2. Кукольная. Это вторая по сложности техника, после «Игольчатого экрана». А по популярности у мультипликаторов "до компьютерного периода" на первом! Это объясняется простотой и технологичностью производства: небольшая мастерская для изготовления персонажей и макетов, помещение для съемки, немного оборудования и несколько человек. В классическом варианте: объекты, перемещающиеся в трехмерном пространстве. Прежде всего куклы на шарнирах, но и любые другие реальные предметы тоже годятся. Я думаю, разъяснения здесь излишни.
Компьютерным аналогом кукольной мультипликации является 3 D анимация.

3. Перекладка. В классическом варианте: это плоские объекты, перемещающиеся на плоскости, в двухмерном пространстве. Обычно двигают на стекле, что б можно было фон под стекло подставить. Стеклянных плоскостей может быть много - многоярусный станок, что б создавать иллюзию пространства - передний план, средний, дальний, фон. Камера стоит сверху, а аниматор двигает по кадру под камерой сложносоставные персонажи. каждая двигающаяся часть тела представляет собой отдельный объект. Например, рука состоит из: плеча, предплечья, кисти и пальцев. И все это отдельные объекты, сделанные из картона бумаги или целлулоида…. Персонажи лежат на стекле, а под стеклом находится фон. Двигать под камерой можно и любые другие материальные предметы, такие как монеты, цепочки, спички, все что подскажет фантазия мультипликатора!
В современном варианте перекладка делается, например, во Flash или After Effects…

4. Плоская марионетка. Это что-то среднее между перекладкой и кукольной мультипликацией. Это перекладка, лежащая на стекле, со стороны стекла плоская, а с противоположной объемная. Примерно, как в скульптуре «барельеф».

5. Пластилиновая. Технология достаточно известна и популярна - это может быть как вариант кукольной мультипликации, а может быть и тотальная, когда все меняется и трансформируется.
Эту технику можно сымитировать в 3 D программах.

6. Сыпучие материалы. Мультипликатор под камерой, по кадру, создает движение из песка, опилок, кофе, чая… Чего только мультипликаторы не пробовали двигать под камерой по кадру!

7. Бескамерный метод. С кинопленки смывается эмульсионный слой, а затем вручную, перышком рисуется каждый кадр. Съемочная камера для такого метода не нужна. Да и компьютер тоже. Но нужна пленка и кинопроектор на 35 мм., а это делает данную технологию малоприменимой в современных условиях. Считается, что первым попробовал этот метод канадский аниматор Мак Кларен. Делается только вручную.

8. Рисованный звук. Смежная техника с «бескамерным методом». Тут все так же как и там, только рисуется звуковая дорожка, слева от кадров, на пленке со смытым эмульсионным слоем. Требует большой усидчивости и много экспериментов со звуком.
Пример: Норманн МакЛарен « Dots » (1940)

9. Ожившая живопись. Вариант первый: художник пишет картину, например, маслом прямо под съемочной камерой и время от времени фиксирует на пленке промежуточные этапы. Зритель, как бы становится свидетелем рождения картины. Есть компьютерные программы у которых есть функция записывающая все действия художника, например Corel Painter, получается такой же фильм. Вариант второй: делается обычная по кадровая съемка, по конкретному сюжету. А под камерой движение персонажей и фона создается при помощи масляных или темперных красок, обычно, на стекле, создавая эффект ожившего полотна.Пример: "Старик и море" Александра Пертрова.

10. Рэппорелло. Весьма экзотическая техника. Это работа только с реальными объектами, не сделанными специально для фильма, а найденные в окружающей среде. Подбираются, к примеру, несколько реальных объектов, похожих по форме но разных по пластике, снимают их, а потом создают из них движение. Самый известный образец этой техники - проснувшийся лев, из «Броненосца Потемкина». Там взяты три скульптуры львов: один лежащий, другой вскинувший голову, третий вскочивший на передние лапы. В фильме, после выстрела пушки, было показано по несколько кадров каждой из скульптур, в заданной последовательности, и это дало иллюзию, что скульптура ожила. А в контексте фильма прочиталось, что выстрел разбудил льва!

11. Метод игольчатого экрана. Придуман канадским аниматором Александром Алексеевым. Он же, долгое время, был и единственным мультипликатором, который мог работать в этой технике. Изобретенная в 1931 году, эта техника стала самой сложной техникой в истории мультипликации. Вместе со своей женой Клэр Паркер он сделал столешницу с огромным количеством отверстий, в которых находились металлические стержни. Столешница освещалась косым, боковым светом. Стержень, спрятанный в отверстии столешницы, не отбрасывал тени, поэтому поверхность казалось светлой. По мере выдвижения его из отверстия, начинала расти и тень от стержня, и получалась градация от светлого к темному цвету.
Пример: «Ночь на Лысой горе», Александра Алексеева.
Недавно я узнал, что есть современные художники, работающие в этой технике! Да и аналог столешницы можно купить в магазине.

12. Эклер. Это метод псевдо мультипликации, когда снимают живого актера, потом его переносят на бумагу, придавая черты нужного персонажа, а далее все по технологии рисованной мультипликации. Роль мультипликатора заменяется актерской работой. Термин «эклер» пошел от названия камеры французской фирмы «Эклер», которую приспособили на «Союзмультфильме» для проецирования изображения кадров на бумагу. Художники говорили: «Пойду, посижу на «эклере», это означало, что он займется нудной и тоскливой работой, в специальном помещении на отшибе, находящемся в колокольне рядом с фильмохранилищем, и будет заниматься обводкой проецируемого персонажа на кальку.
Пример: "Золотая антилопа", "Каштанка".
Современным аналогом «эклера» является технология « Motion capture».

13. Пиксилляция . Аналог кукольной анимации, только вместо кукол используются реальные актеры, которых мультипликатор двигает как кукол по кадру. В кадре могут одновременно находиться и взаимодействовать живые актеры, куклы и разные предметы. Пример: «Соседи» Норманна МакЛарен а

14. Фотоизбирательная . В нем, вместо рисунков используются, как вы догадались, фотографии, сделаные специально для фильма.
Пример: "Гарпия" Рауля Сервэ.

15. Совмещенная. Это мультипликация внедренная в обычный видеоряд. Или на оборот. Пример: «Три кабальеро», «Новый Гулливер».
Сейчас без совмещенки не обходится ни один блокбастер! И то, что порой вы не видите на экране мультипликации, не значит, что её нет! В кино это называется "спецэфектами".

Вот кажется полный список основных техник в мультипликации, если что забыл - дайте знать.

Компьютерную анимацию я выношу за скобки, поскольку это всего лишь новые технологии помогающие мультипликаторам добиться более качественного результата меньшей кровью.
Это как карандаш: сначала был уголь, потом графит, далее графит одели в деревянную рубашку, за тем в метал и пластмассу с механизмом выдвижения грифеля - цанговый карандаш, ну а теперь стилус - электронный карандаш. А рисуем-то мы, по-прежнему, руками.

Компьютер имитирует, как правило, те техники, которые уже существовали раньше. А зрителю, обычно, все равно при помощи каких технологий и средств это сделано. Главное что б интересно было!

Вот, к примеру, я уже сталкивался с тем, что многие Flash трактуют как отдельную анимационную технику или даже как стилистику. Причем примитивную. Я недавно видел в одной передаче, как Гарри Бардин, вместе с ведущими, склонял Flash на все лады. Они говорили, что это не мультипликация, что она примитивна, что там нет творчества, и при этом все время вспоминали «Масяню»! Видимо они больше ничего не видели из сделанного в этой программе! По поводу отношения старых мультипликаторов к компьютерам - это отдельная тема, о ней я напишу позже.

Коллеги и просто граждане, Flash - это всего лишь программа, которая позволяет делать не только "Масяню", но и более качественную мультипликациюо. И хорошую "перекладку", и классическую «рисованную анимацию» . Она приспособлена и для фазовки, и заливки. Ну, а остальное зависит от фантазии, знаний и мастерства мультипликатора.

История

Первые шаги в мультипликации были сделаны задолго до изобретения братьями Люмьер кинематографа . Попытки запечатлеть движение в рисунке начались в первобытную эпоху, продолжились в античные времена и привели к появлению примитивной мультипликации в первой половине XIX века. Бельгийский физик Жозеф Плато , австрийский профессор-геометр Симон фон Штампфер и другие учёные и изобретатели использовали для воспроизведения на экране движущихся изображений вращающийся диск или ленту с рисунками, систему зеркал и источник света (фонарь) - (фенакистископ , стробоскоп). Дальнейшее развитие этой технологии в сочетании с фотографией привело к изобретению киноаппарата .

Впоследствии мультипликация стала частью кинематографа, заняв в нём прочное место, как один из жанров . Для изготовления мультфильмов использовались киносъёмочные аппараты , пригодные для покадровой съёмки на один из стандартных форматов киноплёнки . Для создания рисованной мультипликации существовали мультстанки, представлявшие из себя сложную репродукционную установку со специальным киносъёмочным аппаратом, как правило, имеющим конструкцию, сходную с аппаратами для комбинированной съёмки и позволяющим регулировать угол раскрытия обтюратора и выполнять затемнения и наплывы. Такие аппараты выпускались в специальном исполнении для мультипликации, отличавшемся вертикальной установкой и специальной лупой для удобства визирования из такого положения. Конструкция профессиональных мультстанков позволяла создавать многослойные изображения на отдельных носителях и включала в себя осветительное оборудование. В настоящее время для рисованной мультипликации используется компьютер или мультстанок с цифровым фотоаппаратом .

Первые попытки

• 30 августа 1877 года считается днём рождения рисованной мультипликации - было запатентовано изобретение Эмиля Рено .
• 28 октября 1892 года - Эмиль Рено демонстрирует в парижском Музее Гревен первую графическую ленту с помощью аппаратов «оптический театр», действующих иначе, чем кинопроектор - до изобретения кинематографа.
• 1898 год - Джордж Стюарт Блэктон и Альберт Э. Смит сняли первый кукольный фильм «Цирк лилипутов» («Тhe Humptu Dumptu Circus»). В фильме использовались деревянный игрушки.
• 1899 год - снят первый сохранившийся мультипликационный рекламный ролик Matches: An Appeal (объёмный, автор - Arthur Melbourne-Cooper).
• 1900 год - Джордж Стюарт Блэктон создает фильм «Очарованный рисунок » («The Enchanted Drawing»), в котором ещё не было промежуточных фаз. В этот период он открывает секрет анимации, покадровой мультипликационной съемки - изображение за изображением, которая в США получила название «One turn, one picture» .
• 1906 год - американская компания Vitagraph Company of America выпускает один из первых мультипликационных фильмов Джорджа Стюарта Блэктона, снятых на киноплёнку, - «Humorous Phases of Funny Faces» («Смешные лица»), представлявшая собой серию простеньких рисунков с изображением забавных гримас.
• 1908 год - французский художник-карикатурист Эмиль Коль начинает активно заниматься графической мультипликацией. Он создал мультипликационный фильм «Фантасмагория » («Fantasmagorie»). Этот фильм стал знаковым для развития анимации не только тем, что был первым европейским анимационным фильмом, но и потому, что именно в нём впервые был структурированный самодостаточный сюжет, а главный герой Фантош был наделен определенным характером.
• - Владислав Александрович Старевич снял первый в мире объемный анимационный фильм «Прекрасная Люканида, или война рогачей с усачами».
• - 1922 годы - в США художник-карикатурист Уинзор Маккей поднимает рисованную анимацию на новый уровень качества, в 1914 году создаёт прообраз мультсериала с общим мультперсонажем (Gertie the Dinosaur), а в 1918 году снимает документальный мультфильм «The Sinking of the Lusitania» («Гибель Лузитании »).
• - Винзор Мак-Кей создал фильм «Маленький Немо» («Little Nemo») на основе газетного комикса.
• - Старевич создает фильм «Стрекоза и муравей ». Созданный на основе басни Крылова , фильм имел грандиозный успех и мировую популярность.

Дальнейшее развитие

Дальнейшему бурному развитию анимации способствовали не только фильмы, снятые ранее, но и развитие технического прогресса. Самым важным достижением в этой сфере стало открытие Рауля Барра - перфорированный целлулоид, который позволил зафиксировать лист с рисунком при помощи штифтов.

• 1918 год - состоялась премьера первого полнометражного художественного фильма «Апостол» («Еl Apostol») аргентинского режиссёра Квирини Кристиани.
• 1928 год - Уолт Дисней создает самого популярного рисованного персонажа в истории мультипликации - Микки Мауса . В этот же год выходит его первый звуковой анимационный фильм «Пароходик Вилли» («Steamboat Willie»).
• 1929 год - Уолт Дисней снимает «Танец скелетов» («Skeleton Dancе») первый из серии «Веселые симфонии». В целом приход Уолта Диснея в анимацию ознаменовался созданием определенных канонов, так называемой «диснеевской анимации».
• 1931 год - Квирини Кристиани ставит первый полнометражный звуковой фильм «Рeludopolis».
• 1932 год - Первый цветной анимационный фильм «Цветы и деревья» («Flowers and Trees») Уолта Диснея .
• 1936 год - в СССР основана киностудия «Союзмультфильм » (первоначально - «Союздетмультфильм»).
• 1937 год - Уолт Дисней в фильме «Старая мельница» («Тhe Old Mill») впервые использовал камеру, которая позволяла получить глубокую перспективу. В этом же году Дисней выпустил свой первый полнометражный анимационный фильм - «Белоснежка и семь гномов » («Snow White and the Seven Dwarfs»)по сказке братьев Гримм. «Белоснежка» принесла Диснею огромный успех: всемирную популярность, свыше 8 млн долларов дохода и восторженные отклики в профессиональной прессе.
• 1940 год - Уильямом Ханна и Джозефом Барбера , позднее создавшими студию Ханна-Барбера , начинают работу над серией мультфильмов «Том и Джерри ».
• 1943 год - Премьера анимационного цветного фильма Поля Гримо «Чучело» («L’Epouvantail»).
• 1947 год - Первый телевизионный анимационный сериал «Кролик-крестоносец» («Сrusader Rabbit») Алекса Андерсона и Джея Барда. Анимация начинает часто использоватся в телевизионной рекламе.
• 1956 год - создается студия анимационных фильмов в г. Загребе (Душан Вукотич , А. Маркс, Б. Колар, З. Боурек, Ватрослав Мимица). Первым фильмом «Загребской школы» стал короткометражный «Веселый робот» («Nestasni Robot», реж. Душан Вукотич).
• 1958 год - усилиями Осамы Тэдзуки в Японии создается уникальный стиль рисованной анимации - аниме .
• 1960 год - начало производства серии «Флинстоуны » («Тhe Flinstones»), которая показывалась на американском телевидении. Это был первый анимационный сериал для взрослых.
• -1971 годы - первый советский мультсериал (до этого существовали альманахи под общими названиями) «Маугли », режиссёр: Роман Давыдов .
• 1969 год - в фильме Романа Качанова «Крокодил Гена » впервые появляется визуальный образ Чебурашки .
• 1983 год - фильм «Танго» поляка Збигнева Рыбчинского получил «Оскар » в категории короткометражных анимационных фильмов.
• 1988 год - основана первая в СССР негосударственная мультипликационная студия «Пилот ».
• 1990 год - начинается выпуск сериала «Симпсоны » («Тhe Simpsons»).
• 1993 год - «Кодак» вводит систему «Сineon» - первый полный комплект оборудования для создания спецэффектов.
• 1995 год - первый полнометражный компьютерный мультфильм - «История игрушек » (студия Pixar).
• В 1999 году году мультфильм «Старик и море » режиссёра Александра Петрова стал первым в истории кино мультфильмом для кинотеатров большого формата IMAX . В 2000 году этот же мультфильм был удостоен премии Американской киноакадемии «Оскар ».

Мультипликация в СССР

Союзмультфильм

«Союзмультфи́льм» - крупнейшая в Советском Союзе студия мультипликационных фильмов, основанная в Москве 10 июня 1936 года. Располагается по адресу: Москва, ул. Долгоруковская, 25.

Киевнаучфильм

«Киевнаучфи́льм» - студия, организованая на базе отдела техфильма Киевской кинофабрики 1 января 1941 года. Среди мультфильмов, созданных на студии «Киевнаучфильм», есть и полнометражный - «О́стров сокро́вищ » - советский анимационно-игровой фильм по одноимённому роману Роберта Льюиса Стивенсона , в двух частях: «Карта капитана Флинта» и «Сокровища капитана Флинта».

Творческое объединение «Экран» - первое в Советском Союзе творческое объединение (в числе прочего включало и студию «мульттелефильм») по производству телевизионных фильмов, организованное в 1968 году в структуре Гостелерадио СССР. В 1989 г. переименовано в ТПО «Союзтелефильм», а в 1994 году прекратило деятельность в связи с расформированием ГТРК «Останкино».

Анимационная педагогика

Своим демократизмом и многообразием искусство мультипликации вызвало естественный интерес у педагогов. В СССР возникли многочисленные детские анимационные студии , начали проводиться детские кино- и анимационные фестивали.

Одна из ярких школ анимационной педагогики развилась в Днепропетровске (см. Ю. Красный , Л.Курдюкова).

Основные техники

В графической мультипликации один кинокадр (фотоизображение) является фотографией рисованных объектов (графических, живописных, теневых (силуэтных), порошковых), основанные на плоских марионетках и перекладках, включая и фотовырезки). Фазы движения отдельных предметов или персонажей отрисовываются на листах прозрачной плёнки (целлулоида и других подобных листовых материалах), после чего накладываются на стекло, расположенное выше изображения фона или среды обитания персонажей.

В объёмной мультипликации кадр является фотографией объёмных, полуобъёмных, барельефных и плоских кукол-актёров.

В последнее время значительную популярность и распространение (особенно в сети Интернет) получила Flash-анимация .

Исходя из психофизиологических особенностей человеческого визуального восприятия, для создания эффекта плавного движения при просмотре скорость смены кадров должна быть не менее 18 кадров в секунду.

Рисованная мультипликация

Схема создания традиционной мультипликации

В технологию традиционной рисованной мультипликации входит наложение и сведение в один кадр прозрачных листов с нарисованными на них персонажами; при необходимости изобразить движение одного персонажа рисуется он сам и кадр собирается с заменённой деталью, вместо того, чтобы рисовать всю картину с изменением целиком.

Кукольная мультипликация

Кукольная анимация - метод объёмной мультипликации. При создании используется сцена-макет и куклы-актёры. Сцена фотографируется покадрово, после каждого кадра в сцену вносятся минимальные изменения (например, изменяется поза куклы). При воспроизведении полученной последовательности кадров возникает иллюзия движения объектов. Этот тип анимации впервые возник в России в 1906 году .

Первым русским мультипликатором (1906 год) был Александр Ширяев , балетмейстер Мариинского театра , создавший первый в мире отечественный кукольный мультфильм, в котором изображены 12 танцующих фигурок на фоне неподвижных декораций, изображающих сцену. Фильм снят на 17,5-миллиметровую плёнку. Время по его созданию заняло три месяца. За время создания Ширяев протёр ногами дыру в паркете, поскольку постоянно ходил от кинокамеры к декорации и обратно.

Данные фильмы обнаружены в архиве Ширяева киноведом Виктором Бочаровым в 2009 году. Там же найдены ещё несколько кукольных мультфильмов: «Играющие в мяч клоуны», «Художники Пьеро» и любовная драма со счастливым концом «Шутки Арлекина». Современные мультипликаторы ещё не могут разгадать секреты мультипликатора, поскольку куклы Ширяева не просто ходят по земле, но и прыгают и крутятся в воздухе .

Компьютерная анимация

Растровая 2D-анимация

3D-анимация

Компьютерная анимация - вид анимации , создаваемый при помощи компьютера . На сегодня получила широкое применение как в области развлечений, так и в производственной, научной и деловой сферах. Являясь производной от компьютерной графики , анимация наследует те же способы создания изображений: векторную графику , растровую графику , фрактальную графику и трёхмерную графику (3D).

Squigglevision

Squigglevision - это запатентованный метод компьютерной анимации , в соответствии с которым контуры объектов непрерывно колеблются.

Flash-анимация

Награды

Как и в любой другой форме искусства, в анимации тоже присуждают награды за выдающиеся достижения. Оригинальные награды за анимацию выдавались академией кинематографических искусств и наук для анимированных короткометражных фильмов с 1932 года, во время 5-й церемонии награждения «Оскарами ». Первым лауреатом премии Американской киноакадемии была короткометражка «Цветы и деревья » производства Walt Disney Productions и United Artists. Тем не менее, премия Американской киноакадемии за полнометражный анимационный кинофильм учреждена только в 2001 году, и получил её во время 74-й церемонии вручения наград (2002 год) фильм «Шрек » производства DreamWorks и Pacific Data Images. С тех пор Disney/Pixar произвели наибольшее количество фильмов, как победивших, так и выдвинутых на соискание премии.

См. также

• Pivot

Примечания

Литература

Мищенко Наталья, ученица 10 класса МОУ СОШ № 32 г. Рыбинск

Результаты опроса десятиклассников показали, что среди учащихся есть увлекающиеся аниме. Также есть достаточно много слышавших о данном направлении в анимации и желающих узнать о ней больше.

Скачать:

Предварительный просмотр:

XIX городская открытая научная конференция школьников,

Посвящённая памяти академика А.А. Ухтомского

«Стили анимации»

Выполнила

Мищенко Наталья Игоревна,

ученица 10 класса

МОУ СОШ № 32

имени академика А.А. Ухтомского

Научный руководитель

Щербак Эллина Юрьевна

Рыбинск

2012 г.

Введение. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 3

1. Происхождение анимационных техник и их развитие. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .4

1.1. История японской анимации. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 4

1.2. История студии Уолта Диснея. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .5

2. Сравнительная характеристика. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6

2.1. Рисунок. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6

2.2. Анимация. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .7

2.2.1. Сходства. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .7

2.2.2. Различия. . . . . . . . . . . .. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .9

2.3. Сюжет. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .10

3 «Kingdom Hearts» – игра, соединившая столь разные техники. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .11

Заключение. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .12

Литература. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13

Приложения. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .14

Введение

Актуальность данной проблемы обусловлена особенностями современной молодежной культуры. В последние годы японская анимация приобрела большое распространение на территории нашей страны. На больших экранах во многих городах России были показаны лучшие полнометражные произведения японской анимации – «Унесенные призраками» Хаяо Миядзаки, «Волчица и пряности» Такэо Такахаси, «Девочка, покорившая время» Мамору Хосоды, «Исчезновение Харухи Судзумии» Ясухиро Такэмото. Был даже снят один российский мультфильм с концепцией и графикой японской анимации – «Первый отряд». Для его создания были привлечены известные японские аниматоры, которые работали над мультфильмом совместно с российскими. Но данное направление в мультипликации получило довольно неоднозначную оценку, тогда как мультфильмы У. Диснея нравятся всем людям без исключения.

История аниме берет начало в XX веке, когда японские кинорежиссёры начинают первые эксперименты с техниками мультипликации, изобретёнными на Западе. Это говорит о том, что оба стиля анимации имеют общие истоки, одинаковые начальные наработки. Но в процессе развития они пошли по разным путям, чем и обусловлено так заметное в данное время их различие.

Результаты опроса 28 учащихся 10 класса показали, что среди учащихся есть увлекающиеся аниме (приложение 1). Также есть достаточно много слышавших о данном направлении в анимации и желающих узнать о ней больше.

Цель: выявление сходства и различия между анимацией студии Уолта Диснея и японской анимацией.

Задачи:

1. Проследить историю появления анимации Уолта Диснея и японской анимации.
2. Проанализировать сходства и различия в техниках анимаций.
3. Рассмотреть современную совместную работу студий.

Практическая значимость . Данная работа может быть использована на уроках по искусству, изобразительному искусству, во внеклассной работе.

1. Происхождение анимационных техник и их развитие

1.1. История аниме

Аниме, как самостоятельное направление в мультипликации возникло в 1958 г. и было официально признано как искусство в конце XX-го века. История аниме корнями уходит к началу XX столетия, когда японцы стали проявлять заметный интерес к иностранным техникам создания анимационных фильмов.

Несмотря на то, что эксперименты с анимацией проводились в Японии и до этого, первым заметным творением, относимым к аниме, стал показ «Истории о белой змее», мультфильма студии «Toei». Первый аниме-сериал выпустила студия «Otogi», представляющий собой чёрно-белые исторические мультфильмы. В 1963 г. Осаму Тэдзука, прозванный «Богом манги», основал студию «Mushi Productions» и выпустил свой первый аниме-сериал «Могучий Атом». Это стало началом бума аниме.

В течение 1970-x гг. аниме активно изменялось, разрывая связи со своими иностранными прародителями и рождая новые жанры, такие, как меха. Появлялись такие произведения, как «Люпин III» или «Мэйзингер Z». Многие известные режиссёры, в частности Хаяо Миядзаки и Мамору Осии, начинали свою карьеру в эти годы.

К 1980 г. аниме и манга (комиксы, зачастую дающие начало японским мультфильмам) широко распространились в Японии, и переживали свой так называемый «Золотой век». Были выпущены первые сериалы из цикла «Гандам», начала свой путь к вершине Румико Такахаси – создательница таких аниме как «Инуяша» и «Ранма 1\2». В 1988 г. полнометражный фильм «Акира» установил рекорд бюджета аниме-фильма и создал совершенно новый стиль анимации – более детальная проработка рисунка и так называемый прием «24 кадров в секунду». Это позволило сделать сюжет более динамичным, движения персонажей более плавными и реалистичными.

1990-е и 2000-е годы стали временем широкого признания аниме за пределами Японии. «Акира» и вышедший в 1995 г. «Призрак в доспехах», впервые объединивший традиционную анимацию и компьютерную графику, получили известность по всему миру. В 1997 г. полнометражный аниме-фильм «Принцесса Мононоке» собрал 160 миллионов американских долларов в Японии.

В разы возросло число как поклонников аниме, так и зрителей, смотрящих его от случая к случаю. В то же время в Японии продолжали совершенствоваться технологии создания и отрисовки аниме: студии переходили на компьютерную графику, активно применяя трёхмерную анимацию. Из детских мультипликационных фильмов начала XX века японская анимация превратилась в культуру, творящую разнообразные, серьёзные и забавные, эмоциональные и наивные, предназначенные для подростков, детей и взрослых произведения.

1.2. История студии Уолта Диснея

В 1920-1921 годах У. Дисней по заказу снял 12 коротеньких лент – «Смехограмм Ньюмена». Это единственные мультфильмы, сделанные полностью им, от начала и до конца (как художника, аниматора и автора). Эти сценки из канзасской жизни особого успеха не имели, но позволили (материально) автору начать осуществление его собственной идеи – серии экранизации сказок.

Экранные сказки У. Диснея не являлись иллюстрациями к любимым всеми книжкам, они представляли собой авторские анимационные интерпретации этих произведений. Так появились «Красная Шапочка», «Бременские музыканты», «Джек и бобовый стебель». Но эти творения публика так и не увидела, так как прокатчики их не признали. У. Дисней выпустил еще 9 лент, среди которых были: «Златовласка», «Кот в сапогах», «Золушка» и другие сказки. Его энтузиазм привел к разорению предприятия.

Следующим сериальным проектом У. Диснея стал «Освальд – счастливый кролик». Его изобразительное решение явилось логическим продолжением кота Юлиуса. «О-образный» стиль внешности персонажа был ежегодной «жертвой» кота Феликса, но автор в разработке самих сюжетов и гэгов проявил блестящее мастерство аниматора. Сюжет разрабатывался в литературной форме, затем весь скрипт переводился в раскадровку по эпизодам. Здесь же великий аниматор ввел и альбомы образцов. В них представлены не только все персонажи серии, но и типичные для них схемы движения (по ротоскопу).

В технической стороне У. Дисней тоже пошел на невиданные «жертвы» - нововведения. В технологию создания мультипликата он вводит понятия черновика, так называемый «черновой мультипликат». Именно поэтому многие творения диснеевской студии выглядят на экране такими безупречными, выверенными до мелочей.

Герой, созданный на студии У. Диснея вслед за Освальдом, станет ее символом на все последующие годы. Речь идет, разумеется, о Микки-Маусе. Хотя сначала мышонок получил имя Мортимер, вскоре от него пришлось отказаться. Внешний облик был разработан аниматором Юбом Айверксом, а характер, внутреннюю сущность вдохнул в нарисованного грызуна сам У. Дисней (озвучивал Микки поначалу тоже он). Первоначальный образ Микки больше напоминал настоящую мышь, чем всем известный облик «маленького мага». Но главный стиль есть главный стиль – он диктовал условия, и вскоре Мауса округлили до известного всему миру образа.

2. Сравнительная характеристика анимаций

Между любителями анимации уже давно идут жаркие споры о том, что же лучше – аниме мультфильмы или диснеевские. Сравнительную характеристику попытаемся провести по трем основным параметрам: рисунок, анимация и сюжет.

2.1. Рисунок

Самое интересное в вопросе о рисунке состоит в том, что любители Диснея обычно критикуют тот единственный элемент, который объединяет два разных стиля. Это большие глаза.

Ведь и в самом деле, глаза у западных мультяшек ничуть не меньше (если не больше), чем у японских. Да и как же быть иначе, если аниме позаимствовало эти большие глаза именно у диснеевских мультипликаторов, так как Осаму Тедзука в свое время проходил курсы повышения квалификации в Диснее.

В чем же причина нормального отношения к большим глазам в одном случае и неприятие их в другом? Все дело в том, что западные аниматоры пошли по пути карикатурного рисования, а японские – реалистичного. И то, что на заведомо карикатурно деформированном персонаже смотрится вполне естественно, на лице человека выглядит немного ненатурально.

Кроме того, глаза японских персонажей выделяются гораздо сильней, чем у западных, и за счет большого количества бликов, и за счет цвета, и за счет более детальной прорисовки, что заставляет обратить на них более пристальное внимание. Кому-то это нравится, кому-то нет. Но в любом случае, большие глаза всегда придают персонажу более милый и доброжелательный вид, чем маленькие.

Так чем же различаются западный и японский стили рисования? Главных отличий два:

1. Карикатурность западных персонажей и реалистичность японских. Персонажи аниме, конечно, тоже достаточно сильно деформируются для создания того или иного эффекта, но карикатурности в них нет.

2. Основная форма, заложенная в диснеевских героях – шар или яйцо. Все линии мягкие и округлы, острых углов почти нет даже у самых злобных злодеев. В основе же внешности японских героев лежит клин. Подбородок, нос, плечи, форма тела, постоянно развевающиеся волосы, и огромное количество складок – все острое, торчащее, «колющее» взгляд. Даже глаза, и те имеют форму шестиугольника с клинообразными ресницами.

Кроме различий в рисовании самих персонажей часто в спорах упоминается отличия в рисовании задних планов. Причем обвинения звучат с обеих сторон, каждый так и норовит обвинить противника в плохой прорисовке фона. Но неудачные задние планы есть как в одной, так и в другой анимации, поэтому различать их по этому показателю неправильно.

2.2. Анимация

Анимация на западе сделана значительно лучше японской. Даже сейчас, когда во всю используются компьютерные технологии, движения в диснеевских мультфильмах сорокалетней давности выглядят более приятно и плавно, чем сейчас у японских аниматоров. Аниме, во многом, остается просто комиксом, в который добавили немного динамики для связи различных кадров. Единственным исключением из этого правила является, пожалуй, только Хаяо Миядзаки. В аниме много статичных картинок, которые просто меняют свое положение в пространстве, у Диснея же, почти каждый кадр живет и дышит. Во многом, такое восприятие обуславливается опять-таки карикатурностью мультяшек. Их движения можно гипертрофировать как угодно для создания большего эффекта жизни. К людям же из аниме такой механизм не применим. Зато развевающиеся волосы и плащи - вот в чем японцы достигли настоящего совершенства.

2.2.1. Сходства

«Медленный вход» и «медленный выход». Разрабатывая выразительные позы художник вкладывает все свое мастерство, поэтому именно эти моменты должны быть дольше видны зрителю. Для этого ассистенты дорисовывают движения так, что больше всего кадров оказывается рядом с ключевыми позами. При этом персонаж как бы проскальзывает движение от одной компоновки к другой, медленно выходя из позы и замедляясь у другой. Японские аниматоры хорошо усвоили данный принцип. В некоторых местах они не только используют его, но и значительно усиливают его действие для придания еще большей инерции персонажу.

Движения по дугам . Этот принцип является вторым революционным открытием Диснея. Живые организмы всегда передвигаются по дугообразным траекториям. В основном характер траектории зависит от скорости движения. Этот принцип объединяет обе техники. Именно благодаря ему движения персонажей, насколько карикатурными бы они не были, выглядят плавно и естественно.

Сквозное движение и захлест. Суть принципа состоит в том, что движение никогда не должно прекращаться. Существуют такие элементы как уши, хвосты, одежда, которые постоянно должны находиться в движении. Движение отдельных элементов тела в то время как тело уже не двигается называется захлестом. В анимации У. Диснея захлест и сквозное движение используются значительно умереннее чем в аниме, однако этот принцип также получил распространение.

Ни в одной анимации мира сквозное движение не развито так как в аниме. Волосы персонажей почти всегда развеваются по ветру. Плащи волшебников и рыцарей могут развеваться даже в закрытых помещениях. Японцы уделяют очень много внимания сквозному движению и захлесту, это придает еще более живой вид персонажам.

Второстепенные действия. Часто для придания персонажу большей выразительности используют вторичные движения. Например, горюющий персонаж может часто сморкаться в платок, а удивленный подергивать плечами. В аниме такой прием называется «фансервис» - изображение предметов или специфических движений, не влияющих на сюжет, но способных дополнить психологический портрет героя (иногда не несет такого подтекста и служит для заполнения экранного времени)

Расчет времени. При расчете времени учитываются вес, инертность, объем и эмоциональное состояние героя. Настроение также передается скоростью движений персонажа. Так подавленный персонаж движется очень вяло, а воодушевленный достаточно энергично. Расчет времени имеет место в обеих системах анимации.

Профессиональный рисунок. Рисунок – основа всего. На студии Диснея довольно часто встречаются таблички вроде: «Чувствуется ли в твоем рисунке вес, глубина и равновесие?». Аниме и профессиональный рисунок – также понятия неразделимые. В Японии дизайном персонажей (kara-settei) занимаются отдельные люди. Многие художники сделали на этом свое имя.

Привлекательность. Привлекательность персонажа – путь к успеху всего фильма. Привлекательность имеется в обеих системах анимации. Привлекательность персонажей складывается из нескольких факторов:

Большие глаза придают герою юный и доброжелательный вид.

Большая голова – делает героев похожими на детей. Даже самый страшный монстр может стать безобиднее мышонка, если ему немного изменить пропорции тела.

У взрослых персонажей часто очень длинные ноги (чуть больше туловища с головой), за счет чего они выглядят более стройно.

Преувеличение. Уолт Дисней всегда требовал от своих работников большего реализма, на самом деле стремясь больше к «карикатурному реализму». Если персонаж должен был быть печальным, он требовал, чтобы его делали мрачным, счастливого же нужно было делать ослепительно сияющим. В аниме также работает этот принцип.

2.2.2.Различия

Сжатие и растяжение. Это, пожалуй, одно из самых значительных открытий Диснея за всю историю анимации. Этот принцип произвел революцию в мире анимации. Благодаря сжатию и растяжению персонажи уже не выглядели «каменными». Суть принципа состоит в том, что живое тело всегда сжимается и растягивается во время движения.

В аниме же сжатие и растяжение почти не используется. В то время как Дисней пошел по пути карикатур, аниме художники пошли по пути реализма, поэтому тела людей и животных становятся не безразмерными, а вполне реалистичными. Сжатие и растяжение может использоваться больше только в аниме для детей или нарисованных в чиби-стиле (карикатурный стиль рисовки)

Упреждение (или отказное движение). В реальной жизни для произведения какого-либо действия, человеку часто приходится делать подготовительные движения. Любой принцип Диснея является преувеличением, поэтому очень часто его герои, прежде чем побежать, осуществляют своеобразный замах ногой, что смотрится слишком смешно.

Аниме фильмы – это больше театр нежели карикатура. Так же на этот принцип откладывают отпечаток и всевозможные восточные единоборства. Бойцы обычно двигаются почти безинерционно, и ударам очень редко предшествует замах, позволяющий увидеть и блокировать его.

Сценичность. Для правильного восприятия персонажа зрителями все его движения, позы и выражения лица должны быть предельно просты и выразительны. Этот принцип основан на главном правиле театра. Камера должна быть расположена так, чтобы зритель видел все движения персонажа, а одежда не должна скрывать его движения.

Во время прохождения курсов повышения квалификации в Диснее Осаму Тедзука («бог японской анимации») не только изучал принципы Диснеевской анимации, но и сумел подойти к ним несколько с другой стороны. В аниме все внимание сосредотачивается на выражении лица и позе персонажа, что приводит к большему эмоциональному воздействию на зрителя.

2.3. Сюжет

Это одно из самых сильных мест в аниме. Сюжеты есть на любой вкус – и для взрослых и для детей, для мальчиков и девочек, про животных и гигантских роботов (приложение 2).

Как видно из данного списка, у аниме достаточно много жанров, предназначенных для людей разного возраста, преимущественно подростков.

На западе же, можно выделить только три основных сюжета: сказка для детей (чаще всего на классическом сюжете), «жертва-охотник» и супергерои. Обычно аниме рассчитано на более взрослую аудиторию, чем мультфильмы Диснея и поэтому сюжет многих затрагивает жизненные проблемы.

3. «Kingdom Hearts» - игра, соединившая столь разные техники

Как признаются авторы «Королевство сердец», идея игры появилась у них случайно. В феврале 2000-го сотрудники компании Square Enix Тецуо Номура и Синдзи Хасимото во время случайной встречи в лифте поделились с представителями Disney сумасшедшей мыслью. Отчаянные японцы предложили смешать персонажей Disney и Final Fantasy. Более года ушло на то, чтобы утрясти все формальности, и вот на выставке E3 в мае 2001-го «Королевство сердец» – игра во многом уникальная, соединившая в себе культуры Запада и Востока, – была впервые представлена публике. От компании Уолта Диснея произведение получило добрый сказочный мир и обаятельных, знакомых всем с детства героев, а от японцев – берущий за душу сюжет и умение собрать все компоненты в единое целое, работающее, словно дорогие швейцарские часы.

Вселенная игры состоит из десятков обособленных островков, каждый из которых посвящен одному из классических мультфильмов Диснея. Путешествуя между мирами, вы встречаете множество знакомых с детства персонажей вроде Аладдина или бурундуков Чипа и Дейла, хотя они частенько выступают в необычных амплуа. Те же Чип и Дейл тут подрабатывают механиками межпланетных кораблей, непутевый добряк Гуфи вдруг стал капитаном королевских гвардейцев, а Дональд Дак – придворным колдуном. По соседству с бурундуками и селезнями живут томные герои JRPG, например Клауд и Сефирот из Final Fantasy.

Казалось бы, ничто не может нарушить идиллию этих миров, но вдруг начинают происходить жуткие события. Повсюду пропадают люди и появляются странные создания, названные впоследствии Heartless (Бессердечные) и Nobodies (Никто). Это мрачные тени, возникающие после того, как человек лишается сердца: первые представляют собой физическое воплощение тьмы, которая и забирает сердца, а вторые – то, что остается от человека после «операции». Некоторые из них разумны, но большинство – нет. Для борьбы с чудищами существуют вооруженные кейблейдами мастера ключей. Кейблейд – особое оружие в виде гигантского ключа, которое нельзя украсть у его владельца и которое способно открыть и закрыть любой замок.

Данная игра получила большую популярность сразу после своего выхода во многих странах мира.

Заключение

Изучив литературу по данной теме, мы пришли к следующим выводам:

1. Оба стиля анимации отталкивались от одинаковых наработок. Современная анимация студии У. Диснея, пройдя большой промежуток времени, претерпела не сильные изменения. В её структуре лишь появились новые технологии и герои, подсказанные временем. Основные же правила остались прежними со времен великого аниматора.

Японская анимация, появившаяся как крепкое самостоятельное направление лишь в 1958 г., изменила принципы У. Диснея для создания собственного неповторимого стиля. Она развила и доработала, а иногда и полностью переработала многие принципы анимации а также создала собственный стиль рисунка.

1. Между аниме и анимацией студии У.Диснея больше сходств, чем различий. Это обусловлено тем, что они развивались на основе созданных и отработанных У.Диснеем правил анимации. Сходства проходят по основным правилам, в которых заключается создание реалистичных движений и привлекательности образов персонажей – главное, без чего любой мультфильм будет смотреться плохо и неказисто.

Основные различия же заключаются в рисунке и сюжетной направленности. Благодаря этому аниме и выглядит своеобразным и отличным от своего прототипа.

1. Итогом совместной работы аниматоров западного и восточного направления стало создание новой серии игр под названием «Королевство сердец». Она соединила столь разные на данный момент стили анимации, благодаря чему и выглядит необычно и красиво. Такого органичного соединения не произошло бы, не имей направления анимации общих «корней».

Литература

1. Аниме и Дисней muxacko. [Электронный ресурс]. – http://www.drawanime.ru/ ?pg=art&id=14
2. Гаврилов А. Анимационные сериалы США сквозь годы звука, цвета и телевидения. [Электронный ресурс]. – http://www.proficinema.ru/questions-problems/articles/detail.php? ID=53726
3. Гаврилов А. Сериальные работы Уолта Диснея: как появился Микки-Маус? [Электронный ресурс]. – http://www.proficinema.ru/questions-problems/articles/detail.php? ID=64961
4. История аниме. [Электронный ресурс]. – http://ru.wikipedia.org/wiki/
5. Комарницкий С. Kingdom Hearts: Birth by Sleep. [Электронный ресурс]. – http://www.igromania.ru/articles/118532/Kingdom_Hearts_Birth_by_Sleep.htm
6. 12 законов и принципов анимации. [Электронный ресурс]. – http://www.cgtarian.ru/poleznosti/12-zakonov-i-principov-animacii.htm

Приложение 1

Анкета для учащихся 10-х классов

Уважаемые учащиеся! Просим вас ответить на вопросы данной анкеты для определения актуальности работы по теме «Стили анимации»

Вопрос: Слышал ли ты когда-нибудь о таком стиле мультипликации как аниме?

Варианты ответа:

1. Не слышал
2. Слышал
3. Увлекаюсь

Результаты анкетирования учащихся 10-х классов

Ряд 1 – увлекаются

Ряд 2 – слышали, хотят узнать подробнее

Ряд 3 – не слышали

Приложение 2

Словарь популярных жанров японской анимации

• Сказка – жанр кодомо-аниме, экранизация классических сказок.
• Комедия – разновидность аниме, главное для которого – юмор: пародии, комедии положений, словесные и трюковые шутки.
• История – разновидность аниме, действие которого связано с теми или иными реальными историческими событиями.
• Драма – достаточно редкий для аниме жанр драматически-трагического повествования. Основной признак – отсутствие выраженного счастливого конца.
• Научная фантастика (НФ) – аниме, действие которого связано с существованием и использованием техники, не существовавшей на момент создания этого аниме (межзвездных космических кораблей, бластеров и т.д.) Обычно НФ-аниме излагает возможную историю будущего человечества, часто его сюжеты связаны с контактами с пришельцами.
• Космическая опера – разновидность НФ-аниме, концентрирующаяся на войнах, проходящих с активным использованием космических кораблей.
• Меха – сложные механизмы, как правило, самодвижущиеся, не имеющие реальных прототипов (т.е. придуманные специально для данного проекта). Обычно этим термином обозначают «гигантских роботов», огромные человекоуправляемые боевые машины. Жанр «меха» характеризуется активным использованием меха.
• Сэнтай – дословно «группа/команда», жанр аниме, рассказывающий о приключениях небольшой постоянной команды персонажей, борющихся с кем-либо или с чем-либо.
• Меха-сэнтай – то же, что и сэнтай, но команда персонажей при этом пилотирует один или несколько меха.
• Махо-сёдзё – «девочки-волшебницы», жанр сёдзё-аниме, рассказывающий о приключениях девочек, наделенных магической силой. Концентрируется на проблемах женского взросления.
• Спокон – жанр аниме, рассказывающий о юных спортсменах, добивающихся успеха путем воспитания в себе воли к победе. Объединение слов «спорт» и «кондзё» («сила воли»).
• Киберпанк – жанр аниме, рассказывающий о мире будущего, жизнь которого полностью определяют компьютерные технологии. Картины будущего при этом представляются мрачными и антиутопическими.
• Паропанк – жанр аниме, рассказывающий об альтернативных нашему мирах, находящихся на уровне технического развития, соответствующему Европе конца XIX века. Этот период характеризуется началом революции технических средств передвижения – появление дирижаблей, аэропланов, паровозов, пароходов. Техника, однако, все еще воспринимается простыми людьми не как нечто привычное и банальное, а как нечто чудесное и, зачастую, демоническое. Паропанк возник как альтернатива киберпанку. Если киберпанк обычно основывается на футуристической эстетике, то паропанк – на эстетике ретро.
• Фэнтези – аниме, рассказывающее о мирах, которыми правит не технология (как в НФ), а «меч и магия». В фэнтези часто фигурируют не только люди, но и разнообразные мифологические существа – эльфы, гномы, драконы, оборотни, люди-кошки, а также боги и демоны.
• Путешествие между мирами – разновидность аниме, в котором главный герой или герои перемещаются между параллельными мирами, обычно – между миром современной Японии и фэнтези-миром.
• Мистика – жанр аниме, действие которого связано с взаимодействием людей и различных таинственных сил. Последние не поддаются однозначному научному описанию, чем отличаются, скажем, от магии в фэнтези. Отношения с ними обычно связаны с различными моральными проблемами.
• Парапсихология – жанр аниме, действие которого связано с парапсихическими силами (телепатия, телекинез, гипноз).
• Апокалиптика – разновидность аниме, повествующее о наступлении Конца Света.
• Постапокалиптика – разновидность аниме, повествующее о жизни после глобальной катастрофы – Конца Света.
• Романтика – аниме, повествующее о любовных переживаниях.
• Мыльная опера – жанр романтического сёдзё-аниме, концентрирующийся на изложении сложных и запутанных любовных историй.
• Школьная мыльная опера – разновидность мыльной оперы, описывающая любовные истории школьников.
• Повседневность – аниме, описывающее повседневную жизнь обычных японцев (обычно - среднего класса) со всеми ее радостями и бедами.
• Социальный фильм или сериал – аниме, поднимающее животрепещущие проблемы современного общества.
• Психологический триллер – жанр аниме, повествующее о «приключениях человеческой души». Попадая в необычные ситуации, герои таких аниме переживают сложные и непредсказуемые психологические изменения.
• Боевик – жанр сёнэн-аниме, действие которого связано с боевым противостоянием.
• Самурайский боевик – жанр исторического сёнэн-аниме, действие которого связано с войнами самураев и ниндзя.

Предварительный просмотр:

Чтобы пользоваться предварительным просмотром презентаций создайте себе аккаунт (учетную запись) Google и войдите в него:

Все, кто занимается авторской анимацией, обязательно что-то изобретают, придумывая собственную технологию съемки, — такая уж это профессия. И не важно, работает автор мультфильма на компьютере или делает все рука-ми. Иногда эти изобретения зрителю не видны: они нужны самому художнику, чтобы все получилось так, как ему надо. А иногда они поражают воображение. Для ручных техник, пожалуй, самые главные и наглядные открытия делаются в трех направлениях: в том, как сделано само изображение, что становится для него фоном и как сделана сама анимация, то есть движение. А для циф-ровых технологий главным новшеством пока оста-ется VR - виртуальная реальность, где важна не сама анимационная техника, а то, как зритель смотрит это кино.

I Высокие технологии

Пожалуй, цифровые технологии меняются быстрее всего. Но в большинстве случаев зритель не замечает бесконечных усовершенствований компьютерной графики, позволяющих делать текстуры пушистых облаков, пронизанного солнцем моря или «живой» человеческой кожи или же рисовать в фильме огромную армию так, что никто и не подумает, что она не настоящая. При этом в «цифре» техники, полностью меняющие подход к анимации, появляются не так уж часто. Вот главные из них.

«Пёрл» («Pearl»)

Режиссер Патрик Осборн. США, 2016

Сегодня есть много возможностей увидеть фильмы с обзором на 360 градусов прямо в компьютере: технологии это позволяют. Сама техника анимации при этом может оставаться вполне традиционной: вот, например, рисованный «Пёрл» независимого американского режиссера Патрика Осборна, первый VR-фильм, номинированный на «Оскар». Это сенти-мен-тальная музыкальная исто-рия об отце и дочери, вся жизнь которых проходит в машине — хетчбэке 1970-х годов. Меняя курсором угол обзора, мы можем видеть ведущего маши­ну отца, а на заднем сидении - его взрослеющую дочь.

Gorillaz — «Saturnz Barz»

Режиссер Джейми Хьюлетт. Великобритания, 2017

Клип группы Gorillaz «Saturnz Barz» рассказывает фантастическую историю о посещении компа-нией заброшенного дома, где живут призраки. Благодаря технологии трехмерной компьютерной анимации, мы можем подробно рассмотреть этот страшноватый дом, а потом, вылетев в космос, разглядывать небесные тела вокруг.

«Обратно на Луну» («Back to the Moon»)

Режиссеры Франсуа-Ксавье Гоби, Элен Леру. США, 2018

Проект, неожиданным образом объединивший VR-тех -нологии и дудлы гугла . Первый интерактивный дудл с обзором на 360 градусов был посвящен фильму «Путешествие на Луну» пионера кино Жоржа Мельеса. «Обратно на луну» можно скачать на мобильный телефон в Google Spotlight Stories, потом вставить телефон в специальные очки для VR (подойдут картонные Cardboard) и оказаться прямо внутри мультфильма, где действуют красотка, фокусник и зеленый тролль.

3D-ручка

«Ties» («Узы»)

Режиссер Дина Великовская. Германия, в работе

Еще одна удивительная возможность, которую дают нам высокие техно-логии, — это 3D-ручка, с помощью которой можно рисовать в воздухе. Ее уже активно используют в дизайне, но, кажется, в анимации таких опытов еще не было, хотя эта технология, соединяющая рисунок и предмет-ность, букваль-но создана для мульт-фильмов. И вот как раз сейчас российский режиссер Дина Великов-ская, снимавшая и кукольные, и рисованные фильмы, начала в Герма-нии снимать мультфильм «Узы» с помощью 3D-ручки. Пока что доступен только тизер.

Необычное использование Motion Capture

II Непривычные материалы и способы создавать изображение

Теперь перейдем к ручным техникам, среди которых есть пусть не новые, но необычные и редкие. В первую очередь посмотрим на то, каким образом и из каких материалов можно создавать само изображение для мультфильма.

Анимация на игольчатом экране

«Здесь и великое нездесь» («Here and the Great Elsewhere»)

Режиссер Мишель Лемье. Канада, 2012

Технику игольчатой анимации придумал в начале 1930-х годов Александр Алексеев, наш бывший соотечественник, после революции эмигрировавший во Францию. Суть ее в том, что иглы свободно ходят в отверстиях вертикально стоящего экрана и при нажатии образуют скульптурную форму с другой сторо-ны. Само анимационное изображение создается тенями, которые отбрасывают иглы, и получается очень мягким и летучим, оно немного напоминает рисунок углем или порошком. Техника эта непростая, а экранов, созданных Алексее-вым, в мире всего два: один во Франции, а другой в Канаде. Соответственно, и последователей Алексеева, работающих на этих экранах, немного. Один из последних фильмов, сделанных в этой технологии, — снятый в 2012 году «Здесь и великое нездесь» канадки Мишель Лемье, философские и фантас-тические истории о Вселенной и по-пытке человека понять мир.

«Рыба из лапши» («Noodle Fish»)

Режиссер Чжин Ман Ким. Южная Корея, 2012

Свой прелестный вариант игольчатой техники придумал корейский режиссер Чжин Ман Ким. Вместо иголок он утыкал экран лапшой, и изображение у него строится не столько из тени от иголок, сколько из самих этих иголок-макаро-нин, складывающихся то в барельеф, то в контррельеф, изобра-жающие героев и среду мультфильма. Рыбка из лапши мечтает познать мир, попав из лужи в море; она хочет узнать, что находится за границами воды, но к финальным титрам попадает в тарелку аниматору. Герои говорят на ко-рей-ском, но есть английские субтитры, к тому же сюжет понятен и без слов.

Анимация светом

«Но что за блеск (я вижу на бал-коне)?» («What Light (Through Yonder Window Breaks)»)

Режиссер Сара Уикенс. Великобритания, 2009

Рисовать можно и светом. Например, как очень оригинально это сделала дипломница лондонского Королевского колледжа искусств Сара Уикенс в своем фильме «What Light (Through Yonder Window Breaks)». Это строчка из монолога влюбленного Ромео в сцене на балко-не из «Ромео и Джульетты», которая в пе-ре-воде Пастернака полностью звучит так: «Но что за блеск я вижу на балко-не? / Там брезжит свет. Джульетта, ты как день! / Стань у окна, убей луну сосед-ством…» Сара снимает историю про ожившее пятно света в своей мансарде, не используя никаких сложных технологий, а только сам свет, зеркала и трафареты (то, как она это делает, можно увидеть на финальных титрах). Ее герой — шаловливый солнечный зайчик, похожий на духа воздуха Ариэля из шекспировской же «Бури».

Pikapika — «Go! Go! Pikapika!»

Режиссеры Кадзуэ Монно, Такэси Нагата. Япония, 2007

Есть еще одна, сегодня ставшая популярной, технология анимации светом, она называется «фризлайт» — замерзший свет. Художники рисуют в воздухе цвет-ными фонарями и снимают это с большой выдержкой — получается очень нарядно. Вот, например, музыкальное видео японского проекта Pikapika, получившего множество наград за разработку этой технологии.

Stop motion из непривычных материалов

Эфрат Бен-Цур — «Robin»

Режиссеры Юваль и Мерав Натан. Израиль, 2014

Анимационная технология stop motion («остановленное движение») — самая что ни на есть традиционная и распространенная в анимации. Обычно этим термином называют работу с куклами и предметами: их фотогра-фируют по-кадрово, меняя положение объекта, а потом соединяют фотографии — на видео получается движение. Но когда вместо кукол и привычных предметов выступают неожиданные материалы, старая техника снова выглядит новой и эксперимен-тальной. Вот, например, анимация цветов и листьев в музы-кальном видео израильских аниматоров Юваля и Мерав Натан для песни Эфрат Бен-Цур на стихотворение Эмили Дикинсон «Малиновка» («Robin»).

Орен Лави — «Her Morning Elegance»

Режиссеры Юваль и Мерав Натан. Израиль, 2009

У этой же режиссерской пары есть еще один экспериментальный и сильно повли­яв­ший на многих аниматоров клип, где в технологии stop motion снимали людей.

«Бриллиант» («Shiny»)

Режиссеры Дэниель «Облако» Кампос, Спенсер Сассер. США, 2016

Есть очень остроумные фильмы, где анимируется одежда, причем часто технология находится на границе двух популярных техник — stop motion и перекладки, где детали, в отличие от предметной анимации, двигаются на плоскости по частям, как в аппликации. Вот, например, такая авантюрная история, снятая американскими режиссерами Дэниелем «Облако» Кампосом и Спенсером Сассером (для этого фильма существенно, что первый из них — танцор и хореограф).

Сыпучая анимация из необычных материалов

«Чинти»

Режиссер Наталья Мирзоян. Россия, 2011

За последние годы сыпучая (или порошковая) анимация из редкой техники превратилась в одну из самых популярных. Но все привыкли к тому, что это делается из одних и тех же материалов, в основном из песка и кофе. Разумеет-ся, мультфильмы можно снимать не только из них, но и из всего, что может сыпаться, — даже из железной стружки, добавляя интересные эффекты магнитом. Лучшие из сыпучих материалов традиционно находятся на кухне, и тут дополнительный смысл может привнести их вкус, крупность частиц или происхож-дение. Вот, например, мультфильм петер-бургского режиссера Натальи Мирзоян «Чинти» о мечтательном муравье. Его история происходит в Индии, и поэтому особенно уместно выглядит анима-ция, сделанная с использованием разных сортов чая.

«Вспыльчивый человек»

Режиссер Наталья Антипова. Россия, 2004

Фильм вгиковской дипломницы Натальи Антиповой «Вспыльчивый человек» сделан из специй. И поскольку в восточной притче речь идет о человеке, который не может подавить свой гнев, здесь используется красный перец и другие острые приправы.

«Котенок, который потерялся», «Про ежа и яблоко», «Балет в лесу»

Режиссер Светлана Разгуляева и ее ученики в Цехе сыпучей анимации. Россия, 2015

На Фабрике мультфильмов Большого фестиваля мультфильмов режиссер Светлана Разгуляева с учениками сняла три простые истории про котенка, ежика и лесной балет, используя все домашние запасы: разноцветные крупы, фасоль, чечевицу, макароны разных форм и многое другое. А на следующий год на Фаб-рике дети сняли «Шагайку »: эта коротенькая анимация из гаек и желе-зок, тоже частично работающая как сыпучая, рассказывает о Большом взрыве.

Анимация киселя

«Простейшие» («Protozoa»)

Режиссер Анита Накви. Польша, 2011

Продолжая кухонную тему, надо рассказать и о прекрасном фильме молодого польского режиссера Аниты Накви под названием «Простейшие». Главный строительный материал для мульт-фильма Аниты — кисели разных цветов.

Анимация медицинских снимков

«Чужие тела» («Corps étrangers»)

Режиссер Николя Бро. Канада, 2013

Еще одна интересная возможность внутри привычной техники компьютерной анимации. Канадский режиссер Николя Бро снял очень красивое абстрактное кино «Чужие тела», используя изображения, взятые из разного рода медицин-ских исследований — компьютерной томографии, МРТ и т. д. Наши органы тут превращаются в диковинных животных, и тело действи-тельно ощущается как что-то странное и чужеродное.

Анимация с использованием шелкографии

«A Love Letter to the One I Made Up» («Любовное письмо тому, кого я придумала»)

Режиссер Рахель Гутгарц. Израиль, 2017

Оригинальную технологию использовала выпускница израильской Академии искусств «Бецалель» Рахель Гутгарц. Для своего дипломного фильма, в котором девушка по дороге домой размышляет, каким она себе представляет идеаль-ного мужчину, и в воображении пишет ему письмо, Рахель использовала шелко--графию, то есть печать каждого кадра через трафарет. Ручная печать, которая каждый раз получается по-разному, дает особый, «трепещущий» кадр и «живой», насыщенный цвет. Фильм на иврите, есть английские субтитры.

Пиксиляция

«Стэнли Пикл» («Stanley Pickle»)

Режиссер Вики Мэтер. Великобритания, 2015

Пиксиляция — не новая, но тем не менее не слишком часто использующаяся анимационная техника. Для нее снимают реальное движение (человека, напри-мер), а потом видео покадрово перемонтируют так, что оно уже выглядит анимационным. Именно этим способом, например, можно показать волшеб-ный полет человека над землей: снять, как он подпрыгивает, а потом вырезать все кадры, где он взлетает и приземляется, и оставить только кадры в воздухе. Знаменитый фильм, снятый при помощи пиксиляции, «Стэнли Пикл» британ-ки Вики Мэтер — очень подходящая для этой технологии исто-рия о молодом гении-изобретателе, который сделал себе механиче­скую семью и жил в мире шестеренок, пока не встретился с живой девушкой.

«Светило» («Luminaris»)

Режиссер Хуан Пабло Зарамелла. Аргентина, 2011

И еще один знаменитый фильм в технике пиксиляции — «Светило» аргентин-ского режиссера Хуана Пабло Зарамеллы. Тут режиссер очень естественно соединяет пиксиляцию с предметной анимацией (соединение разных техник сегодня распространено), чтобы показать, какие фантастические собы-тия происходят в как будто совсем реальном мире. Перед нами производствен-ный роман — насмешливый и лирический.

Анимация из фотографий

«На пороге Ильич»

Режиссер Михаил Солошенко. Россия, 2014

Анимация из фотографий - это, конечно, не термин: строго говоря, любая stop motion анимация, как и перекладка, строится из покадровой съемки. Но вги-ков-ский учебный фильм Михаила Солошенко «На пороге Ильич» был сделан сложнее: в нем участво-вали четыре актера, каждого для этого фильма снимали по кадрам как кук-лу и вырезали. Отдельно снимали мимику, чтобы на каждую реплику поста-вить подходящее движение губ, отдельно — всю обстановку. Получилось тысячи вырезанных фотографий и их фрагментов. Тут такая сложная техно-логия была нужна в частности потому, что в этой пародийной истории масштаб персонажей разный: герой и его мама — обычные люди, а Ленин и Пушкин — это питомцы размером примерно с кошку. Ну и потому, что в такой ручной сборке все предметы, вроде бы оставаясь настоящими, получили какую-то гротескную неправильность, очень идущую этой абсурдной истории.

«4min15 au révélateur»

Режиссер Мойя Жобен-Паре. Канада, 2015

Успешным фестивальным дебютом канадки Мойи Жобен-Паре стал экспери-ментальный фильм, для которого Мойя сама придумала технологию. Она снимала город и свою сестру через окно квартиры, потом распечатывала гору фотографий и процарапывала на них эмульсию, наблюдая, как меняются на серебряном отпечатке текстура и цвет, а затем уже снова соединяла изобра-же-ние на компьютере. Получилось очень интересное полуабстрактное кино.

Коллажная анимация

Трейлер театрального фестиваля NET 2017 года

Режиссеры Мария Алигожина, Алексей Ермолаев. Россия, 2017

Коллажная анимация — это на самом деле частный случай традиционной техники перекладки, использующей в первую очередь не авторское изобра-жение, а ready-made (например, фотографии, вырезанные из глянцевых жур-налов и подчеркнуто искусственно двигающиеся). Вот, например, коллажный трейлер театрального фестиваля NET, снятый Марией Алигожиной и Алексеем Ермолаевым.

Анимация, сделанная из кино

«Быстрый фильм» («Fast Film»)

Режиссер Вирджил Видрич. Австрия, Люксембург, 2003

Австрийский режиссер Вирджил Видрич снял свой «Быстрый фильм» как знак признательности старому Голливуду. Классическая история погонь и спасения героем прекрасной женщины создана из кадров и микрофрагментов 400 ста-рых фильмов от «Мальтийского сокола» и «Годзиллы» до «Психо»: Видрич распечатал 65 тысяч кадров и сложил из них предметы — самолеты, поезда, машины, — в которых и разворачивается действие. Герои фильма ежесекундно меняют лица: Хамфри Богарт начинает целовать одну звезду, а отрывается уже от другой; в дверь заглядывает один актер, а высовывается голова другого, — настоящий подарок для киномана.

Анимация на пишущей машинке

«Машинопись» («Schreibmaschinerie»)

Режиссер Каро Эстрада. Австрия, 2012

Еще один пример того, что основой изображения в мультфильме могут быть самые неожиданные вещи, взять хотя бы буквы и знаки, напечатанные на старой пишущей машинке. Фильм австрийки Каро Эстрады так и называется — «Маши-нопись» (Каро говорила, что вдохновила ее случайно обнаруженная пишущая машинка бабушки). На этой машинке и было снято антивоенное кино, посвященное Первой мировой.

«G-AAAH»

Режиссер Элизабет Хоббс. Великобритания, 2016

Британка Элизабет Хоббс посвятила свой фильм «G-AAAH» Эми Джонсон, которая работала машинисткой до того, как в 1930 году совершила рекордный одиночный перелет из Англии в Австралию. Элизабет тоже «нарисовала» весь свой фильм на старой машинке Underwood 315. Надо сказать, мультфильмы из букв (напечатанных или написан-ных вручную) хоть и всегда выглядят экспериментально, но встречаются не так редко. Вот , например, фильм «Loof and Let Dime», снятый дипломником ВГИКа Романом Верещаком. Это абсурдистское стихотворение поэта-аутиста Кристофера Ноулза, его читает американский театральный режиссер и художник Роберт Уилсон.

Анимация из войлока

«Мягкие растения» («Zachte Planten»)

Режиссер Эмма де Свааф. Бельгия, 2008

В куклах, сделанных из войлока, вроде бы нет ничего особенного. Но несколько лет назад, после выхода фильма «О, Вилли… » бельгийских режиссеров Эммы де Свааф и Марка Рулса, где не только герои, но и весь мир выглядел мягким и опушенным, как шерстяной носок, валяная техника всех особенно заинте-ресовала. Теплое пространство было обманчивым: мягкие беззащитные герои «О, Вилли…» вовсе не чувствовали себя в безопасности (детям мультфильм может показаться довольно страшным). Это же видно и в самом первом, дипломном фильме «Zachte Planten» («Мягкие растения») Эммы. Ее мульт-фильм о том, как офисному клерку приснились страшные приключения в мягком лесу.

Рисование кровью

«Манифест крови» («Blood Manifesto»)

Режиссер Теодор Ушев. Канада, 2014

Надо сказать, что рисовать можно и кровью. Вот «Blood Manifesto» канадского режиссера Теодора Ушева, снятый в недавнем револю-ционном жару, когда весь мир (а с ним и Канада, как и Россия) протестовал против тоталитаризма власти. Собственная кровь, как и собственная ритми-зованная проза (мультфильм пока не переведен с английского языка на рус-ский), и плакатно-поэтический изобразительный стиль — все работает на дух этого фильма, похожего на горькую песню революции.

Силуэтная анимация

«Трое изобретателей» («Les Trois Inventeurs»)

Режиссер Мишель Осело. Франция, 1980

Силуэтная техника — редкая, но одна из самых старинных. Прославила ее еще пионер анимации немка Лотте Райнигер, а одним из самых знаменитых ее последователей в этой технике считается французский режиссер Мишель Осело. Его «Трое изобретателей» — невероятно изящный фильм, похожий на кружевные салфетки. Печальная история о семействе трех гениев-изобре-тателей, которых обыватели посчитали колдунами, — разрушили их изобре-тения и сожгли дом. Мультфильм на французском, но текста там очень мало, да и сюжет вполне понятен.

Сюго Токумару — «Katachi»

Режиссеры Кася Киек, Пшемек Адамски. Япония, 2012

А вот современный вариант силуэтной техники — музыкальное видео для япон-ского исполнителя Сюго Токумару, снятое польской режис-серской парой Касей Киек и Пшемеком Адамски: здесь новые бумажные силуэты не заменяют прежние, а встают впереди них, оставляя за собой все предыдущие фазы движения, как его след. Можно , как это было снято: фазы рисовали на компьютере, распечатывали и вырезали их лазером.

III Необычный фон и пространство для анимации

Бывает, что фильм выглядит очень необычно, хотя анимационная техника, которая в нем используется, вполне традиционна - особенным его делает фон или простран-ство. Представьте, например, мультфильм, нарисованный на теле (а такое бывает), или фильм, где анимация проецируется на реальное пространство леса. Вариантов не счесть, вот самые известные.

Анимация на стенах домов и в пространствах города

«Big Bang Big Boom»

Режиссер Blu. Италия, 2010

Аниматоры есть и среди художников, занимающихся уличным искусством, рисующих граффити и превращающих стены домов и городские объекты в гигантские фоны для своих мультфильмов. Одним из самых знаменитых аниматоров-граффитистов считается художник, скрывающийся под ником Blu. Он любит соединять сюрреалистическую рисованную анимацию с пред-метной. Вот, например, его фильм «Big Bang Big Boom» рассказывает исто-рию о Боль-шом взрыве, создавшем мир, и использует для этого весь город: дома, завод-ские территории, городской пляж, мосты, машины и так далее.

«Трафаретное танго № 2» («Stencil Tango no. 2»)

Режиссеры Марио Руллони, Хуан Пабло Зарамелла. Аргентина, 2010

Еще один мультфильм на стенах — уже не рисованный, а сделанный с помо-щью трафаретного граффити на стене полуразрушенного дома. Для того чтобы изготовить трафареты, профессиональных танцоров

Анимация - самая распространенная технология, наиболее знаменитая разновидность которой - процесс, когда изображенная фигурка рисуется множество раз с незначительными изменениями, представляющими собой ее движение. Готовые изображения снимаются - 1 кадр равен 1 изображению - и транслируются с быстротой 24 кадра в секунду.

Кукольная анимация отличается от рисованной тем, что вместо рисунков используются куклы, которые снимаются по кадру с малейшими трансформациями.

Силуэтная анимация появилась позже. По этой технологии персонажи выполняются из плотного материала, после чего размещаются на пленке.

Коллажная анимация использует изображения из периодических изданий и другие готовые картинки.

Предметная анимация превращает неодушевленные вещи в персонифицированные, причем часто применяют бытовые вещи - часы, подсвечники и т.д., и изображения или фотографии.

Компьютерная анимация требует только изображения главных поз, после чего остальные можно сделать автоматически.

Электронная анимация позволяет выполнить мультипликационную ленту полностью. Но этот процесс является трудоемким и длительным.

Пластилиновая анимация . Фильмы делаются путем покадровой съемки пластилиновых объектов с модификацией в промежутках между кадрами.

Техника порошка (сыпучая/песочная анимация) используется достаточно редко. На подсвеченном стекле художник рисует картины порошком. Более плотно насыпанный слой дает темные «мазки», а тонкий - почти прозрачные. В этой технике чаще всего используют специальным образом просеянный подкрашенный песок, соль, угольный, металлический и графитовый порошки, кофе, специи.

Бескамерная анимация . Мультик «рисуют» прямо на пленке с помощью специального станка. Он состоит из прижимной рамки с зубчатым механизмом, который обеспечивает точное положение кадра, и особой оптической системы, отражающей последний нарисованный кадр на следующий, пока еще чистый кадр пленки.

Масляная живопись по стеклу . Получается что-то вроде картины, переложенной на пленку, по силе воздействия, присутствию воздуха и света сравнимой с полотнами импрессионистов. Каждый кадр уникален: будучи заснятым на кинопленку, он тут же стирается и на его месте возникает другой. Причем рисует художник на стекле не только кистью, но и пальцами. Самый во всех смыслах живописный пример мультфильма, выполненного в этой технике - «Старик и море» (1999 год) режиссера Александра Петрова. Этот фильм стал первым в истории кино мультфильмом для кинотеатров большого формата IMAX, а в 2000 году был удостоен премии Американской киноакадемии .

Игольчатый экран представляет собой вертикальную плоскость, через которую проходят равномерно распределенные длинные тонкие иглы. Иглы могут перемещаться перпендикулярно плоскости экрана. Число игл может быть от нескольких десятков тысяч до миллиона. Иглы, обращенные острием к объективу, не видны, но неравномерно выдвинутые иглы отбрасывают тени разной длины. Если выдвинуть их, картинка темнеет, если втянуть, светлеет. Полностью втянутые иглы дают белый лист без теней. Перемещая источник света и двигая иглы, можно получить интересные картины.

Ротоскопирование (метод «Эклер»). Техника была изобретена еще в 1914 году, но пользуется популярностью и теперь. Мультфильм создается путем обрисовки кадр за кадром натурного фильма (с реальными актерами и декорациями). Первоначально заранее снятый фильм проецировался на кальку и вручную обрисовывался художником, сейчас для этих целей активно используется компьютер. Эта техника применяется и тогда, когда от полностью рисованного персонажа требуется очень реалистичное, точное и живое взаимодействовие с реальными актерами и предметами обстановки. В этом случае цифрового персонажа сначала играет реальный человек, а потом его целиком, «бесшовно» заменяют анимированным персонажем (мультяшные герои в фильме «Кто подставил кролика Роджера»). Уолт Дисней и его художники успешно использовали ротоскопирование в таких мультфильмах, как «Белоснежка и семь гномов» (1937 год) и «Золушка» (1950 год). Отечественные мультики, снятые с помощью этой техники, - «Вечера на хуторе близ Диканьки», «Сказка о рыбаке и рыбке», «Сказка о мертвой царевне и семи богатырях», «Каштанка», «Аленький цветочек», «Золотая антилопа». Компьютерное ротоскопирование еще называют пикселизацией. Один из самых ярких примеров такого фильма-мультика - «Беовульф», где Рей Уинстон, Энтони Хопкинс, Робин Райт Пенн, Анджелина Джоли и Джон Малкович предстали в виде симпатичных и очень реалистичных мультяшек.