Terugkeer van de verloren zoon, ca. 1666-1669

"Terugkeer van de verloren zoon" - beroemd schilderij Rembrandt gebaseerd op de nieuwtestamentische parabel van de verloren zoon.

Een zekere man had twee zonen; en de jongste van hen zei tegen zijn vader: Vader! geef mij het volgende deel van het landgoed. En de vader verdeelde de nalatenschap voor hen. Na een paar dagen jongste zoon Nadat hij alles had verzameld, ging hij naar de andere kant en daar verkwistte hij zijn bezit en leefde hij losbandig. Toen hij alles had meegemaakt, ontstond er een grote hongersnood in dat land, en hij begon in nood te verkeren; en hij ging een van de inwoners van dat land aanspreken en stuurde hem naar zijn velden om varkens te laten grazen; en hij was blij zijn buik te vullen met de hoorns die de varkens aten, maar niemand gaf ze hem. Toen hij weer bij zinnen kwam, zei hij: ‘Hoeveel dagloners van mijn vader hebben een overvloed aan brood, maar ik sterf van de honger; Ik zal opstaan, naar mijn vader gaan en tegen hem zeggen: Vader! Ik heb gezondigd tegen de hemel en voor u en ben het niet langer waard uw zoon genoemd te worden; accepteer mij als een van uw dagloners.
Hij stond op en ging naar zijn vader. En terwijl hij nog ver weg was, zag zijn vader hem en had medelijden; en rennend viel hij hem om de nek en kuste hem. De zoon zei tegen hem: Vader! Ik heb gezondigd tegen de hemel en tegenover jou en ben het niet langer waard om jouw zoon genoemd te worden. En de vader zei tegen zijn dienaren: Breng het beste gewaad en kleed hem aan, en doe een ring aan zijn hand en sandalen aan zijn voeten; en breng het gemeste kalf en slacht het; Laten we eten en plezier hebben! Want deze zoon van mij was dood en leeft weer, hij was verdwaald en is gevonden. En ze begonnen plezier te maken.
Zijn oudste zoon was in het veld; en toen hij bij het huis terugkeerde, hoorde hij gezang en vreugde; en hij riep een van de bedienden en vroeg: wat is dit? Hij zei tegen hem: ‘Je broer is gekomen en je vader heeft het gemeste kalf geslacht, omdat hij hem gezond heeft ontvangen.’ Hij werd boos en wilde niet naar binnen. Zijn vader kwam naar buiten en belde hem. Maar hij antwoordde zijn vader: Zie, ik heb je zoveel jaren gediend en heb nooit je bevelen overtreden, maar je hebt me zelfs nooit een kind gegeven zodat ik plezier kon hebben met mijn vrienden; En toen deze zoon van u, die zijn rijkdom had verkwist met hoeren, kwam, slachtte u het gemeste kalf voor hem. Hij zei tegen hem: Mijn zoon! Je bent altijd bij mij, en alles wat van mij is, is van jou, en het was nodig om je te verheugen en blij te zijn dat deze broer van je dood was en tot leven kwam, verloren was en werd gevonden.

Lukas 15:11-32

De plot van de foto

Het schilderij toont de laatste episode van de gelijkenis, wanneer de verloren zoon naar huis terugkeert, “en terwijl hij nog ver weg was, zag zijn vader hem en had medelijden; en rennend viel hij hem om de nek en kuste hem”, en zijn oudere, rechtvaardige broer, die bij zijn vader bleef, werd boos en wilde niet naar binnen.

Beschrijving

Dit is het grootste schilderij van Rembrandt religieus thema. In tegenstelling tot zijn voorgangers Dürer en Lucas van Leiden, die de verloren zoon afbeeldden terwijl hij in losbandig gezelschap of met varkens aan het feesten was, concentreerde Rembrandt zich op de essentie van de gelijkenis: de ontmoeting van vader en zoon en vergeving.

Verschillende mensen verzamelden zich op een klein terrein voor het huis. Aan de linkerkant van de foto is een knielende verloren zoon afgebeeld met zijn rug naar de toeschouwer. Zijn gezicht is niet zichtbaar, zijn hoofd is geschreven in profil perdu. De vader raakt zachtjes de schouders van zijn zoon aan en omhelst hem. Het schilderij is een klassiek voorbeeld van een compositie waarbij het belangrijkste sterk is verschoven ten opzichte van de centrale as van de afbeelding om het hoofdidee van het werk zo nauwkeurig mogelijk te onthullen. “Rembrandt benadrukt het belangrijkste op de foto met licht en vestigt onze aandacht daarop. Het compositorische centrum bevindt zich bijna aan de rand van de foto. De kunstenaar balanceert de compositie met rechts de figuur van zijn oudste zoon. Het plaatsen van het belangrijkste semantische centrum op een derde van de afstand in hoogte komt overeen met de wet van de gulden snede, die kunstenaars sinds de oudheid hebben gebruikt om de grootste expressiviteit van hun creaties te bereiken.”

Het hoofd van de verloren zoon, geschoren als dat van een veroordeelde, en zijn gescheurde kleren duiden op zijn val. De kraag heeft een vleugje luxe uit het verleden behouden. De schoenen zijn versleten, en ontroerend detail is dat er één viel toen de zoon knielde. In de diepte kan men een veranda ontwaren en daarachter het huis van zijn vader. De meester plaatste de hoofdfiguren op de kruising van de picturale en reële ruimtes (later werd het canvas onderaan geplaatst, maar volgens het plan van de auteur bevond de onderkant zich ter hoogte van de tenen van de knielende zoon). “De diepte van de ruimte wordt overgebracht door een consistente verzwakking van licht, schaduw en kleurcontrasten, beginnend vanaf de voorgrond. In feite is het gebouwd door de figuren van getuigen van het toneel van vergeving, dat geleidelijk oplost in de schemering.” “Voor ons ligt een gedecentraliseerde compositie met de hoofdgroep (gebeurtenisknooppunt) aan de linkerkant en een cesuur die deze scheidt van de groep getuigen van de gebeurtenis aan de rechterkant. De gebeurtenis zorgt ervoor dat de deelnemers in de scène anders reageren. Het plot is gebouwd volgens het compositieschema “response”.

Kleine karakters

Naast vader en zoon toont de foto nog 4 karakters. Het zijn donkere silhouetten die moeilijk te onderscheiden zijn tegen een donkere achtergrond, maar wie ze zijn blijft een mysterie. Sommigen noemden hen de ‘broers en zussen’ van de hoofdpersoon. Kenmerkend is dat Rembrandt conflicten vermijdt: de gelijkenis spreekt over de jaloezie van een gehoorzame zoon, en de harmonie van het beeld wordt op geen enkele manier verstoord.

Hermitagemedewerker Irina Linnik meent dat Rembrandts doek een prototype heeft in een houtsnede van Cornelis Antonissen (1541), waarop ook een knielende zoon en vader omringd door figuren zijn afgebeeld. Maar op de gravure zijn deze figuren gegraveerd: Geloof, Hoop, Liefde, Bekering en Waarheid. In de hemel staat op de gravure "God" in het Grieks, Hebreeuws en Latijn. Een röntgenfoto van het Hermitage-schilderij toonde de aanvankelijke gelijkenis van Rembrandts schilderij met de details van de genoemde gravure. Een directe analogie kan echter niet worden getrokken - het beeld vertoont slechts een verre gelijkenis met een van Antonissens allegorieën (de verste en bijna verdwijnend in de duisternis), die lijkt op een allegorie van de liefde, en bovendien een rood hartvormig patroon heeft. medaillon. Misschien is dit een afbeelding van de moeder van de verloren zoon.

De twee figuren op de achtergrond, in het midden (blijkbaar vrouwelijk, misschien een dienstmeisje of een andere gepersonifieerde allegorie; en mannelijk), zijn moeilijker te raden. De zittende jongeman met een snor kan, als je de plot van de gelijkenis volgt, de tweede, gehoorzame broer zijn. Er wordt gespeculeerd dat de tweede broer in feite de vorige ‘vrouwelijke’ figuur is die de colonne omhelst. Bovendien is dit misschien niet zomaar een zuil - qua vorm lijkt het op de pijler van de Tempel van Jeruzalem en kan het heel goed de pijler van de Wet symboliseren, en het feit dat de rechtvaardige broeder zich erachter verschuilt, krijgt een symbolische betekenis.

De aandacht van de onderzoekers wordt gevestigd op de figuur van de laatste getuige, gelegen aan de rechterkant van de foto. Ze speelt belangrijke rol in de compositie en bijna net zo helder geschreven als de hoofdtekst karakters. Zijn gezicht drukt sympathie uit, en de reizende mantel die hij draagt ​​en de staf in zijn handen suggereren dat hij, net als de verloren zoon, een eenzame zwerver is. De Israëlische onderzoeker Galina Luban gelooft dat dit beeld verband houdt met de figuur van de Eeuwige Jood. Volgens andere veronderstellingen is hij de oudste zoon, wat niet samenvalt met de leeftijdsbeschrijving van het nieuwtestamentische karakter, hoewel hij ook een baard heeft en gekleed is als zijn vader. Deze rijke kleding is echter ook een weerlegging van de versie, aangezien hij volgens het evangelie, nadat hij had gehoord over de terugkeer van zijn broer, rechtstreeks van het veld kwam rennen, waar hij hoogstwaarschijnlijk werkkleding droeg. Sommige onderzoekers zien in deze figuur een zelfportret van Rembrandt zelf.

Er is ook een versie waarbij de twee figuren aan de rechterkant van de foto: een jongeman met baret en een staande man dezelfde vader en zoon zijn die op de andere helft zijn afgebeeld, maar pas voordat de verloren zoon het huis verlaat richting carrousel. Het canvas lijkt dus twee chronologische plannen te combineren. Er is gesuggereerd dat deze twee figuren een afbeelding zijn van de tollenaar en de Farizeeër uit de gelijkenis van het evangelie.

In profiel in de vorm van een bas-reliëf met rechterkant Van de staande getuige is een muzikant afgebeeld die fluit speelt. Zijn figuur doet misschien denken aan de muziek die binnen enkele ogenblikken het huis van zijn vader zal vullen met geluiden van vreugde.

Omstandigheden van de schepping

Dit is niet het enige werk van de kunstenaar over dit onderwerp, hoewel hij werken met een andere compositie maakte. In 1636 maakte hij een ets en in 1642 een tekening (Teyler Museum in Haarlem).

In 1635 creëerde hij het schilderij 'Zelfportret met Saskia op haar knieën', dat een episode weerspiegelde uit de legende over de verloren zoon die de erfenis van zijn vader verkwistte.

De omstandigheden rondom het schilderij zijn mysterieus. Er wordt aangenomen dat het in het laatste jaar van het leven van de kunstenaar is geschreven. Veranderingen en correcties aan het oorspronkelijke concept van het schilderij, zichtbaar op de röntgenfoto, geven de authenticiteit van het doek aan.

De traditionele datering van 1668-1669 wordt door sommigen echter als controversieel beschouwd. Kunsthistorici G. Gerson en I. Linnik stelden voor het schilderij te dateren in 1661 of 1663.

Rusland, volgens officiële statistieken, met 80% Orthodox land, maar feitelijk nog steeds onbeslist, leeft Vasten

De diensten in kerken zijn langer geworden, en cafés ook Lenten-menu. Maar dat deel van de bevolking dat niet statistisch, maar bewust tot de orthodoxie behoort, begon zich enkele weken van tevoren voor te bereiden op het vasten. Via de Hermitage probeerde ‘De Tafel’ deze traditie binnen te dringen.

De Rembrandtzaal in de Hermitage heeft groene muren. De eerste foto die ons begroet bij het binnenkomen van de zaal is ‘De terugkeer van de verloren zoon’. Figuren komen tevoorschijn uit de dikke duisternis, de gebaren en relaties van de personages worden duidelijker. De zoon, gekweld door het lot, met het geschoren hoofd van een veroordeelde, in armoedige kleding, met versleten benen die niet meer kunnen lopen, zit op zijn knieën en klampt zich vast aan zijn vader. En hij legde zijn handen op zijn schouders en accepteerde het. Het gezicht van de zoon is bijna onzichtbaar. Het gezicht van de vader is als een lichtbron.

Rembrandt. Terugkeer van de verloren zoon. 1668-1669

Een zekere man had twee zonen. En dus zei de jongste zoon tegen zijn vader: “Vader, geef mij dat deel van het familievermogen dat mij toekomt!” En hij verdeelde zijn bezittingen onder hen. Na een paar dagen vertrok de jongste zoon, alles meenemend, naar een ver land en daar, terwijl hij een losbandig leven leidde, verkwistte hij al zijn rijkdom (Lucas 15:11-13)

Het leven van Rembrandt Harmensz van Rijn leek uiteindelijk op een vallende bloem. Hij stierf in 1669. De notariële inventaris van de door de kunstenaar achtergelaten bezittingen is zeer kort: twee jassen, een tiental baretten, zakdoeken, diverse accessoires voor schilderijen en de Bijbel.

In de laatste tien jaar van zijn leven verloor hij zijn rijkdom, de vrienden aan wie hij zijn schilderijen schonk, en het huis waarin hij woonde met zijn eerste en geliefde vrouw Saskia. Ze maakte haar man rijk en gelukkig en woonde acht jaar bij hem in, maar stierf kort na de geboorte van hun vierde en enige overlevende kind, de jongen Titus. Een van de meest beroemde werken Het ‘Zelfportret van de kunstenaar met Saskia op schoot’ is de apotheose van het geluk van de auteur. Maar veel mensen noemen ditzelfde werk ‘De verloren zoon in de herberg’: de auteur in glorie en macht. Hij heeft vertrouwen in zichzelf, hij hoopt op zichzelf en op eeuwig geluk.

Na Saskia beproefde Rembrandt zijn geluk met andere vrouwen. En dus was zijn uitverkorene het dienstmeisje Hendrikje Stoffels. Vanwege de connectie met haar keerden velen zich walgend van de kunstenaar af. Maar zij was zijn trouwe metgezel tot aan haar dood in 1663. Rembrandts laatste troost was zijn enige zoon. Maar hij verliet ook zijn vader en stierf slechts 7 maanden na Hendrickje.

Rembrandt bleef werken. De roem liet de kunstenaar vervolgens in de steek en rustte sluw op de knieën van zijn studenten - gedurfde, moderne en tegelijkertijd bijna vergeten hedendaagse schilders. Maar de meester bleef bevelen ontvangen en voerde ze op briljante wijze uit. Ik heb ook mijn eigen geschreven. In het jaar van zijn dood voltooide hij het schilderij ‘De terugkeer van de verloren zoon’.

Rembrandt. Zelfportret met Saskia op schoot. 1635

En toen hij alles had uitgegeven, brak er een ernstige hongersnood uit in dat land, en de nood werd voor hem gevoelig. Hij ging zich verhuren aan een van de inwoners van dat land en stuurde hem naar zijn weilanden om varkens te laten grazen. En hij zou graag genoeg hebben gegeten van zelfs de hoorns waarmee de varkens werden gevoerd, maar niemand wilde hem dat toestaan ​​(Lucas 15:14-16)

– De zondag van de verloren zoon is een van de voorbereidende zondagen op de vastentijd. Er ontstaat een sfeer van berouw - zegt kunsthistoricus, meester in de theologie en catechist . – Voordat de Week van de Tollenaar en de Farizeeër aanbreekt. Het gaat erom hoe mensen bidden, waarvan de een zichzelf boven de ander verheft, en dat rechtvaardiging hieruit niet kan worden bereikt. En daarachter ligt de Week van de Verloren Zoon, waarin iedereen zichzelf op zijn plaats zet: in het leven vallen we immers, zoals men gelooft, altijd af van God, en de verloren zoon laat ons begrijpen dat we ons moeten bekeren en terugkeren hem.

Kopirovsky herinnert zich dat dit liturgische systeem vrij laat verscheen, toen de kerkleden al te horen kregen dat het nodig was zich te bekeren; toen ze mijlpalen, bakens, ‘stimulanten’ nodig hadden om zichzelf geestelijk wakker te schudden en te zien waar de gaten in hun leven door motten of roest werden aangevreten.

Naarmate de tijd verstreek, hoe meer onwetendheid en heidense overblijfselen iemand met zich meebracht naar de kerk, des te meer zulke herinneringen ontstonden in de kerk. kerkelijke kalender. Deze herinneringen blijven tot op de dag van vandaag onveranderd in de aanbidding.

– Centraal op deze dag staat vergeving – het principe en het allerbelangrijkste. Het zet iedereen aan het denken. Het punt is niet eens dat iemand leert vergeven - daar wordt meestal over nagedacht laatste redmiddel, - maar merkte in ieder geval dat iemand vergeven was, dat anderen vergeven.

Alexander Michajlovitsj Kopirovsky

En toen kwam hij tot bezinning en zei tegen zichzelf: “Hoeveel van de arbeiders van mijn vader krijgen voedsel in overvloed, en hier sterf ik van de honger! Ik zal opstaan, naar mijn vader gaan en tegen hem zeggen: “Vader, ik heb gezondigd tegen de hemel en tegen u; Ik ben het niet langer waard om uw zoon te worden genoemd, laat mij voor u zijn als een van uw werkers! En hij stond op en ging naar zijn vader. Zijn vader zag hem al van verre, had oprecht medelijden met hem, rende hem tegemoet, wierp zich om zijn nek en kuste hem (Lucas 15:17-20)

IN Sovjet-tijdperk dit beeld kan op verschillende manieren worden geïnterpreteerd. De onderwerpen van de Bijbel voor een sterke ideologische gids waren mythen en culturele feiten. Rublevs ‘Drie-eenheid’ werd vaak gepresenteerd als ‘een zoete herinnering aan een groen, lichtbruin roggeveld, bezaaid met korenbloemen’, waardoor de essentie en spirituele inhoud ervan naar het tiende niveau werd geduwd. Ook Rembrandt bleef niet gespaard. Alexander Kopirovsky herinnert zich:

– Ze zeiden en schreven dat Rembrandt een realist was, dat hij de burgerlijke smaak van zijn tijd overwon, de traditie vernietigde volgens welke de schilderkunst helder en uiterlijk representatief moest zijn, openlijk de menselijke ziel moest tonen... Dat wil zeggen, ze namen alles mee in psychologie. Het schilderij zou geïnterpreteerd kunnen worden als zijn herinnering aan zijn overleden zoon, een uiting van zijn ouderlijke gevoelens. Maar Titus liep niet weg van zijn vader, ook al was hij niet van plan zijn werk en traditie voort te zetten.

Uiteraard gaf Rembrandt in zijn werken gebaseerd op Bijbelse taferelen niet persoonlijk uiting, noch uitsluitend zijn ervaringen en gevoelens. Hij openbaarde wat er in de Heilige Schrift zelf stond.

–De betekenis en de geest van de Evangelie-parabel van de verloren zoon is wat hij uitdrukte: – zegt Alexander Michajlovitsj. – Hij illustreert de gelijkenis niet. De illustratie veronderstelt een strikte naleving van de tekst. Maar op de foto heeft de verloren zoon al alle woorden gezegd die hij in het complot uitspreekt, en de vader gedraagt ​​zich niet zoals in de Bijbel. Er staat niet dat hij zijn zoon omhelsde en verstijfde - het verwijst onmiddellijk naar een feestdag ter ere van de terugkeer van de jongeman. Daarnaast staat er ook een oudste zoon op de foto. Hier staat hij rechts in een rode mantel, net als die van zijn vader, hoewel hij er volgens het complot op dat moment niet was. Maar een echte kunstenaar Wat zo interessant is, is dat hij moedig de grenzen van het plot verlegt! Hij interpreteert het vrijelijk, zonder iets van zichzelf te introduceren, maar onthult de betekenis van de gebeurtenis die niet aan de oppervlakte ligt.

Murillo. Terugkeer van de verloren zoon. 1660

Maar de oudste zoon werd boos en wilde niet naar binnen; maar zijn vader kwam naar buiten en begon hem uit te nodigen. En hij zei in antwoord op zijn vader: 'Zie, ik heb je zoveel jaren gediend, en ik heb je bevel nooit ongehoorzaam geweest; en je hebt me nooit een kind gegeven, zodat ik met vrienden kon feesten. En hoe is deze zoon van u teruggekomen, die uw bezit heeft verslonden met hoeren - voor hem hebt u het gemeste kalf gedood! Maar hij zei tegen hem: 'Kind, je bent altijd bij mij, en alles wat van mij is, is van jou; maar u had zich moeten verheugen en verheugd moeten zijn omdat deze broer van u dood was en weer levend is, hij was verloren en is gevonden” (Lukas 15:28-30)

De gelijkenis wordt zo verteld dat ze niet de plot ervan horen, maar de essentie, het resultaat ervan. De barmhartigheid van de vader is een mysterie, de diepte ervan is onbegrijpelijk, maar het wordt onthuld. Liefde triomfeert.

Toen de profeten en vertolkers van het Evangelie zwegen, werd hun rol in zekere zin overgenomen door dichters, schrijvers en kunstenaars. En Rembrandt interpreteert stoutmoedig de gelijkenis van het evangelie, waarbij hij de kracht en schoonheid van de barmhartigheid van de vader laat zien, en niet zijn externe daden. Hij verbeeldt de ontmoeting van een vader met een verloren zoon, en inderdaad uiterst realistisch, maar tegelijkertijd mystiek. Dit wordt ook mogelijk gemaakt door de letterlijk ‘klinkende’ dikke kleuren van het beeld, vooral rood, vorstelijk en vredig tegelijk. Dit blijkt ook uit het mysterieuze ‘Rembrandtiaanse’ licht dat erin wordt gemorst, dat de karakters van de gelijkenis uit de duisternis om hen heen rukt.

Onderzoekers discussiëren over wat voor soort ‘extra’ mensen er op de foto zijn? Ze raden, proberen rollen uit, bouwen hypothesen. Maar hoogstwaarschijnlijk zijn jij en ik het canvas 'betrokken' als getuigen van een wonder.

Het berouw van de jongste zoon is niet alleen het besef van zijn val. Hij kon zoveel aan zelfkastijding doen als hij wilde, huilen en toch bij zijn varkens blijven. Maar hij 'kwam tot bezinning', stond op en ging naar zijn vader, kwam naar hem toe en zei alles wat hij hem wilde vertellen - dit is berouw, dat zeker zal worden gevolgd door het wonder van vergeving. Het is heel goed om in zo’n stemming de Vastentijd in te gaan.

Alexander Kopirovsky vindt dat Rembrandt zichzelf hier heeft overtroffen. Hij slaagde erin een scène te laten zien die niet moreel opbouwend was: hoe goed is het om te vergeven! Hij liet als het ware een oplossing zien voor het probleem van vaders en kinderen: als er zo’n omhelzing is, bestaat dit probleem niet. Vader en zoon zijn als één, ze zijn samengevoegd. De vader legt zijn enorme, zware handen op de rug van zijn zoon, en de zoon valt niet op de borst van zijn vader, niet op zijn schouders, maar, als een kleintje, in de baarmoeder van zijn vader. De terugkeer vond plaats.

– Dit is een gesprek over essentie van het leven, – zegt Kopirovsky. – Hier is geen enkele slimme interpretatie nodig. Je kunt er dus serieus mee praten moderne mens op zijn minst enkele spirituele vragen stellen. Omdat zo iemand tegenwoordig meestal niet als verloren zoon tot God komt, maar als toeschouwer in een museum. ‘Wat heb je hier? Ik vraag me af: laat mij God zien! Nou, kijk... En er gebeurt iets. De persoon begint te zien.

Datum van creatie: 1666–1669.
Soort: olieverf op doek.
Locatie: Hermitage, Sint-Petersburg.

Dit meesterwerk van bijbelse kunst nogmaals bevestigt Rembrandts status als een van beste artiesten van alle tijden en een uitstekende meester in het uitbeelden van religieuze onderwerpen. Voltooid binnen de afgelopen jaren leven van de auteur, toont het schilderij een scène uit een gelijkenis verteld in het Evangelie van Lucas, volgens de plot waarvan de vader (die de Heer verpersoonlijkt) alle zonden van zijn verloren zoon vergeeft.

Historische achtergrond

De religieuze beeldenstorm die volgde op de bevrijding van Nederland van het koloniale juk van Spanje en de katholieke kerk resulteerde in kerken met kale muren, bedoeld voor preken en gebeden. De Nederlandse autoriteiten hadden geen enkele wens om altaren en tempels te versieren met fresco's, schilderijen of andere vormen van kunst. In plaats daarvan werd het land in de schilderwereld bekend vanwege zijn realistische schilderijen, waaronder portretten en stillevens (vooral Vanitas). Al deze werken bevatten verschillende moralistische boodschappen. Het is niet verwonderlijk dat Nederlanders tot ‘protestantse kunst’ kwamen. Dit is precies het soort protestantse kunstenaar dat hij werd Rembrandt.

Hoewel er in Nederland geen behoefte meer was aan christelijke en altaarkunst, met afbeeldingen van heiligen, aartsengelen, martelaren, rechtvaardige mensen, zoals de werken van de Vlaamse meester Peter Paul Rubens, was het publiek nog steeds geïnteresseerd in thema’s uit het Oude Testament, vol dramatische gebeurtenissen en de goed opgeleide Rembrandt, met goede kennis bijbelse verhalen, heeft herhaaldelijk werken gemaakt op basis van verhalen uit dit boek.

Terugkeer van de verloren zoon

Een van de laatste schilderijen van de meester bevat niet zijn karakteristieke dynamiek. Net als de patriarch uit het Oude Testament legt de vader zijn handen op de schouders van de boeteling, geschoren en gekleed in armoedige kleding. Zijn gebaren gaan gepaard met stilte, zijn ogen zijn half gesloten. De daad van vergeving wordt zowel een zegen als een verzoening voor zonden, verwijzend naar de ideeën van vergeving van zondaars in het christendom. Dit beeld is uiterst spiritueel en vrij van alle anekdotische aspecten. De oudere broer van de boeteling, die volgens de oorspronkelijke bron aan de rechterkant stond, verweet zijn vader, omdat hij hem zelf vele jaren diende, zonder de geboden te overtreden, terwijl de verloren zoon geld verspilde en zich ongepast gedroeg, maar Rembrandt liet dit na gesprek opzij, zich in volledige stilte onderdompelen in de actie. Rembrandt had zich als graveur al eerder met het thema van de verloren zoon beziggehouden en ook schetsen en tekeningen gemaakt, maar in deze monumentale versie is de meest ontroerende en psychologisch complexe confrontatie tussen de broers te zien. De briljante Rembrandt weerspiegelt perfect de oprechtheid van de verloren zoon, evenals de gevoelens van een liefdevolle en barmhartige vader. Een warm en harmonieus kleurenpalet, inclusief tinten oker, goud, olijf en scharlakenrode tinten, creëert een buitengewoon gevoel van kalmte en tederheid.

Rembrandt. Terugkeer van de verloren zoon. 1668 Staatsmuseum de Hermitage , Sint-Petersburg.

"Terugkeer van de verloren zoon" De oude vader vond weer rust. Zijn jongste zoon is teruggekeerd. Hij aarzelt niet om hem zijn verspilde erfenis te vergeven. Geen verwijten. Alleen genade. Allesvergevende vaderlijke liefde.

En hoe zit het met de zoon? Hij bereikte extreme wanhoop. Bedelaar en haveloos, hij vergat trots. Hij viel op zijn knieën. Een ongelooflijke opluchting voelen. Omdat hij werd aangenomen.

Rembrandt schreef enkele maanden voor zijn dood ‘De verloren zoon’. Dit is het hoogtepunt van zijn creativiteit. Zijn belangrijkste meesterwerk. Waarvoor zich elke dag een menigte verzamelt. Wat trekt mensen zo aan?

Speciale interpretatie van de gelijkenis

Voor ons ligt een plot uit een bijbelse gelijkenis. De vader had twee zonen. De jongste eiste een deel van zijn erfenis op. Nadat hij gemakkelijk geld had ontvangen, ging hij de wereld zien en van het leven genieten. Revelt, kaartspellen, veel drank. Maar het geld verdween snel. Er was niets meer om van te leven.

Vervolgens - honger, kou, vernedering. Ingehuurd als varkenshoeder. Om varkensvoer te eten. Maar dit leven bleek zo van hand tot mond te zijn dat de zoon het begreep. De enige uitweg is teruggaan naar mijn vader. En hij zal vragen om zijn werknemer te zijn. Ze zijn tenslotte beter gevoed dan hij, zijn eigen zoon.

En hier is hij in het huis van zijn vader. Ontmoet zijn vader. Het was dit moment van de gelijkenis dat veel kunstenaars kozen voor hun schilderijen. Maar het werk van Rembrandt is totaal anders dan het werk van zijn tijdgenoten.

Kijk eens naar het schilderij van Jan Steen.

In tegenstelling tot Rembrandt was Jan Steen erg populair. Omdat het volledig aansloot bij de smaak van de klanten van dat moment. Die plezier wilde zien. Je goede en goed gevoede leven.

Vandaar de fruitmand op het hoofd van de vrouw. En een kalf, dat de opgetogen vader liet slachten ter gelegenheid van de terugkeer van zijn zoon. En ze blazen zelfs op de hoorn. Om de buren aan te kondigen over een vreugdevolle gebeurtenis in het gezin.

Vergelijk dit alledaagse tafereel nu eens met een schilderij van Rembrandt. Die geen kleine details heeft toegevoegd. We zien het gezicht van onze zoon niet eens. Rembrandt doet er alles aan om ons te laten focussen op het belangrijkste. Over de gevoelens van de hoofdpersonen.

Soortgelijke smaken heersten in andere landen. De kunstenaars voegden spectaculaire details toe. Zo schilderde de Spaanse kunstenaar Murillo zelfs kleding op een dienblad. Die de vader beval aan zijn terugkerende zoon te geven.

Ook zien we hetzelfde arme kalfje. Die ze willen voorbereiden ter ere van een vreugdevolle gebeurtenis.

Kunt u zich dit kalf van Rembrandt voorstellen?

Natuurlijk niet. Rembrandts schilderij gaat over iets heel anders. Niet over de externe kenmerken van vrijgevigheid. En over de innerlijke gevoelens van de vader.

Het is veel moeilijker om dit over te brengen. Maar Rembrandt slaagt daar zo goed in dat alle uiterlijke kenmerken belachelijk lijken. Dit is zijn genialiteit.

Rembrandt-techniek

Rembrandt is geheel gericht op weergave innerlijke wereld hun helden. Dit is terug te zien in zijn techniek. Wij zien geen standaard kleur bereik. We zien een samensmelting van rode, bruine en gouden tinten.

De verfstreken worden abrupt en achteloos aangebracht. De kunstenaar verbergt ze niet. Geen gladheid.

Ook het clair-obscur op het schilderij is ongebruikelijk. De hoofdpersonen worden verlicht door een zwakke lichtbron. Het lichtste plekje is het voorhoofd van mijn vader. Er is overal schemering. Die op de achtergrond overgaat in bijna pikdonker. Dergelijke overgangen van licht naar schaduw voegen emotionaliteit toe.

Test jezelf: doe de online test

Weg met uiterlijke schoonheid

Het kon Rembrandt niets schelen uiterlijke schoonheid persoon. Zijn verloren zoon wordt werkelijk gekweld door het leven. Zijn uiterlijk is onaangenaam. Gat in de achterkant. Versleten voeten. Blote schedel.

Kijk nu naar de verloren zoon Nikolai Losev.

Ja, zijn kleren zijn versleten. Zelfs te veel. Dit is meer een theatraal kenmerk. Vals natuurlijk. Onder deze gatenlap zit tenslotte gespierd, mooi lichaam. Goedharig ook. De vader in witte gewaden ziet eruit als een sprookjesprofeet. Heel mooi. Zelfs de hond is prachtig.

Vergelijk dit schilderij nu met het werk van Rembrandt. En je zult begrijpen wie er eerlijker naar buiten kwam. Emotioneeler.

Rembrandts persoonlijke tragedie

Rembrandt creëerde ‘De verloren zoon’ onmiddellijk na de tragedie die hem overkwam. Zijn zoon Titus stierf. Hij was amper 26 jaar oud.

Hij werd geboren uit zijn eerste vrouw. Lieve Saskia. Die stierf toen de jongen 10 maanden oud was. Het kind was van harte welkom. Vóór hem verloor het echtpaar op jonge leeftijd drie kinderen.

Titus was een zeer liefdevolle zoon. Hij geloofde in het genie van zijn vader. En hij deed er alles aan om ervoor te zorgen dat zijn vader bleef creëren.

Nadat schuldeisers Rembrandts huis en zijn rijke collectie hadden afgenomen, moest hij verhuizen naar de buitenwijken van de stad.

Titus, nauwelijks volwassen, richtte een onderneming op die schilderijen verkocht. De schilderijen van mijn vader verkochten slecht. De zoon ruilde schilderijen van andere kunstenaars. Zodat mijn vader rustig kon werken in zijn atelier.

Barok schilderij
Schilderij van de Nederlandse schilder Rembrandt van Rijn “De terugkeer van de verloren zoon”. Schilderijformaat 262 x 205 cm, olieverf op doek. Uit de Parijse collectie van hertog Antoine d'Ansezyun in 1766. De gelijkenis van de verloren zoon, herhaaldelijk door Rembrandt gebruikt in gravures, tekeningen en schilderijen, staat centraal in het begrip van de mensheid dat de geest de personificatie is Bergrede, met zijn poëtische dialectiek van zonde en berouw, vertrouwen in vertrouwen en reddende liefde voor de naaste, met zijn antidogmatische, waarlijk creatieve solidariteit die effectief in het leven losbarst. Het is dan ook niet verrassend dat deze gelijkenis het meest nabije thema van Rembrandt werd.

Deze foto kroont hem ongetwijfeld latere creativiteit en aspiraties, over de berouwvolle terugkeer van de zoon, over de onbaatzuchtige vergeving van de vader, onthult duidelijk en overtuigend de diepe menselijkheid van het verhaal. (De datering is echter controversieel; in plaats van 1668-1669 werd door kunsthistorici G. Gerson en I. Linnik voorgesteld om het schilderij te dateren in 1661 of 1663). Het beeld wordt gedomineerd door “slechts één figuur: de vader, afgebeeld vanaf de voorkant, met een breed, zegenend gebaar van zijn handen, die hij bijna symmetrisch op de schouders van zijn zoon plaatst. Deze zelfde, op de rug afgebeeld, knielt voor zijn vader en vormt met hem een ​​monumentale groep die in brons gegoten zou kunnen worden. Nergens is de verenigende menselijke kracht van monumentale vormen met zoveel gevoel gedemonstreerd. De vader is een waardige oude man met nobele trekken, gekleed in koninklijk klinkende rode gewaden.

Maar zelfs deze monumentaliteit bij Rembrandt valt uiteen, weggespoeld door een krachtige stroom menselijkheid die op dit ogenschijnlijk zo stevig gelaste blok wordt gegoten. Van het nobele hoofd van de vader, van zijn kostbare gewaad, daalt onze blik af naar het geschoren hoofd, de criminele schedel van de zoon, naar zijn vodden die willekeurig aan zijn lichaam hangen, naar zijn voetzolen, vrijmoedig blootgesteld aan de toeschouwer, waardoor zijn zicht wordt geblokkeerd ... De groep kapseist bovenaan. Een vader die zijn handen op het vuile overhemd van zijn zoon legt alsof hij een heilig sacrament uitvoert, overweldigd door de diepte van zijn gevoel, moet zijn zoon net zo goed vasthouden als hem vasthouden...

De kleine figuren van de broers en zussen zijn ook op de foto aanwezig, maar nemen geen enkele rol in de actie. Ze bevinden zich alleen op de grens van wat er gebeurt, alleen gefascineerde stomme getuigen, alleen de omringende verdwijnende wereld...” (Richard Hamann). Volgens onderzoeker Bob Haack is het mogelijk dat Rembrandt ‘deze figuren alleen in schetsen heeft weergegeven, en dat een andere kunstenaar ze heeft voltooid’, terwijl hij aan het schilderen was. hoofdgroep, net als in The Jewish Bride zijn vorm en geest op onnavolgbare wijze verenigd. Alles is hier werkelijk en zeer symbolisch: de blokvorm en tegelijkertijd intern onstabiel, de eenheid van de figuren van vader en zoon die van het ene element naar het andere vloeien, de ruitvormige, diamantgeslepen omlijsting van het hoofd van de zoon met de handen van de vader, het indringende gebaar van de handen van dit onvervangbare menselijke orgaan. “Alles wat deze handen hebben ervaren – vreugde, lijden, hoop en angst, alles wat ze hebben gecreëerd of vernietigd, waar ze van hielden of haatten, dit alles wordt uitgedrukt in deze stille omhelzing” (Germain Bazin). En tenslotte deze veelomvattende rode kleur van de mantel, vol troost en vergeving, de sonore kern van Rembrandts ‘testament van de mensheid’ (Hamann), dit uitstervende spoor van een onbaatzuchtige, menselijke ziel, deze oproep tot actie, de rode kleur van hoop, het veelbelovende licht van liefde.