid van de wil, vredigheid, hartstochtelijke aantrekkingskracht tot de kunst, verlangen naar schoonheid, gastvrijheid, openheid en opgewektheid - waren vooral merkbaar in spelletjes, dansen en rondedansen.
De meeste Russische schrijvers, dichters, muzikanten, wetenschappelijke onderzoekers zijn gewoon cultureel en geschoolde mensen Ze behandelden de Russische dans, evenals alle creativiteit van het Russische volk, met oprecht respect en enthousiasme. Ze streefden niet alleen naar een diepere kennis van de volkskunst, maar ook naar waardering ervan. Ze waren tegen de stilering van bladeren, tegen de officiële ‘nationaliteit’, tegen de gedwongen introductie van buitenlandse gebruiken. Ze bestudeerden, propageerden en, omdat ze van vlees en bloed waren, opgegroeid op de nationale Russische culturele bodem, verbeterden en ontwikkelden ze op talentvolle wijze de Russische kunst.
Derzhavin en Zhukovsky, Poesjkin en Lermontov, Gogol en Nekrasov, Toergenjev en Tolstoj, Tsjechov en Dostojevski, Tsjaikovski en Borodin, Rimski-Korsakov en Rachmaninov, Gorki en Tvardovsky en... (het is onmogelijk om ze allemaal op te noemen), ze vertrokken allemaal veel enthousiaste regels gewijd aan de volkscreativiteit en, in het bijzonder, de Russische dans, als exponent van de meest intieme, oprechte en spirituele.
“...De grootmoeder danste niet, maar leek iets te vertellen. Hier loopt ze rustig, nadenkend, zwaaiend, rondkijkend onder haar hand, en haar hele grote lichaam zwaait aarzelend, haar benen voelen voorzichtig de weg. Ze stopte, plotseling ergens bang voor, haar gezicht trilde, fronste en straalde onmiddellijk met een vriendelijke, verwelkomende glimlach. Ze rolde opzij, maakte plaats voor iemand en duwde iemand met haar hand weg; Ze boog haar hoofd, verstijfde, luisterde, glimlachte steeds vrolijker - en plotseling werd ze van haar plaats gerukt, rondgedraaid als een wervelwind, ze werd slanker, groter, en het was onmogelijk om je ogen van haar af te houden...'

Het Russische volk, dat in de loop van zijn eeuwenoude, tragisch mooie geschiedenis prachtige heldendichten, wijze verhalen, prachtige kantweefsels, buitengewone kleiproducten, verbluffend interessante en gevarieerde hout- en beendergravures, kleurrijke schilderijen op hout, prachtige lak miniatuur, sieraden die verbazingwekkend zijn in schoonheid en originaliteit, maar ook vele rijk aan inhoud en ritmisch heldere lyrische, heroïsche, bruilofts-, spel-, dansliederen, creëerde hij ook heldere volkschoreografie, verbazingwekkend in schoonheid en openheid van gevoelens.
De Duitser Staehlin (1707-1785) was een beroemd onderzoeker op veel gebieden van de Russische cultuur, en op muziekgebied wordt hij met recht beschouwd als de eerste musicoloog-onderzoeker. Zijn werken vormen het belangrijkste materiaal over de kunst van de 18e eeuw in Rusland en hier is zijn zin: “In alle danskunst van Europa kun je geen dans vinden die de Russische dorpsdans zou kunnen overtreffen, en geen enkele andere nationale dans in de wereld kan qua aantrekkelijkheid vergelijkbaar zijn met deze dans!”

Dans- en rondedansen

Of onze voorouders nu thuis woonden, of ze nu op het veld werkten of in nederzettingen (steden), ze brachten hun vrije tijd altijd door met spelletjes spelen, dansen en rondedansen; Of ze nu bij het ‘bloedbad’ waren, in hun heldendichten zongen ze altijd over hun thuisland. Onze voormalige guslars, de inspirators van de Russische volkspoëzie, zijn nog steeds zichtbaar in zangers, rondedansen en dansen. Er zijn mensen die ons op een actie uit het verleden wijzen, maar er is geen echte indicatie van wanneer onze dansen en rondedansen begonnen. De geschiedenis ligt in legenden, en al onze volkslegendes spreken zowel over het verleden als over het heden, zonder dagen en jaren aan te geven. Ze zeggen wat onze overgrootvaders en betovergrootvaders deden, maar zonder de plaats van actie of de personen zelf te noemen.

Dansers
Dansimprovisaties

Improvisatiedansen waren erg populair onder de mensen. Daarin werden de dansers niet beperkt door een specifieke danschoreografische compositie. Elke artiest kreeg de kans om zich te uiten en te laten zien waartoe hij in staat is. Dergelijke dansen waren altijd onverwacht voor het publiek, en soms zelfs voor de artiesten zelf.

Onder dergelijke dansen die tot in onze tijd bewaard zijn gebleven en beroemd zijn geworden, maar in veel opzichten al gecommercialiseerd zijn, waren de volgende: "Barynya", "Veselukha", "Topotukha", "Pleskach", "Monogrammen", "Cossack Dance", " Gorodets Gate”, “Balalaikas”, “Chebotukha”, “Siberian fun”, “Glade”, “Crane”, “Gusachok”, “Timonya”, “Vilten laarzen”, “Chatterers”, “Is het in de tuin”, "Cirkeldans", " Matryoshka", "Noordelijke trucs" en anderen.
“Ivan danste geweldig – vooral ‘The Fish’. Er zal een koor van dansen losbarsten, de man zal naar het midden van de cirkel komen - en nou ja, hij zal draaien, springen, met zijn voeten stampen, en dan zal de grond barsten - en hij zal zich de bewegingen voorstellen van een vis die werd uit het water op het droge gegooid: hij buigt heen en weer, brengt zelfs zijn hielen naar de achterkant van zijn hoofd ..."

Dans spelletjes

Deze volksdansen kunnen speeldansen of speldansen worden genoemd, omdat het speelse principe daarin heel duidelijk tot uiting komt. In zijn bewegingen imiteerde de danser niet simpelweg de gewoonten van dieren of vogels, maar probeerde hij ze menselijke karaktereigenschappen te geven.
Zonder beeld is er geen dans. Als er geen choreografisch beeld ontstaat, blijft er slechts een reeks bewegingen over beste scenario gebeurtenis illustratie. Russische volksdans heeft doorgaans een betekenisvolle houding ten opzichte van levensgebeurtenissen. Uiteraard gebruiken dansers elementen die bijvoorbeeld loop-, vlucht- en dierengewoonten imiteren. Maar dit is niet alleen een beeld van bijvoorbeeld een vogel, maar een dansspel, waarbij de toestand ervan 'opnieuw dansen' is, waarin behendigheid, vindingrijkheid en vaardigheid in het beeld zegevieren.
Het is heel belangrijk dat alle componenten ondergeschikt zijn aan de creatie van het dansbeeld: bewegingen en tekeningen, dat wil zeggen choreografische figuratieve plasticiteit, muziek, kostuum, kleur. Tegelijkertijd bestaan ​​de expressieve dansmiddelen niet op zichzelf, maar als een figuratieve uitdrukking van het denken.

Dans van de Russische Bogatyrs (Dansen van de Russische krijgskunst)

Oude Russische gevechtssystemen (elk van de systemen, voor zover men vandaag de dag kan beoordelen) had zijn eigen gespecialiseerde gevechtsdans. We kennen de oude betrouwbare namen van deze krijgsdansen niet; ze zijn door de jaren heen veranderd en getransformeerd. In al deze dansen waren er echter bewegingen met dezelfde definitie: "hurken". De squat plus de som van de krijgsbewegingen die in de dans werden gebruikt, vormden de basis van de krijgsdans. Voor degenen die ‘voor het goede geboren zijn’ (Russische krijgers) was de strijddans als een plek waar het licht geconcentreerd was, om ‘het goede tegen het kwade te beschermen’.
De squatdans was wijdverspreid in heel Rus '. IN vroege middeleeuwen het totale aantal Russen bedroeg niet meer dan een miljoen, de taal was uniform en de communicatie binnen de militaire klasse was vriendelijk. Maar de Slavische clan groeide, het aantal nam toe, kenmerken verschenen in taal en cultuur, er verscheen variatie in vechtmethoden en de voorheen uniforme krijgsdansen veranderden.

Aanvankelijk bestond de kraaktechniek in twee vormen:

1. Als gevechtsmethode.
2. Als een oorlogsdans.

Gehurkte gevechtsmethoden waren wijdverbreid onder ruiters en werden door infanteristen gebruikt in botsingen met cavalerie.

Het kraakgevecht omvatte vier hoofdniveaus:

1. Salto's;
2. Sliders (bewegingen bij hurken en handen en voeten);
3. Stakingen en bewegingen tijdens het staan;
4. Sprongen en radslagen.

Salto's werden voornamelijk gebruikt als tactische bewegingen en als methode om jezelf te verzekeren bij een val.

Sliders zijn een speciaal soort beweging op het lagere niveau van waaruit je kunt slaan en sprongen kunt maken. Aanvallen met wapens werden geïntensiveerd door slagen en vegen uitgevoerd door benen. Handen die op de grond werden geplaatst, boden extra ondersteuning; je kon er een wapen in houden en het van de grond oppakken.

Staande slagen werden voornamelijk met de benen uitgevoerd, aangezien de handen bezig waren met wapens met bladen of vuurwapens. Daarom wordt er bij de squatdans meer aandacht besteed aan voetenwerk.

Hurkende bewegingen, wisselende gevechtsniveaus, naar beneden gaan en springen vormen een aanvulling op de ‘opstaan’-techniek. Bij het springen schopten ze vooral en gebruikten ze slagwapens. Ze vielen de ruiter aan, sprongen op het paard en sprongen op de grond. Eenmaal te paard wisten ze hoe ze langs de ruggen van paarden moesten rennen, sabelaanvallen uitvoeren, van achter het paard en van onder zijn buik schieten, ze wisten hoe ze moesten paardrijden (springen) en flankeren (een wapen draaien tijdens het aanvallen en bescherming van de flanken).

Bij voetgevechten waren hurkende gevechten relevant voor een krijger die op de grond was gevallen, zich alleen bevond tegen veel tegenstanders, in krappe ruimtes of in het donker. Deze vechtstijl vereiste een goede fysieke training en was zeer energie-intensief, dus werd het gebruikt als tactisch gevechtselement, afgewisseld met economische technieken.

De mannen ontwikkelden de noodzakelijke motorische vaardigheden die specifiek zijn voor deze manier van vechten, vooral uithoudingsvermogen en conditie, door voortdurend te oefenen in dans- en vechtwedstrijden.

Ter voorbereiding op een gevechtsdans gingen mannen vaak van huis de bossen in, soms voor meerdere dagen, en trainden, waarbij ze nieuwe combinaties van dansringen uitvonden die onbekend waren bij hun tegenstanders.
Het doel van de bewegingen in de gevechtsdans was zowel direct toegepast als voorwaardelijk strijdlustig, en ontwikkelde zich voor behendigheid en coördinatie. Omdat krijgsdans een informatiedrager was van krijgskunst en een manier om toegepaste bewegingen te trainen, werd het het meest verspreid onder krijgers: Kozakken, soldaten, matrozen, officieren en was het erg populair.
Met muziek en dans gingen ze de strijd aan. Deze gewoonte van onze voorouders werd zo goed herinnerd door de Polen dat ze het verfilmden in de film “With Fire and Sword”, gebaseerd op het boek van Sienkiewicz. En om de een of andere reden zijn we dit vergeten!
Tijdens burgeroorlog De krijgsdans bleef leven onder de troepen, zowel rood als wit. De soldaten van het Rode Leger herinneren zich nog goed de aanvallen van de regimenten van de fabrieken van Izhevsk en Vodkin, die onder de rode vlag vochten, maar tegen de bolsjewieken. Ze gingen ten strijde op het geluid van een accordeon, met geweren over hun schouders, en de soldaten dansten voor de formatie. Het is moeilijk te geloven, maar de bolsjewieken konden dergelijke psychologische dansaanvallen niet weerstaan ​​en trokken zich terug.

Ronde dansen

Het belang van Russische rondedansen voor ons volk is zo groot dat wij, behalve misschien Russische volksbruiloften, zoiets niet kennen. Rondedansen beslaan drie jaarlijkse perioden in het leven van het Russische volk: lente, zomer en herfst. In rondedansen gaan we open creatieve kracht volkspoëzie, de originaliteit van eeuwenoude creaties. En alleen met deze look heeft onze Russische cultuur niets vergelijkbaars in de wereld. Neem de lyriek, romantiek, het verlangen naar schoonheid - poëzie weg van het Russische volk, vernietig hun opgewekte open geest, beroof hen van heldere, enthousiaste spelletjes, en onze mensen zullen zonder creativiteit achterblijven - zonder leven. Dit is wat het Russische leven onderscheidt van alle andere Slavische generaties, en van de rest van de wereld als geheel.
De oorspronkelijke betekenis van de Russische rondedans lijkt voor altijd verloren te zijn gegaan. We hebben geen bronnen die rechtstreeks het tijdstip van zijn verschijning op Russische bodem aangeven, en daarom blijven alle aannames aannames.
In de buurt van rivieren en meren, in weilanden, bosjes..., zelfs in woestenijen en binnenplaatsen - dit zijn de plaatsen waar volksrondedansen werden gehouden, waar ze hun speciale namen kregen en dit recht sinds mensenheugenis hebben behouden.
Er zijn feestelijke rondedansen, en er zijn alledaagse, alledaagse. Feestelijke rondedansen zijn de oudste: ze worden geassocieerd met herinneringen aan het verleden, een eeuwenoud volksfeest.

Russische rondedansen worden verdeeld per tijd van het jaar, vrije dagen van het leven en per les. Lente en herfst, de twee momenten waarop de dorpelingen het meeste plezier hadden. Door de verdeling van rondedansen in lente, zomer en herfst te accepteren, kun je het echte beeld van het Russische leven zien en de geleidelijke voortgang van volksgewoonten beter volgen.

De originaliteit van de Russische rondedans ligt in de verscheidenheid aan soorten, in de onlosmakelijke verbinding van de inhoud met de Russische realiteit, in de aard van de uitvoering en het bestaan ​​ervan, in de continuïteit met oude rituelen.

De rondedans wordt door thematische choreografie verbonden met de rituelen. Deze rondedansen die de arbeidsactiviteit van de mensen weerspiegelen, worden terecht als de oudste beschouwd. De verbinding met werk, het dagelijks leven en de belangen van de mensen in rituelen en rondedansen blijft tot op de dag van vandaag bestaan. Ook moderne Russische rondedans wordt gekenmerkt door theatraliteit.
Onder invloed van tijd en mensen veranderen ook de soorten rondedansen. In Russische volksdans, samen met spelrondedansen, waar aparte groepen artiesten of solisten speelden de plot van het lied uit, en er verschenen ook nieuwe soorten rondedansen: "composiet", "opvouwbaar" of "verstelbaar".
De geschiedenis van de transformatie van rondedansen gaat tot op de dag van vandaag door. Intensievere spectaculaire kostuums, theatralisering en stilering, moderne geluids-, licht- en video-effecten, aan de ene kant is dit een prachtige show, maar aan de andere kant is er sprake van een ontkrachting van de nationaliteit, of liever gezegd de Russische folkoorsprong. Is dit goed of slecht? Er is hier sprake van een ‘tweesnijdend zwaard’.
Conclusie

Tenminste behouden wat er nog over is. Maar niemand zegt dat iedereen zijn overhemd moet aantrekken, zijn bastschoenen of laarzen moet aantrekken, maar er is een historische presentatie van dit of dat materiaal en er is een moderne interpretatie van volkskunst (zoals ze vandaag zeggen - "remix" , maar die niet alleen betrekking heeft op muziek, maar ook op dans).
Je kunt het heden op verschillende manieren behandelen, maar je kunt het verleden niet met minachting behandelen. Het is noodzakelijk om je te ontwikkelen, maar je moet nog steeds weten hoe het was, en je moet niet alleen de cultuur van je volk met eerbied behandelen, maar ook begrijpen dat volkskunst is wat we zijn. We moeten leren begrijpen wat vastzit en wat zich binnenin deze laag van therapietrouw bevindt. Maar hoe bereik je dit?
Als de Russische cultuur waardig is, als de Russische geschiedenis waardig is, dan is het logisch om tijd door te brengen en te veranderen, erachter te komen, te voelen wie we werkelijk zijn.
Maar toch, als je je wendt tot het bestuderen van de materialen van de Russische volksdans, zal het heel moeilijk zijn om te begrijpen waar de waarheid is en waar deze onwaar is. Je kijkt naar duizenden foto's, foto's en nog iets anders, en je zult niets vinden dat je de oorsprong van de Russische volkschoreografie zal onthullen. Ga naar musea, naar oude boeken in bibliotheken, en er zal alles zijn wat we de christelijke geschiedenis noemen, maar al het oude Russisch is al stevig gehuld in dit plakkerige web.
Maar misschien vinden we er nog wel iets in oude Russische sprookjes, in heldendichten, maar zelfs daar zijn er al veel oppervlakkige en vervormde dingen. Maar laat het hart ons dan vertellen wat echt is en wat vreemd is.

De ontwikkeling van de Russische volksdans is nauw verbonden met de hele geschiedenis van het Russische volk. Elk nieuw tijdperk In de formulieren werden nieuwe politieke, economische, administratieve en religieuze omstandigheden weerspiegeld publiek bewustzijn, ook in de volkskunst. Dit alles bracht bepaalde veranderingen met zich mee in het leven van het Russische volk, die op hun beurt een stempel drukten op de dans, die verschillende veranderingen onderging langs het eeuwenoude pad van zijn ontwikkeling.

De oudheid van de dansen in Rus blijkt uit legenden die tot op de dag van vandaag bewaard zijn gebleven over paalgebouwen aan het Ladogameer in de voorchristelijke periode. Bij hen verzamelden de meisjes zich en de jonge mannen ‘dansten en speelden in cirkels’ (30).

In de V-VII eeuw volksdans uitgevoerd in de boezem van “feestvieren”. Hun karakter was doordrenkt met oude heidense ideeën. In de 8e en 9e eeuw werd de eerste oude Russische staat gevormd - Kievse Rus. De adoptie van het christendom droeg bij aan de ontwikkeling van de cultuur: er werden tempels gebouwd en het schrift ontwikkelde zich. Volkskunst komt tot uiting in grappenmakerij. Skomorokhs speelden een grote rol in de ontwikkeling en popularisering van de Russische volksdans: toneelvormen van volkskunst werden geboren (5).

De eerste officiële vermelding van Russische volksdans dateert uit 907, toen Prince Profetische Oleg vierde zijn overwinning op de Grieken in Kiev. Bij de galareceptie traden 16 dansers verkleed als beren en vier beren verkleed als dansers op voor de gasten.

In 1113 reed Vladimir Monomakh, door de bevolking van Kiev uitgenodigd om naar het koninkrijk te komen om de chaos te kalmeren, 's avonds met zijn gevolg door de stad. Hij merkte meteen de vreemde dans op en wees metropoliet Niki op de dansende jongeman. Het bleek een metselaar Petro Prisyadka te zijn. Binnen een paar dagen danste Petro bij elk ontbijt, lunch en diner voor de groothertog van All Rus. Metselaar Petro Prisyadka werkte hard, gehurkt met zware stenen en gereedschap in zijn eeltige handen. Elke avond na zijn zware bevalling ging hij naar Chreshchatyk en nadat hij een pollepel wijn en een broodje had aangenomen, begon hij op en neer te springen, terwijl hij zijn benen strekte die in de loop van de dag stijf waren geworden. Dansen als Prisyadka of Pod-Psyadka werd al snel in de mode in het rijke Kiev. Dikke hansworsten vielen af ​​en leerden de ‘B-Squat’ dansen, waarbij ze hun kromme benen braken op de smerige middeleeuwse trottoirs.

De hansworsten beheersten hoge danstechnieken, maar hun kunst, diep volks, was geworteld in heidense spelletjes en rituelen. In de 12e eeuw werd jongleren erg populair en bereikte zijn volledige ontwikkeling in de 13e eeuw. De jongleerdans was meesterlijk, met een sterke vermenging van acrobatische bewegingen en verhoogde tempo's. De benen zijn naar buiten gedraaid, de tenen zijn vaak gestrekt. De jongleur componeert en voert zelf poëzie en muziek uit en danst tegelijkertijd, toont acrobatische stunts en goocheltrucs en leidt apen. Soms duurt het hoge positie, soms ‘bedelaars’. In de 14e en 15e eeuw werden ‘mummersdansen’ erg populair, en ze maken tot op de dag van vandaag nog steeds deel uit van onze feestdagen. (20)

Aan het einde van de 15e eeuw werd het Russische volk eindelijk bevrijd van de Tataren - Mongools juk, wat een krachtige lift bevordert nationale cultuur. In 1571 werd de "Vermaakkamer" van tsaar Michail Romanov opgericht, waar de meest getalenteerde hansworsten zich bevonden, en in 1629 verscheen onder hen de eerste bekende dansleraar in de geschiedenis van Rusland, Ivan Lodygin.

Naast grappenmakerij was er professioneel volkstheater en zelfgemaakt theater. Dit theater overleefde de grappenmakerij en neigde, net als hun kunst, naar eenvoudige, duidelijke technieken: er werden scherpe, vegende gebaren, luide zang en gedurfde dans gebruikt. Veel van deze typen overleefden tot in de 20e eeuw en beïnvloedden het, zonder verband te houden met het ballettheater, direct en indirect - via muziek, schilderkunst, via de ervaring van choreografen en de kunst van Russische dansers. (30)

De 17e eeuw wordt geassocieerd met de naam van de ‘bijna legendarische’ choreograaf Beauchamp. Depreo zegt: “Beauchamp was de eerste die de tempo’s ontleedde.” Deze verdeling van danspassen in tempo's ligt ten grondslag aan het systeem van het opnemen van dansen dat aan het einde van de 17e eeuw ontstond. Beauchamp was de eerste die vijf omkeerposities vormde. Maar voor hem zijn ze nog het begin. Ook het uurwerk en de handposities zijn ontworpen door Beauchamp. Het was Beauchamp die alle wetenschappelijke choreografieën systematiseerde, waarbij hij de Franse en Italiaanse scholen combineerde. Dus naar begin XVIII Er wordt ook Russische volkschoreografie gevormd.

Tegen de 17e eeuw begon een systeem van toneeldans vorm te krijgen, dat het verdeelde in klassiek en karakteristiek. (9)

Karakteristieke dans is er één van expressieve middelen ballettheater, een soort toneeldans. In de 17e en 19e eeuw diende de term ‘karakterdans’ om dans in karakter, beeld te definiëren. Dit soort dans was gebruikelijk in sideshows, met als karakters ambachtslieden, boeren, matrozen, bedelaars, overvallers, enz. Een karakteristieke dans wordt verrijkt met specifieke bewegingen en gebaren sociale groep, en de compositiewetten werden niet zo strikt nageleefd als bij klassieke dans. (23)

Ook in de 17e eeuw werd het proces van economische, politieke en culturele opkomst van Rusland als machtige nationale macht geïntensiveerd. Uitgebreid internationale betrekkingen Moederland, zijn culturele banden met het buitenland groeiden.

Russische diplomaten en kooplieden, gewoon vrije reizigers, maakten kennis met het theater van het Westen. Ballet was bijzonder interessant omdat de taal van muziek, dans en pantomime voor iedereen toegankelijk is. Ik werd aangetrokken door de pracht van de balletspektakels: de verandering van omgeving, het vertrek van allerlei personages op versierde strijdwagens, de luxe van kostuums, enz. Een dergelijke spektakel zou de macht van de gecentraliseerde Russische staat kunnen verheerlijken. In 1673 werd “Het Ballet van Orpheus en Eurydice” opgevoerd in het dorp Preobrazhenskoje nabij Moskou.

De 18e eeuw werd gekenmerkt door de opkomst van een nieuwe staat: Russische Rijk. Dit tijdperk wordt geassocieerd met de naam van Peter I, een briljante hervormer van zijn tijd. Er hebben ook serieuze transformaties plaatsgevonden in de cultuur, en de Russische volksdanskunst verandert geleidelijk. De dans krijgt een meer seculier karakter. Populair worden aan het hof Europese dansen: Franse quadrille, menuet, polonaise en andere. In de eerste helft van de 18e eeuw was de centrale dans het menuet, dat naar het hof van Russische artiesten kwam, omdat hij eiste voor uitvoering precies die kenmerken die inherent zijn aan een Russische vrouw: plasticiteit en haar natuurlijke bescheidenheid, zachtheid en expressiviteit van dans. En alleen onder de mensen is de Russische dans niet alleen bewaard gebleven, maar ook ontwikkeld en nieuwe varianten aangenomen. Zo verschijnen, als gevolg van de invloed van westerse salondansen, vierkante dansen, polka, enz. in het Russische leven, die, wanneer ze het dorp binnenkomen, radicaal veranderen en typisch Russische lokale kenmerken, manier en karakter van uitvoering verwerven (26) ,

Tegelijkertijd verscheen in Rusland het lijfeigene-ballet, dat zijn oorsprong vond in de landgoederen van landeigenaren en tegen het einde van de 18e eeuw een hoog artistiek niveau bereikte. Omdat er nog geen theater in de provincie was, dienden lijfeigene groepen objectief educatieve doeleinden. Rijke edelen, die eindeloze landen erfden en duizenden boerenzielen bezaten, richtten een staat in het klein op. In navolging van de hoofdsteden ontstond ook het lijfeigenentheater. Aanvankelijk voerden lijfeigenen volksdansen uit voor hun meesters. Een van de memoiristen uit die tijd vertelt hoe hij, nadat hij het landgoed van een landeigenaar in de provincie Pskov had bezocht, zulke ‘dorpsdansen’ zag. De dansers van het lijfeigeneballet, die zelfs echte 'dansers' werden, gaven de traditie van de nationale dans zorgvuldig aan elkaar door. Dit was grotendeels afhankelijk van hun levensomstandigheden. Ten eerste, in de situatie van een grondeigenaar komen " balletschool", Ze onderhielden het contact met hun geboortedorp, met zijn liederen en dansen. Ten tweede scheidden ze zich zelden volledig af van hun omgeving en werkten ze samen met andere lijfeigenen in het veld en in het landhuis. Ten derde hadden lijfeigene balletacteurs slechts in zeldzame gevallen buitenlandse docenten en regisseurs (34),

Het Russische nationale thema was wijdverbreid onder de lijfeigenen ballet theaters XVIII eeuw. De aard van het optreden was daar origineler dan op de hof- of privépodia van Moskou en Sint-Petersburg. Meestal werden originele danswerken, individuele nummers of intermezzo's opgenomen in opera's gebaseerd op Russische plots.

De balletgroep van de graven Sheremetyevs was de meest professionele onder de lijfeigene balletten. De acteurs werden van jongs af aan getraind, ze werden bij hun ouders weggehaald en opgevoed onder een streng regime, waarbij ze hun achternaam veranderden naar de gril van de eigenaar op basis van de naam van de edelstenen.

Onder de dansers van deze groep viel Mavra Uruzova - Biryuzova op, onder meer Avdotya Ametistova, Matryona Zhemchugova, Anna Khrustaleva en anderen. Onder de dansers werden de eerste rollen uitgevoerd door Vasily Vorobyov, de tweede door Kuzma Serdolikov, Nikolai Mramorov. Op de eerste plaats in deze groep staat de naam Tatyana Shlykova - Granatova.

Vanaf de allereerste stappen verklaarde de balletkunst van Rusland zichzelf als een professionele kunst. Het kent de amateurperiode niet, zoals in

Frankrijk, waar balletvoorstellingen het monopolie waren van adellijke hovelingen en de familie van de koning.

In Rusland werden de allereerste uitvoeringen uitgevoerd door acteurs die er een opleiding in hadden gevolgd theater scholen, voor wie theatervoorstellingen de bron van hun levensonderhoud waren. Ze verbeterden hun vaardigheden en gaven uitdrukking aan hun stijl, hun podiumgedrag. (8)

Toekomstige Russische dansscholen werden geboren in de diepten van onderwijsinstellingen algemeen type, niet gerelateerd aan het theater. Het in 1731 opgerichte szlachtakorps uit Sint-Petersburg bereidde Russische jongeren voor op militaire en openbare dienst. Ze leerden veel vakken, waaronder dansen. Ze oefenden 4 keer per week gedurende 4 uur choreografie. Hier werd in 1734 J. Landais uitgenodigd als dansmeester. (42)

In de 18e eeuw werden Russische volksdansbeelden en volksdans bewaard op het Russische podium.

Dramatische acteurs en zangers bewaarden zorgvuldig de kunst van de Russische volksdans en de expressiviteit ervan op het podium. opera. Lied- en komische nummers waren rechtstreeks verbonden met dansen uit het oude volkstheater. De belangstelling van de Russische samenleving voor choreografische kunst nam toe bij elke nieuwe balletvoorstelling. De noodzaak om een ​​school op te richten werd duidelijk. In 1738 werd het begin gelegd van het choreografisch onderwijs in Rusland. De school was gevestigd in het voormalige paleis van Peter I; de choreograaf was J. Landais. A.A. nam een ​​waardige plaats in de school in. Nesterov, hij studeerde al vóór de opening van de school bij Lande en was de eerste Russische balletleraar (32).

In 1777 werd in Sint-Petersburg een openbaar theater geopend. Het was het eerste commerciële openbare theater in Rusland, het “Vrije Theater” genoemd. Een paar jaar later werd het overgedragen aan de schatkist en werd het stad genoemd. In 1806 hield de school van het Petrovsky Theater op te bestaan, en op basis daarvan werd de Moskouse Keizerlijke Theaterschool georganiseerd.

De Russische choreografie beheerste in de tweede helft van de 18e eeuw de studie van ensceneringstrends en pedagogische technieken van buitenlands ballet. Hilferding, Angiolini en Canziani werken in Rusland. Deze tijd wordt gekenmerkt door versterkende trends in de Russische cultuur. Ze worden in verband gebracht met boerenopstanden en volksonrust die het hele land overspoelden.

Aan het begin van de 19e eeuw, toen het lijfeigeneballet overbodig werd, belandden veel van de artiesten op het keizerlijke podium van de hoofdstad.

Vanaf het begin van de 19e eeuw begon de betekenis van de term karakteristieke dans te veranderen - het werd semi-karakteristiek genoemd en de definitie van karakteristiek verplaatste zich naar volksdans. Deze betekenis van de term is tot op de dag van vandaag gebleven. De karakteristieke dans van de 19e eeuw was anders dan volkse thema's, dat geen onafhankelijke, maar een ondergeschikte betekenis had. Zijn wetten werden toen door het orkest gedicteerd symfonische muziek en de stijl van de uitvoering. Volksbewegingen waren beperkt tot een bepaald aantal mensen van een bepaalde nationaliteit. (29)

Het concept van ‘karakterdans’ in de 19e eeuw en het begin van de 20e eeuw betekende theatrale, alledaagse karakterdans, zowel in de salon als voor publiek. Door volksdans ondergeschikt te maken aan een specifieke inhoud, selecteerde de karakteristieke dans de belangrijkste kenmerken ervan en liet, door het belangrijkste uit te vergroten en te wijzigen, het onbelangrijke weg. Deze selectie was natuurlijk. Het maakte het mogelijk de geest in dans over te brengen historische tijdperken en de specifieke omstandigheden van de prestaties van de dag, kenmerken die alle mensen gemeen hebben, en onderscheidende kenmerken acteur. Daarom kun je, gebaseerd op dezelfde volksdans, verschillende karakteristieke dansen creëren die niet erg op elkaar lijken.

De plaats en rol van karakterdans in ballet wordt uitgebreid of verkleind, afhankelijk van de esthetische eisen van een bepaald tijdperk. Hij zou de effectieve basis van de hele voorstelling kunnen zijn, of hij zou uit de actie kunnen stappen en alleen de rechten van een invoegnummer behouden.

Vanaf het allereerste begin kwamen er twee stromingen naar voren in de karakteristieke dans. De ene is gebaseerd op de creatieve nabijheid van de folkloristische bron, waarbij wordt gestreefd naar het overbrengen van de betekenis en artistieke aard ervan; de andere is decoratief, stilerend. Beide trends beïnvloedden het lot van de Russische karakterdans gedurende de hele pre-revolutionaire geschiedenis, waardoor onmiskenbaar de algemene staat van het balletrepertoire van een bepaalde tijd werd onthuld.

In de tweede helft van de 19e eeuw was de karakteristieke dans bij een balletvoorstelling op de achtergrond. In de kern was het een nationale volksdans, die onderhevig was aan aanzienlijke stilering, zowel bij het ontwerp van groepen als bij de interpretatie van bewegingen, die gestileerd waren volgens de principes van de klassiekers. Terwijl ze hun lidmaatschap van de nationale dansen behielden, werden ze zachter, ronder en vloeiender. De absolute eversie van de benen van klassieke dansers werd hier vervangen door relatieve eversie. De tenen waren gestrekt zoals bij klassieke dans, de armen werden geopend en opgeheven in klassieke dansposities. De dansen van de meest uiteenlopende nationaliteiten waren gebaseerd op dezelfde bewegingen: pas de basque, battement Developpe, battement jete. (6)

In sommige gevallen namen karakterdansen over het algemeen de vorm aan van klassieke variaties. Bij het ensceneren van Chinese, Japanse, Indiase stappen

choreografen brachten de stilering zo ver dat ze de springtechniek van de klassieke dans overnamen, terwijl het karakter in de positionering van de armen en het lichaam behouden bleef.

IN realisme, over de niet-afbakening van de romantische richting. IN eeuw werd een oefening met karakteristieke dans gecreëerd. Het was gebaseerd op de oefening van klassieke dans. Dit maakte het mogelijk om de wetten van de choreografische thematiek op grote schaal te gebruiken bij het opvoeren van karakterdansen. Over het algemeen wordt de 19e eeuw gekenmerkt door ernstige veranderingen voor de Russische staat. Het kapitalisme ontwikkelde zich in het land en daarmee ontstond de arbeidersklasse. Dit alles komt tot uiting in volkskunst.

Helemaal aan het einde van de 19e eeuw en het begin van de 20e eeuw begonnen veel balletdansers les te geven, zoals: A. Gorsky, M. Fokin, V. Tikhomirov en anderen. Gorsky verrijkt de woordenschat van de klassieke dans door middel van karakter en introduceert volksdans breed in de voorstelling. In 1914 vertoonde hij het programma ‘Dances of Nations’, waarin theatrale dansen van verschillende landen te zien waren. (23)

Volksdans heeft zich in de loop van de twintigste eeuw ontwikkeld van een volksdans naar een gestileerde volksdans. Bovendien waren alle veranderingen die de volkschoreografie in de verslagperiode beïnvloedden zeer significant en vonden ze vrij snel plaats. Een van de belangrijkste principes van de ontwikkeling van de volksdanskunst in de twintigste eeuw is het principe van de professionalisering ervan. Door de uitvoeringsvaardigheden van volksdansen naar een hoger niveau te tillen, heeft dit proces er ook toe bijgedragen dat de drager van nationale danstradities geleidelijk veranderde van vertegenwoordigers van het gewone volk in professionele artiesten, choreografen en leraren, wat rechtstreeks van invloed was op de ontwikkeling van het huiselijke alledaagse leven. choreografie.

Russische volksdans is dus een van de meest wijdverspreide en oudste vormen van volkskunst. Dit is een heldere, kleurrijke creatie van de mensen, die een emotionele artistieke specifieke weerspiegeling is van hun leven, karakter, gedachten, gevoelens, esthetische opvattingen en begrip van de schoonheid van de wereld om hen heen.

Volksdans is een van de oudste kunsten. Het kwam voort uit de behoefte van de mens om de zijne uit te drukken emotionele toestand het lichaam gebruiken. De dans reflecteert dagelijks leven een persoon, zijn werkdagen. Vreugdevolle en droevige indrukken werden ook uitgedrukt door bewegingen op een bepaald ritme, en later op muziek.

De oorsprong van danskunst ligt in de oudheid. Bewijs hiervan zijn rotstekeningen met dansende figuren, vermoedelijk gemaakt tijdens de Neolithische periode (8 - 5 duizend jaar voor Christus).

Er bestaat nog steeds geen consensus over het primaat van de geboorte van dans, zang of muziek; één ding staat buiten kijf: de verschijning van dans wordt geassocieerd met het bewustzijn van ritme als begeleiding van een bepaalde reeks lichaamsbewegingen. Deze ritmische lichaamsbewegingen konden verschillende inhoud hebben, wat vervolgens diende als reden voor het ontstaan ​​van veel theorieën over de oorsprong van dans (de voorgangers ervan werden spellen, magische of religieuze rituelen, erotische instincten, enz. genoemd). Elk van de theorieën heeft bestaansrecht en kan ook niet als de enige ware worden beschouwd. Hun zorgvuldige studie bevestigt de conclusie die dans te allen tijde heeft gehad belangrijk V openbare leven de mens, in zijn harmonieuze, esthetische en fysieke ontwikkeling.

Al in de eerste fase van zijn bestaan ​​probeerde dans de werkelijkheid in een sociale vorm te weerspiegelen, de meest typische kenmerken ervan te selecteren en er een bepaald beeld aan te geven. De eerste muziek voor de dansers bestond uit de geluiden van trommels, het geluid van rinkelende armbanden en amuletten, de eerste make-up was schminken waarbij bloed werd geïmiteerd, en de eerste ervaring met acteerexpressie was de imitatie van verschillende dieren.

De geboorte van de danskunst

De eerste dansen uit de oudheid waren verre van wat dit woord vandaag de dag wordt genoemd. Ze hadden een heel andere betekenis. Met een verscheidenheid aan bewegingen en gebaren bracht een persoon zijn indrukken van de wereld om hem heen over, en legde daarin zijn stemming, zijn gemoedstoestand. Geschreeuw, zang en pantomimespel waren verbonden met dans. De dans zelf is altijd nauw verbonden geweest met het leven en de manier van leven van mensen. Daarom komt elke dans overeen met het karakter en de geest van de mensen waaruit deze is ontstaan. Met de verandering in het sociale systeem en de levensomstandigheden veranderden de aard en het thema van de kunst, en ook de dans. De wortels waren diep geworteld in de volkskunst.

Dansen was heel gebruikelijk onder de volkeren oude wereld. De dansers streefden ernaar ervoor te zorgen dat elke beweging, elk gebaar en elke gezichtsuitdrukking een gedachte, actie of daad uitdrukte. Expressieve dansen waren van groot belang, zowel in het dagelijks leven als in het openbare leven. Heel vaak begonnen de festiviteiten en gingen ze gepaard met dansen.

Voor de mens primitieve samenleving dans is een manier van denken en leven. Jachttechnieken worden beoefend in dansen waarin dieren worden afgebeeld; De dans drukt gebeden uit voor vruchtbaarheid, regen en andere dringende behoeften van de stam. Liefde, werk en ritueel worden belichaamd in dansbewegingen.

Sociale en alledaagse dansen begeleidden familie- en persoonlijke feesten, stads- en nationale feestdagen. Er waren verschillende soorten dansen: thuis, stad en platteland. Ze waren gevarieerd in thema en compositorisch ontwerp, en in de compositie van artiesten. Het waren sociale dansen die dat deden grote invloed aan de opkomst van toneeldans.

In de loop van de tijd veranderde de choreografie, elke etnische groep had zijn eigen kenmerken. In het oude Egypte was de danskunst vooral ritueel van aard. In de oudheid werden paramilitaire dansen toegevoegd aan rituele dansen, bedoeld om de geest van soldaten op te vrolijken vóór de strijd. In het oude Griekenland, met de ontwikkeling theatrale kunsten, komt ook toneeldans voor. Zo kunnen volksdansen in de oudheid worden onderverdeeld in toneel, militair, heilig (religieus, ritueel) en sociaal. In de Middeleeuwen was er een verdeling in hof- en dorpsdans. Deze verdeling kent nog geen duidelijke grenzen, en vaak waren dezelfde bewegingen aanwezig in zowel paleis- als volksdansen.

In de 17e-19e eeuw vond er ontwikkeling plaats stijldans en ballet. Maar de oorsprong van de hof- en toneelchoreografie ligt nog steeds in de volksdans. Tegenwoordig zijn er veel dansstijlen en -soorten, maar ze zijn allemaal verenigd door de eenheid van muziek, ritme en bewegingen.

Het oudste type volksdans, dat bij bijna alle etnografische groepen voorkomt, is de rondedans. Zijn bewegingen zijn eenvoudig en bestaan ​​uit het lopen in een cirkel onder begeleiding van muziek of zang. De cirkelvorm symboliseerde mogelijk de zon. Rounddance bestond en bestaat nog steeds voor iedereen Slavische volkeren. In Litouwen wordt het korogod genoemd, in Moldavië - hora, in Bulgarije, Roemenië - horo, onder de Kroaten, Bohemers, Dalmatiërs - kolo.

Eén van de oudste danstradities is die van het Afrikaanse continent. Het bijzondere van negerdans is het overheersende belang van ritme boven muziek. De Afrikaanse cultuur leverde het materiaal voor de ontwikkeling van veel Latijns-Amerikaanse dansen: mambo, merengue, samba, cha-cha-cha, lambada en vele andere. Zelfs moderne dansstijlen - jazzdans, popping, rock and roll, hiphop, breakdancing, RnB en andere - zijn gebaseerd op de volkskunst van de zwarte bevolking van de wereld.

Volksdans vormde de basis voor stijldans. Zo is de bekende en geliefde wals ontstaan ​​uit de oude volksdans volta, de mazurka, die in de 18e en 19e eeuw de koningin van het bal werd - uit de Poolse volksdansen mazur, kujawiak en oberek.

Sommige volksdansen zijn het kenmerk van één land, zoals de tarantella voor Italië, “Kalinka”, “Barynya” voor Rusland, Kozakken, Hopak voor Oekraïne, Krakowiak voor Polen, Csardas voor Hongarije. En andere hebben zich over de hele wereld verspreid, waarbij ze nationale kenmerken hebben overgenomen verschillende regio's zoals polka- en zigeunerdansen. Er zijn talloze stijlen en soorten volksdansen, maar ze hebben allemaal één ding gemeen: ze weerspiegelen de kroniek van de geschiedenis van de mensen, hun ziel en karakter.

Het dankt zijn uiterlijk aan het barre Russische klimaat. Ze zeggen dat de sprongen en trucs waar onze dansen zo rijk aan zijn, niets meer zijn dan een manier om op te warmen in de kou. De meerderheid tenslotte nationale feestdagen en festiviteiten in Rus vonden vroeger alleen in de late herfst en winter plaats, wanneer de oude oogst al was geoogst en de tijd nog niet was aangebroken om een ​​nieuwe te zaaien.

Natuurlijk is er zo'n versie. Maar hoe het ook zij, Russische volksdans is een vrij oude kunst. De eerste vermelding ervan in historische documenten dateert uit 907, dat wil zeggen, zelfs daarvoor. Maar wanneer de Russische mensen precies begonnen te dansen en wat hun eerste dansen waren, weet niemand het nu. Je kunt alleen maar aannemen dat de Russische volksdans aanvankelijk een enorme rituele betekenis had en een nauwe heilige band met de natuur symboliseerde. Althans, dit is precies het oordeel dat voortkomt uit de oude nationale mondelinge tradities, heldendichten en liedjes.

Opgemerkt moet worden dat de Russische volksdans zeer nauwkeurig de manier van leven, het temperament en het karakter van de mensen weerspiegelt. Je zou kunnen stellen dat de weerspiegeling van de werkelijkheid een van de kenmerken is van de danskunst van onze voorouders. En dit is de reden waarom Russisch opvalt tegen de achtergrond van de werelddanscultuur.

Het eerste zaaien of oogsten in Rus' gaat al lang gepaard met allerlei rituele handelingen. De rondedans werd hun basis en veranderde soepel in een klassieke Russische dans. Je zou kunnen stellen dat de rondedans de voorvader is van onze nationale danskunst. Op basis van zijn motieven worden al eeuwenlang dansen gecreëerd, die tegenwoordig worden beschouwd als sprekende voorbeelden van nationale choreografie.

De Russische volksdans “Kalinka” is geen rondedans, het is een dans die als het ware de ketting van de rondedans doorbreekt. Dans is de beste manier om het plezier, de opgewektheid, de bekwaamheid en de breedte van iemands ziel te demonstreren die kenmerkend zijn voor alle Slavische volkeren. Maar absoluut alle Russische dansen zijn gevuld met een diepe lyrische betekenis, net zoals de vreugde van een Rus altijd verdriet weerspiegelt. Een andere beroemd voorbeeld klassieke dans - Russische volksdans “Barynya”.

Deze en andere Russische dansen zijn een bijzondere kunst. De dansers spelen, net als theateracteurs, een rol in de productie. Ze vertellen een onderhoudend levensverhaal. Ze vertellen verhalen helder en kleurrijk, waarbij ze niet alleen lichaamsbewegingen gebruiken, maar ook gezichtsuitdrukkingen en gebaren. Russische dansen zijn humor en gelach, salto's en sprongen, pakkende dansen, die er vooral indrukwekkend uitzien tegen de achtergrond van heldere nationale kostuums.

Een belangrijk feit is dat in het Russisch nationale dansen De mannelijke en vrouwelijke principes zijn duidelijk zichtbaar. De man is energiek en moedig, de vrouw is majestueus en trots. Verhalen in liederen over Groot-Rusland, goede tsaren en dappere helden, die de Russische dansen eeuwenlang hebben begeleid, hebben ze tot onderdeel van de geschiedenis van het vaderland gemaakt.

De belangstelling voor Russische volksdans is noch in Rusland noch daarbuiten afgenomen buitenland. En tegenwoordig concentreren veel choreografische scholen zich, onder de verscheidenheid aan dansen, liever op Russische volksdansen - een kunst die zich al honderden jaren heeft bewezen.

Volkskunst is de essentie van de mentaliteit, het karakter, de ambities en de hoop van het volk. Door volkslied en dans kun je de geschiedenis en dromen van de mensen leren kennen, hun hoop voor de toekomst

Volksdans is een van de oudste kunsten. Het ontstond vanwege de behoefte van een persoon om zijn emotionele toestand uit te drukken met behulp van zijn lichaam. Dans weerspiegelt het dagelijkse leven van een persoon, zijn werkroutine. Vreugdevolle en droevige indrukken werden ook uitgedrukt door bewegingen op een bepaald ritme, en later op muziek.

Geschiedenis van de dans

De dans ontstond aan het begin van de geschiedenis, tijdens de periode van het primitieve gemeenschapssysteem. Alle belangrijke gebeurtenissen in het leven primitieve mens- geboorte, overlijden, ziekenbehandeling, keuze van een nieuwe stamleider, gebed voor de oogst, mooi weer - gingen gepaard met dansen. Danskunst was en is aanwezig in de culturele tradities van elke menselijke gemeenschap, in elke etnografische groep. Geleidelijk scheidde de dans zich van het lied en werd een aparte soort kunst.

In de loop van de tijd veranderde de choreografie, elke etnische groep had zijn eigen kenmerken. In het oude Egypte was de danskunst vooral ritueel van aard. In de oudheid werden paramilitaire dansen toegevoegd aan rituele dansen, bedoeld om de geest van soldaten op te vrolijken vóór de strijd. In het oude Griekenland, met de ontwikkeling van theatrale kunst, verscheen ook toneeldans. Zo kunnen volksdansen in de oudheid worden onderverdeeld in toneel, militair, heilig (religieus, ritueel) en sociaal. In de Middeleeuwen was er een verdeling in hof- en dorpsdans. Deze verdeling kent nog geen duidelijke grenzen, en vaak waren dezelfde bewegingen aanwezig in zowel paleis- als volksdansen.

In de 17e en 19e eeuw ontwikkelden stijldans en ballet zich. Maar de oorsprong van de hof- en toneelchoreografie ligt nog steeds in de volksdans. Tegenwoordig zijn er veel dansstijlen en -soorten, maar ze zijn allemaal verenigd door de eenheid van muziek, ritme en bewegingen.

Soorten volksdans

Het oudste type volksdans, dat onder bijna alle etnografische groepen bestaat, is dat wel. Zijn bewegingen zijn eenvoudig en bestaan ​​uit het lopen in een cirkel onder begeleiding van muziek of zang. De cirkelvorm symboliseerde mogelijk de zon. Rondedans bestond en bestaat nog steeds onder alle Slavische volkeren. In Litouwen wordt het korogod genoemd, in Moldavië - hora, in Bulgarije, Roemenië - horo, onder de Kroaten, Bohemers, Dalmatiërs - kolo.

Eén van de oudste danstradities is die van het Afrikaanse continent. Het bijzondere van negerdans is het overheersende belang van ritme boven muziek. De Afrikaanse cultuur leverde het materiaal voor de ontwikkeling van veel Latijns-Amerikaanse dansen: samba, cha-cha-cha en vele andere. Zelfs moderne dansstijlen - RnB en andere - zijn gebaseerd op de volkskunst van de zwarte bevolking van de wereld.

Volksdans vormde de basis voor stijldans. Zo kwam de bekende en geliefde dans van de oude volksdans volta, mazurka, die in de 18e en 19e eeuw de koningin van het bal werd - van de Poolse volksdansen mazur, kujawiak en oberek.

Sommige volksdansen zijn het kenmerk van één land, zoals de tarantella voor Italië, “Kalinka”, “Barynya” voor Rusland, de Kozak voor Oekraïne, voor Polen, voor Hongarije. En andere hebben zich over de hele wereld verspreid, waarbij ze de nationale kenmerken van verschillende regio's hebben overgenomen. Er zijn talloze stijlen en soorten volksdansen, maar ze hebben allemaal één ding gemeen: ze weerspiegelen de kroniek van de geschiedenis van de mensen, hun ziel en karakter.

Kenmerken van volksdans

Volksdans is democratisch. Je hoeft geen professional te zijn om je emoties en gevoelens via lichaamsbewegingen te uiten: volksdans is voor iedereen toegankelijk. Folkloredans is anoniem en heeft geen specifieke auteur. Bewegingen en muziek worden van generatie op generatie doorgegeven en veranderen in de loop van de tijd.