Alle activiteiten van de Sovjetregering na de revolutie op kunstgebied waren gericht op het ontwikkelen van creatieve activiteit Sovjet-kunstenaars. Gedurende deze periode de snelst groeiende verschillende vormen propaganda en massakunst; het gaat de straat op en richt zich tot de miljoenen werkende mensen. Tijdens feestdagen werden straten en pleinen voor het eerst versierd met grote kleurrijke panelen met revolutionaire thema's, spandoeken en heldere posters.
Propagandatreinen en stoomschepen werden ook een effectief middel voor artistieke propaganda. Ze droegen propagandaliteratuur, huisvestten filmtrailers, tentoonstellingen en waren gastheer van docenten en sprekers.
Er kwamen ook nieuwe uitdagingen voor de Sovjet-schilderkunst. Het was noodzakelijk om de grootste veranderingen die in ons land plaatsvonden, de enorme omvang van revolutionaire gebeurtenissen en de heldenmoed van hun deelnemers te weerspiegelen, om het beeld vast te leggen van de leider van de revolutionaire massa, Lenin.
In 1922 werd de Vereniging van Kunstenaars opgericht revolutionair Rusland(AHRR), die geavanceerde realistische kunstenaars verenigde. AHRR-kunstenaars brachten de kwestie van brede kunstpropaganda aan de orde.
‘Kunst voor de massa’ was hun slogan. Gedurende de tienjarige periode van haar bestaan ​​organiseerde AHRR elf kunsttentoonstellingen over een breed scala aan onderwerpen: ‘Het leven en leven van arbeiders’, ‘Lenin’s Corner’, ‘Revolutie, leven en arbeid’ en vele anderen.
Zoals uit de titels van deze tentoonstellingen blijkt, waren de kunstenaars in alles geïnteresseerd: de revolutionaire activiteiten van Lenin en de heroïsche strijd van het Rode Leger in de burgeroorlog, het nieuwe leven van de Sovjet-bevolking en het leven van volkeren. Sovjet-Unie.
Jonge kunstenaars gingen naar fabrieken en fabrieken, naar kazernes en kampen van het Rode Leger, naar dorpen en afgelegen gebieden van ons thuisland. Ze wilden de polsslag van nieuw leven voelen, de machtige tred en reikwijdte ervan...
Deze diepe en onlosmakelijke verbinding tussen de kunstenaars van de AHRR en het leven van de mensen wekte grote belangstelling voor hun schilderijen. Al snel omvatte de vereniging meesters van de oudere generatie, zoals N. Kasatkin, A. Moravov, P. Radimov, jonge kunstenaars N. Terpsikhorov, B. Ioganson en vele anderen. Met grote inspiratie en creativiteit begonnen ze nieuwe schilderijen te maken.
De leidende thema's in de schilderkunst van deze jaren zijn thema's Oktoberrevolutie en burgeroorlog. Bij de vorming van de Sovjet-genreschilderkunst speelden deze thema's een bijna net zo grote rol als bij de ontwikkeling van de Sovjet-Unie fictie. De kunstenaars van AHRR begrepen het grote goed educatieve waarde schilderijen over thema's van heroïsche strijd Sovjet-mensen.
M. Grekov, de grootste Sovjet-gevechtsschilder en chroniqueur van de burgeroorlog, wijdde zijn werk aan het verheerlijken van de heldenmoed en de moed van de soldaten van het Rode Leger. Zijn schilderijen: "To the detachement to Budyonny", "Tachanka" en anderen zijn heldere pagina's van de glorieuze geschiedenis van het Sovjetvolk.

In 1913 schilderde Grekov schilderijen met thema's uit de geschiedenis van de regimenten grenadier, kurassier en Pavlovsk. Tijdens zijn deelname aan de Eerste Wereldoorlog (als soldaat) maakte hij veel schetsen aan het front. De Grote Socialistische Oktoberrevolutie gaf de kunstenaar de kans om de volledige kracht van zijn talent te onthullen. Nadat hij zich vrijwillig had aangemeld om zich bij het Rode Leger aan te sluiten, was Grekov getuige van de heroïsche strijd van arbeiders en boeren tegen de contrarevolutie en legde hij in zijn levendige schetsen en schilderijen de legendarische militaire campagnes van het beroemde 1e Cavalerieleger vast. De schilderijen van Grekov boeien door hun eenvoud en oprechtheid van verhaal en onderscheiden zich door hun nauwkeurigheid sociale kenmerken en diep realisme van het beeld. In Grekovs strijd schildert hij de pathos van heroïsch, eerlijk volksoorlog. Vat het materiaal van zijn directe observaties samen, maar blijft waarheidsgetrouw gedocumenteerd. Grekov doordrenkt zijn werken met een gevoel van patriottisme. Zijn werk is een voorbeeld van bolsjewistische ideologische kunst. Diep ideologisch en hoog vakmanschap leidde tot de wijdverbreide populariteit van zijn werken. De dynamische compositie, precieze tekening en harmonieuze tonaliteit van zijn schilderijen geven ze een opmerkelijke volledigheid en expressiviteit. Grekovs werk markeert een van de grootste prestaties van de kunst socialistisch realisme. Grekov ontwikkelt zich de beste tradities Russisch gevechtsgenre.

De gebeurtenissen van de burgeroorlog werden weerspiegeld in de werken van kunstenaars M. Avilov, A. Deineka en vele anderen. Een prominente figuur van de Communistische Partij schreef:
“Op de AHRR-tentoonstelling ter gelegenheid van de tiende verjaardag van het Rode Leger waren tienduizenden arbeiders en soldaten van het Rode Leger oprecht verrukt en raakten enthousiast bij het zien van scènes uit de burgeroorlog, soms overgebracht met een realisme van buitengewone kracht.”
Een opmerkelijke rol in de ontwikkeling van de Sovjet-historische en revolutionaire schilderkunst is van de kunstenaar I. I. Brodsky, die erin slaagde de grootsheid en grootsheid van de historische gebeurtenissen van deze jaren vast te leggen. Zijn schilderijen ‘De grote opening van het tweede congres van de Komintern in het Uritski-paleis in Petrograd’, ‘Executie van 26 commissarissen van Bakoe’ en ‘Toespraak van V. I. Lenin in de Poetilov-fabriek’ waren een belangrijke mijlpaal in de creatie van een nieuwe Sovjet-Unie. historisch beeld.

De Oktoberrevolutie ontdekte in Brodsky een meester in grootschalige schilderijen met meerdere figuren. Hij plant de cyclus 'Revolutie in Rusland' - dat is het enthousiasme van de kunstenaar, die getuige was van grote gebeurtenissen. In deze cyclus wilde hij “zoveel mogelijk de grootsheid van onze tijd weerspiegelen, kalm en eenvoudig, in de taal van realistische kunst, vertellen over de grote daden en dagen van de revolutie, over haar leiders, helden en gewone strijders. ” De eerste foto van deze cyclus was het enorme canvas (150 tekens) "De grote opening van het tweede congres van de Komintern", de tweede was "De executie van 26 Baku-commissarissen". Het arsenaal van de kunstenaar omvat ook tragische kleuren; zijn werkwijze is verrijkt met historisme, artistieke beelden- documentatie. Tijdens het werk bestudeert Brodsky al het noodzakelijke historische en iconografische materiaal, ooggetuigenverslagen en gaat hij naar de plaats van de gebeurtenissen. Zo voltooide hij tijdens het werken aan het schilderij “Grand Opening...” honderden portretschetsen van leidende figuren van de internationale arbeiders- en communistische beweging. Nu vertegenwoordigen deze meesterlijke grafische portretten historisch en artistiek materiaal van onschatbare waarde.

Petrov-Vodkin

Petrov-Vodkin gaf er steevast de voorkeur aan buiten de kasten te blijven en smeekte zijn dierbaren zich niet in de politiek te mengen, waarin ‘de duivel zelf zijn been zou breken’. Hij aanvaardde echter enthousiast de Oktoberrevolutie van 1917. Hij stemde er onmiddellijk mee in om samen te werken met de nieuwe regering en werd professor aan de Hogere kunstacademie, hij begint les te geven aan de Petrograd Academie van Beeldende Kunsten, herhaaldelijk ontwerpen theatervoorstellingen, maakt veel schilderijen en grafische platen. De revolutie leek hem een ​​grootse en vreselijk interessante onderneming. De kunstenaar gelooft oprecht dat na oktober “het Russische volk, ondanks alle kwellingen, een vrij, eerlijk leven zal regelen en dit leven voor iedereen open zal staan.”

Petrov-Vodkin was een actieve deelnemer vanaf de eerste jaren van de revolutie artistieke leven Sovjet-land Sinds 1924 was hij lid van een van de belangrijkste artistieke verenigingen: de Vier Kunsten. Hij besteedde veel energie aan het onderwijzen en ontwikkelen van de theorie van de schilderkunst. Hij was een van de reorganisatoren van het kunstonderwijs, werkte veel als graficus en theater kunstenaar. Hij werd een geëerd kunstenaar van de RSFSR, noemde zichzelf een ‘oprechte medereiziger van de revolutie’, maar toch was hij geen kunstenaar die volledig tevreden zou zijn geweest met de Sovjetregering. Een symbolist van de Parijse school, een iconenschilder uit het verleden, die zijn interesse in iconen en religieuze kunst zelfs in het tijdperk van het militante materialisme niet onder stoelen of banken stak, paste niet in het format van de Sovjetkalender. En misschien had ik het lot van velen gedeeld getalenteerde mensen verrot in de Goelag.

Petrov-Vodkin richtte zich herhaaldelijk op het thema van de burgeroorlog en probeerde de gebeurtenissen in hun film vast te leggen historische betekenis. In 1934 maakte hij een van zijn laatste krachtige schilderijen, ‘1919. De kunstenaar vond het nodig om in zijn interviews en gesprekken zijn plan gedetailleerd toe te lichten: het schilderij toont een arbeiderswoning gelegen in een stad die bedreigd wordt door de Witte Garde. De familie van de arbeider wordt gegrepen door angst, en dit is niet alleen menselijke angst, maar klassenangst, die om strijd vraagt. Aangenomen moet worden dat het niet tevergeefs was dat hij met verklaringen probeerde, want zonder hen had alles wat er gebeurde heel anders geïnterpreteerd kunnen worden. Het belangrijkste hier is tenminste helemaal niet 1919, het belangrijkste is angst, angst met een hoofdletter A, die het hoofdpersonage en onderwerp van het beeld is. Bezorgdheid voor het vaderland, voor menselijk lot, want de toekomst van kinderen kreeg in 1934 een andere betekenis dan in 1919. De foto van een arbeider uit Sint-Petersburg die midden in de nacht bij de militie wordt opgeroepen, wordt gezien als een voorbode van de terreur van Stalin met zijn nachtelijke arrestaties. In zijn latere werken wijkt Petrov-Vodkin af van het laconisme van zijn eerdere schilderijen. Hij schrijft composities met meerdere figuren en vult de plot aan met veel details. Soms begint dit de perceptie van het hoofdidee te verstoren (dit is van hem laatste foto"Housewarming" met als thema "verdichting van de voormalige burgerij", geschreven in 1938).

Kustodiev

Kustodiev behoorde tot de oudere generatie realistische kunstenaars die de revolutie met vreugde accepteerden. In zijn werk duiken nieuwe thema’s op, geïnspireerd door de turbulente gebeurtenissen van die jaren. Kustodievs eerste werk, gewijd aan de revolutie, beeldt de dag uit van de omverwerping van het tsarisme en heet ‘27 februari 1917’. De gebeurtenissen die de kunstenaar vanuit het raam van de kamer aan de Petrogradse kant ziet, behouden in het beeld de helderheid en overtuigingskracht van directe levensindrukken. De rinkelende winterzon verlicht de rode bakstenen muur van het huis en doordringt de schone, frisse lucht. Een dichte menigte mensen beweegt zich, bezaaid met de punten van geweren. Ze rennen, zwaaiend met hun armen en heffen hun hoeden in de lucht. In alles is feestelijke opwinding voelbaar: in de snelle beweging, in de blauwe schaduwen die op de roze sneeuw snellen, in de dichte, lichte rookwolken. De eerste onmiddellijke reactie van de kunstenaar op revolutionaire gebeurtenissen is hier nog steeds zichtbaar.

Twee jaar later, in 1919-1920, probeerde hij in de film ‘Bolshevik’ zijn indrukken van de revolutie samen te vatten. Kustodiev gebruikt de typische techniek van generalisatie en allegorie. Een menigte stroomt door de smalle straatjes van Moskou in een dikke, stroperige stroom. De zon kleurt de sneeuw op de daken, waardoor de schaduwen blauw en elegant worden. En bovenal, boven de menigte en huizen, een bolsjewiek met een spandoek in zijn handen. Resonante kleuren, open en sonore rode kleur - alles geeft het canvas een grote klank.”
In 1920-1921 schilderde Kustodiev in opdracht van de Sovjet van Petrograd twee grote kleurrijke doeken gewijd aan nationale vieringen: "Viering ter ere van het Tweede Congres van de Komintern op het Uritski-plein" en "Nachtviering op de Neva".

In Rusland: de realiteit van revolutie en burgeroorlog door de ogen van de kunstenaar Ivan Vladimirov (deel 2)

Rusland: de realiteit van revolutie en burgeroorlog door de ogen van de kunstenaar Ivan Vladimirov (deel 2)

IN

Origineel afkomstig van tipolog V
Rusland: realiteit van revolutie en burgeroorlog
door de ogen van kunstenaar Ivan Vladimirov (deel 2)

Rusland: realiteit van revolutie en burgeroorlog
door de ogen van kunstenaar Ivan Vladimirov
(deel 2)

Gevechtsschilder Ivan Alekseevich Vladimirov (1869 - 1947) staat bekend om zijn cycli van werken gewijd aan de Russisch-Japanse oorlog, de revolutie van 1905 en de Eerste Wereldoorlog.
Maar het meest expressief en realistisch was de cyclus van zijn documentaireschetsen van 1917 tot 1920.
Het vorige deel van deze collectie presenteerde de beroemdste schilderijen van Ivan Vladimirov uit deze periode. Deze keer was het de beurt om die films aan het publiek tentoon te stellen die, om verschillende redenen, niet algemeen aan het kijkerspubliek werden gepresenteerd en die in veel opzichten nieuw voor hen zijn.

Om een ​​van de afbeeldingen die u leuk vindt te vergroten, klikt u erop.
In de kelders van de Cheka (1919)

Ter gelegenheid van de verjaardag van de Oktoberrevolutie hebben we de tien meest herdacht belangrijke werken kunst uit die periode - van “Versla de blanken met een rode wig” van Lissitzky tot “Defensie van Petrograd” van Deineka.

El Lissitzky,

“Sla de blanken op met een rode wig”

In de beroemde poster ‘Beat the Whites with a Red Wedge’ gebruikt El Lissitzky de suprematistische taal van Malevich voor politieke doeleinden. Schoon geometrische vormen dienen als beschrijving van een gewelddadig gewapend conflict. Zo reduceert Lissitzky de onmiddellijke gebeurtenis, de actie, tot tekst en slogan. Alle elementen van de poster zijn nauw met elkaar verweven en onderling afhankelijk. De figuren verliezen hun absolute vrijheid en worden een geometrische tekst: deze poster zou zelfs zonder letters van links naar rechts gelezen worden. Lissitzky ontwierp, net als Malevich nieuwe wereld en creëerde de vormen waarin het nieuwe leven moest passen. Dit werk bedankt nieuwe vorm en geometrie vertaalt het onderwerp van de dag in enkele algemene tijdloze categorieën.

Kliment Redko

"Opstand"

Kliment Redko's werk "Uprising" is een zogenaamd Sovjet-neo-icoon. Het idee van dit formaat is dat het op het vlak toegepaste beeld in de eerste plaats een soort universeel model is, een beeld van wat gewenst is. Net als bij een traditioneel icoon is het beeld niet reëel, maar weerspiegelt het een ideale wereld. Het is het neo-icoon dat ten grondslag ligt aan de kunst van het socialistisch realisme van de jaren dertig.

In dit werk durft Redko een gedurfde stap te zetten – in de ruimte van het beeld dat hij verbindt geometrische vormen met portretten van bolsjewistische leiders. Rechts en linkerhand Van Lenin gezien zijn zijn medewerkers: Trotski, Kroepskaja, Stalin en anderen. Net als bij de icoon is er geen gebruikelijk perspectief; de schaal van een bepaalde figuur hangt niet af van de afstand tot de kijker, maar van de betekenis ervan. Met andere woorden: Lenin is hier de belangrijkste, en daarom de grootste. Redko hechtte ook veel belang aan licht.

Het lijkt alsof de figuren een gloed uitstralen, waardoor het schilderij op een neonreclame lijkt. De kunstenaar duidde deze techniek aan met het woord ‘cinema’. Hij probeerde de materialiteit van verf te overwinnen en trok analogieën tussen schilderkunst en radio, elektriciteit, film en zelfs het noorderlicht. Zo stelt hij zichzelf feitelijk dezelfde taken die iconenschilders zichzelf vele eeuwen geleden oplegden. Hij speelt op een nieuwe manier met bekende plannen en vervangt Paradise socialistische wereld, en Christus en de heiligen - Lenin en zijn volgelingen. Het doel van Redko's werk is de vergoddelijking en sacralisering van de revolutie.

Pavel Filonov

"Formule van het Petrogradse proletariaat"

‘De formule van het Petrogradse proletariaat’ werd geschreven tijdens de burgeroorlog. In het midden van de foto staat een arbeider, wiens majestueuze figuur boven de nauwelijks zichtbare stad uitsteekt. De compositie van het schilderij is gebouwd op intense ritmes, waardoor een gevoel van ziedende en groeiende beweging ontstaat. Alle iconische symbolen van het proletariaat zijn hier vastgelegd, zoals reus menselijke handen- een wapen om de wereld te transformeren. Tegelijkertijd is dit niet alleen een beeld, maar een generaliserende formule die het universum weerspiegelt. Filonov lijkt de wereld op te splitsen tot in de kleinste atomen en deze onmiddellijk weer in elkaar te zetten, terwijl hij tegelijkertijd door een telescoop en een microscoop kijkt.

Ervaring met deelname aan geweldig en tegelijkertijd monsterlijk historische gebeurtenissen(De Eerste Wereldoorlog en de Revolutie) hadden een enorme invloed op het werk van de kunstenaar. De mensen op de schilderijen van Filonov worden verpletterd in de vleesmolen van de geschiedenis. Zijn werken zijn moeilijk waarneembaar, soms pijnlijk - de schilder fragmenteert het geheel eindeloos en brengt het soms op het niveau van een caleidoscoop. De kijker moet voortdurend alle fragmenten van het beeld in zijn hoofd houden om uiteindelijk het volledige beeld te kunnen bevatten. De wereld van Filonov is de wereld van het collectieve lichaam, de wereld van het concept ‘wij’ dat naar voren is gebracht in het tijdperk waarin het private en het persoonlijke zijn afgeschaft. De kunstenaar zelf beschouwde zichzelf als een exponent van de ideeën van het proletariaat en noemde het collectieve lichaam, dat altijd aanwezig is in zijn schilderijen, ‘wereldbloeiend’. Het is echter mogelijk dat zelfs tegen de wil van de auteur zijn ‘wij’ vervuld is van diepe afgrijzen. In het werk van Filonov lijkt de nieuwe wereld vreugdeloos en enge plek waar de doden de levenden binnenkomen. De werken van de kunstenaar weerspiegelden niet zozeer hedendaagse gebeurtenissen als wel een voorgevoel van toekomstige verschrikkingen totalitair regime, repressie.

Kuzma Petrov-Vodkin

"Petrograd Madonna"

Een andere naam voor dit schilderij is ‘1918 in Petrograd’. Op de voorgrond staat een jonge moeder met een baby in haar armen, op de achtergrond een stad waar de revolutie net is geëindigd - en de inwoners eraan wennen nieuw leven en macht. Het schilderij lijkt op een icoon of op een fresco Italiaanse meester Renaissance.

Petrov-Vodkin interpreteerde nieuw tijdperk in context nieuw lot Rusland, maar met zijn creativiteit streefde hij er niet naar om het geheel volledig te vernietigen Oude Wereld en bouw een nieuwe op de ruïnes. Hij tekende voor zijn schilderijen onderwerpen uit het dagelijks leven, maar nam de vorm daarvoor over uit vroegere tijdperken. Als middeleeuwse kunstenaars zich kleedden bijbelse helden in hedendaagse kleding om ze dichter bij hun tijd te brengen, dan doet Petrov-Vodkin precies het tegenovergestelde. Hij beeldt een inwoner van Petrograd af naar het beeld van de Moeder van God om een ​​gewoon, alledaags plot een ongebruikelijke betekenis en tegelijkertijd tijdloosheid en universaliteit te geven.

Kazimir Malevitsj

"Hoofd van een boer"

NAAR revolutionaire gebeurtenissen In 1917 arriveerde Kazimir Malevich als een volleerd meester, nadat hij het pad had afgelegd van het impressionisme en het neoprimitivisme naar zijn eigen ontdekking: het suprematisme. Malevich nam de revolutie ideologisch waar; nieuwe mensen en propagandisten van het suprematistische geloof zouden lid zijn van de kunstgroep UNOVIS (“Adopters of New Art”), die een verband in de vorm van een zwart vierkant op hun mouwen droegen. Volgens de ideeën van de kunstenaar moest de kunst in een veranderde wereld haar eigen staat en haar eigen wereldorde creëren. De revolutie bood avant-gardekunstenaars de kans om het hele verleden te herschrijven toekomstige geschiedenis op zo'n manier dat het de belangrijkste plaats daarin inneemt. Het moet gezegd worden dat ze daar in veel opzichten in zijn geslaagd, omdat avant-gardekunst een van de belangrijkste visitekaartjes van Rusland is. Ondanks de programmatische ontkenning van de visuele vorm als achterhaald, wendde de kunstenaar zich in de tweede helft van de jaren twintig tot de figurativiteit. Hij maakt werken uit de boerencyclus, maar dateert ze uit de periode 1908–1912. (dat wil zeggen de periode vóór het ‘Zwarte Vierkant’), dus de afwijzing van zinloosheid ziet hier niet als een verraad aan de eigen idealen. Omdat deze cyclus deels bedrog is, verschijnt de kunstenaar als een profeet die anticipeert op toekomstige volksonrust en revolutie. Een van de meest opvallende kenmerken van deze periode van zijn werk was de depersonalisatie van mensen. In plaats van gezichten en hoofden zijn hun lichamen bedekt met rode, zwarte en witte ovalen. Deze figuren stralen aan de ene kant een ongelooflijke tragedie uit en aan de andere kant abstracte grootsheid en heldendom. ‘Head of a Peasant’ doet denken aan heilige afbeeldingen, bijvoorbeeld het icoon ‘Saviour’s Ardent Eye’. Zo creëert Malevich een nieuw ‘post-suprematistisch icoon’.

Boris Kustodiev

"Bolsjewiek"

De naam Boris Kustodiev wordt vooral geassocieerd met heldere, kleurrijke schilderijen die het leven van kooplieden uitbeelden en idyllische vakantiefestiviteiten met karakteristieke Russische taferelen. Na de staatsgreep wendde de kunstenaar zich echter tot revolutionaire thema's. Het schilderij “Bolsjewiek” toont een gigantische man in vilten laarzen, een jas van schapenvacht en een hoed; achter hem wappert de rode vlag van de revolutie, die de hele hemel vult. Met een gigantische stap loopt hij door de stad, en ver beneden zwermt een grote menigte rond. Het schilderij heeft een scherpe poster-expressiviteit en spreekt de kijker aan in een zeer zielige, directe en zelfs wat grove symbolische taal. De man is natuurlijk de revolutie zelf die de straat op is gegaan. Ze is niet meer te stoppen, ze kan zich niet voor haar verstoppen, en uiteindelijk zal ze alles op haar pad verpletteren en vernietigen.

Kustodiev, ondanks de enorme veranderingen in kunst wereld, bleef trouw aan zijn toen al archaïsche beeldtaal. Maar vreemd genoeg paste de esthetiek van koopman Rusland zich organisch aan de behoeften van de nieuwe klasse aan. Hij verving de herkenbare Russische vrouw door een samovar, die de Russische manier van leven symboliseerde, door een even herkenbare man in een gewatteerd jasje - een soort Pugachev. Feit is dat de kunstenaar zowel in het eerste als in het tweede geval beeldsymbolen gebruikt die voor iedereen begrijpelijk zijn.

Vladimir Tatlin

Monument voor de Derde Internationale

Het idee van de toren kwam in 1918 bij Tatlin naar voren. Het moest een symbool worden van de nieuwe relatie tussen kunst en staat. Een jaar later slaagde de kunstenaar erin een opdracht te ontvangen voor de bouw van dit utopische gebouw. Het was echter voorbestemd om onvervuld te blijven. Tatlin was van plan een toren van 400 meter hoog te bouwen, die zou bestaan ​​uit drie glazen volumes die met verschillende snelheden roteerden. Buiten zouden ze omgeven zijn door twee gigantische metalen spiralen. Hoofdidee Het monument was dynamisch, wat overeenkwam met de tijdgeest. In elk van de delen was de kunstenaar van plan ruimte te geven aan 'drie machten': wetgevend, publiek en informatief. De vorm lijkt op de beroemde Toren van Babel uit een schilderij van Pieter Bruegel - alleen moest de Tatlin-toren, in tegenstelling tot de Toren van Babel, dienen als symbool van de hereniging van de mensheid na de wereldrevolutie, op wiens offensief iedereen zo hartstochtelijk wachtte in de eerste jaren van de Sovjetmacht.

Gustav Klutsis

"Elektrificatie van het hele land"

Het constructivisme nam met meer enthousiasme dan andere avant-gardebewegingen de verantwoordelijkheid op zich voor de retoriek en esthetiek van de macht. Een treffend voorbeeld hiervan is de fotomontage van constructivist Gustav Klutsis, die de twee meest herkenbare talen van die tijd combineerde: geometrische structuren en het gezicht van de leider. Hier wordt, zoals in veel werken uit de jaren twintig, niet het werkelijke beeld van de wereld weerspiegeld, maar de organisatie van de werkelijkheid door de ogen van de kunstenaar. Het doel is niet om deze of gene gebeurtenis te laten zien, maar om te laten zien hoe de kijker deze gebeurtenis moet waarnemen.

Fotografie speelde daarin een grote rol staatspropaganda van die tijd, en fotomontage was een ideaal middel om de massa te beïnvloeden, een product dat de schilderkunst in de nieuwe wereld moest vervangen. In tegenstelling tot hetzelfde schilderij kan het talloze keren worden gereproduceerd, in een tijdschrift of op een poster worden geplaatst en zo aan een groot publiek worden overgebracht. Sovjet-montage wordt gemaakt ter wille van de massareproductie; het handwerk wordt hier in grote oplage afgeschaft. Socialistische kunst sluit het concept van uniciteit uit, het is niets meer dan een fabriek voor de productie van dingen en zeer specifieke ideeën die door de massa moeten worden geïnternaliseerd.

David Schterenberg

"Zure melk"

David Shterenberg was, hoewel hij commissaris was, geen radicaal in de kunst. Zijn minimalistische decoratieve stijl realiseerde hij vooral in stillevens. De belangrijkste techniek van de kunstenaar is een licht omhoogstaand verticaal tafelblad met daarop platte voorwerpen. Heldere, decoratieve, zeer toepassingsgerichte en fundamenteel 'oppervlakkige' stillevens werden in Sovjet-Rusland gezien als echt revolutionair, waardoor de oude manier van leven op zijn kop werd gezet. Extreme vlakheid wordt hier echter gecombineerd met ongelooflijke tactiliteit - bijna altijd imiteert schilderen een of andere textuur of materiaal. De schilderijen met bescheiden en soms mager voedsel tonen het bescheiden en soms magere dieet van de proletariërs. Shterenberg legt de nadruk vooral op de vorm van de tafel, die in zekere zin een weerspiegeling wordt van de cafécultuur met zijn openheid en vertoon. Luide en zielige slogans van een nieuwe manier van leven spraken de kunstenaar veel minder aan.

Alexander Deineka

"Verdediging van Petrograd"

Het schilderij is verdeeld in twee lagen. De onderkant toont soldaten die vrolijk naar het front lopen, de bovenkant toont de gewonden die terugkeren van het slagveld. Deineka gebruikt de techniek van omgekeerde beweging: eerst ontwikkelt de actie zich van links naar rechts en vervolgens van rechts naar links, wat een gevoel van cyclische compositie creëert. Vastberaden mannelijke en vrouwelijke figuren worden krachtig en zeer volumineus weergegeven. Ze verpersoonlijken de bereidheid van het proletariaat om tot het einde te gaan, hoe lang het ook duurt - aangezien de compositie van het beeld gesloten is, lijkt het erop dat de stroom mensen naar het front gaat en terugkeert
daaruit droogt niet uit. Het harde, onverbiddelijke ritme van het werk drukt de heroïsche geest van die tijd uit en romantiseert de pathos van de burgeroorlog.