In de zalen Tretjakovgalerij De tentoonstelling "Dmitry Mochalsky - een romanticus van het socialistisch realisme", gewijd aan de honderdste verjaardag van de geboorte van de kunstenaar, opende op Krymsky Val. Door de werken van de Sovjet-schrijver over het dagelijks leven tentoon te stellen, besloot Tretjakov blijkbaar een voorzichtige rehabilitatie van de kunst te beginnen socialistisch realisme, waar niemand een paar jaar geleden aan had gedacht.

Dmitry Konstantinovich Mochalsky (1908-1988) kan uiteraard niet als een romanticus van het socialistisch realisme worden beschouwd: in zijn werk zijn geen stormen en spanningen merkbaar. En hij was, om zo te zeggen, een timide getuige en een liefhebber van prestaties Sovjet-tijdperk, alsof het door iemand uit een demonstratie is. Zelfs zijn schilderij ‘Return from the Demonstration (They Saw Stalin)’ uit 1949, bekend uit eerdere Sovjetschoolboeken, werd geschreven als een indirecte toost op de ‘vader der naties’ en kwam daarom niet in aanmerking voor de Staatsprijs. Het canvas met de afbeelding van vrolijke pioniers en een Suvorov-soldaat die met gevouwen spandoeken langs de Moskvoretsky-brug liep, was echter geschikt voor alle doeleinden. Sovjet-tijden: de ondertitel tussen haakjes verdween immers op een bepaald moment in onze geschiedenis, en de twijfelachtige weerspiegeling van de Stalinprijs raakte het werk niet.

Qua stijl lijken de films van Mochalsky op de Sovjet-cinema, die hield van een goed geënsceneerde ‘natuurlijke’ scène. Een ander beroemd opus van de kunstenaar is bijvoorbeeld het enorme canvas 'Victory. Berlijn. 1945" (1947) met jubelende soldaten voor de Reichstag - zou kunnen worden beschouwd als een schets voor Chiaureli's pompeuze film "The Fall of Berlin", twee jaar later gefilmd.

Maar over het algemeen vermeed en vreesde Dmitry Mochalsky directe uitspraken over zijn tijd. En daar waren redenen voor: in de jaren dertig werd hij vanwege zijn ‘niet-proletarische’ afkomst bijna uit het kunstinstituut gezet. Het lijkt erop dat de kunstenaar deze beperking zijn hele leven heeft gevoeld.

Mochalsky was een goed tekenaar en maakte geen portretten van leiders. Ja, dit mocht hij waarschijnlijk niet doen - niet Nalbandian. Schetsen van collega-kunstenaars, schetsen voor schilderijen - dat is al zijn grafische erfgoed, dat door zijn erfgenamen op de huidige tentoonstelling werd gepresenteerd. Als leerling van Kardovsky en Petrov-Vodkin, die, toen hij nog jong was, leefde in de tijd van Vkhutein-Vkhutemas, waar hij geometrische abstractie en vervolgens monumentale kunst beoefende, nam Mochalsky voorzichtig genoegen met kleine genre-, alledaagse schilderkunst.

Edele maagdelijke landarbeider

Als geheime bewonderaar van het impressionisme, dat verboden was, wilde hij ‘en plein air’ schilderen. De Sovjet-planeconomie kwam hem halverwege tegemoet: halverwege de jaren vijftig begon de zogenaamde ontwikkeling van braakliggende gronden in het noorden van Kazachstan, dat wil zeggen maagdelijke gronden. Mochalsky schilderde met zichtbaar plezier gebruinde maagdelijke gronden, bouwland bij zonsopgang en zonsondergang, kleurrijke patchwork-quilts en tapijten uit het eenvoudige dagelijkse leven, de gemakkelijke flirt van leden van veldploegen - dit alles is vrolijk, kleurrijk en zelfs een beetje waarheidsgetrouwer dan in de film “Ivan Brovkin over de Maagdelijke Landen.” Deze bijzondere ‘tseliniana’ maakte Mochalsky’s naam: in 1961 leidde hij de Moskouse afdeling van de Union of Artists of the USSR (MOSH).

Flexibele voorzitter

Maar toen speelde het lot een slechte grap met hem. In december volgend jaar het beroemde schandaal brak uit rond de tentoonstelling "30e verjaardag van de Moskouse Unie van Kunstenaars", toen Nikita Chroesjtsjov, die bij de Manege aankwam, zowel de oude formalistische meesters Falk, Shterenberg en anderen belasterde, als de jonge non-conformistische shoots onder leiding van Belyutin, Neizvestny , Jankilevski enzovoort. Hoe de erfgenamen en studenten van Mochalsky het nu ook rechtvaardigen, de voorzitter van de Moskouse Unie van Kunstenaars gaf toen toe aan de hysterische eerste secretaris van de CPSU en zijn gevolg. Hij, zoals ze zeggen, 'slaagde' voor de tentoonstelling. En hij sprak denigrerend over jonge kunstenaars: “Kerels met baarden, in modieuze broeken, schilderden abstracte dingen uit het leven...”. Al deze gebeurtenissen zijn voldoende gedetailleerd beschreven in het boek van kunstcriticus Yuri Gerchuk “Hemorrhage at the Moskou Union of Artists”. Deze pagina uit Mochalsky’s biografie werd echter snel doorgebladerd en de flexibele kunstenaar werd naar een buitenlandse opdracht in Parijs gestuurd.

Wat de creativiteit zelf betreft, de maagdelijke grond die in de jaren vijftig werd geploegd, bleef de kunstenaar de rest van zijn leven voeden, wat eindigde met zijn dood in een administratieve post - in het decanaat van het Surikov Instituut. Misschien had de huidige tentoonstelling daar geplaatst moeten worden.

Hoe kun je naar de officiële Sovjetkunst uit de naoorlogse periode kijken zonder er een afkeer van te hebben? Welke esthetische houding moet veranderd worden? En hoe moet je dit vandaag de dag doen, nu alles wat Sovjet-Unie is een eindeloze nachtmerrie lijkt? Op 18 oktober gaf kunstcriticus en curator Ekaterina Degot een lezing als onderdeel van het veldproject “If our tin can speak... Mikhail Lifshits and the Sovjet sixties.” T&P heeft de meest interessante dingen vastgelegd.

Ekaterina Degot

kunstcriticus, curator, art director van de Academie voor Wereldkunst (Akademie der Künste der Welt) in Keulen

Allereerst moeten we breken met het dualistische ‘Rusland-West’-systeem, dat lange tijd ongepast en onproductief is geweest. ‘Sovjet’ wordt tegenwoordig vaak gezien als iets dat wordt teruggegeven, aan ons wordt opgelegd en geassocieerd wordt met censuur, esthetische en politieke reactie. Daarom is het niet duidelijk hoe je zonder haat over Sovjetkunst kunt praten.

In moderne Russische situatie Ik ben bang voor het oprukkende obscurantisme en de reactie daarop. Deze reactie blijkt soms vijandiger te zijn dan het obscurantisme zelf, en doet het idee herleven dat alles te wijten is aan de autoritaire regering en de ongeschoolde massa’s van de bevolking die hun ideeën op zijn minst door middel van propaganda konden promoten. sociale media. Dit is een misvatting en het doet de ergste Sovjetrealiteit herleven.

Om de situatie in te begrijpen moderne cultuur Rusland, ik stel voor om te kijken naar de ervaring van de naoorlogse cultuur van de USSR, het Brezjnev-tijdperk, de tijd van het sociale contract tussen de intelligentsia en de autoriteiten. Tijdens deze periode bloeiden de neoliberale ideeën op die in de jaren negentig werden geïmplementeerd: de verzorgingsstaat, het nationalisme en de etniciteitstheorie, die overigens werd ontwikkeld in Sovjetonderzoeksinstituten.

Tegenwoordig is er behoefte aan permanente kritiek op de Sovjet-ervaring, die, naar mijn mening, nog steeds voortduurt. Het lijkt mij contraproductief om deze ervaring te zien als iets buiten ons. We moeten de “Sovjet” erkennen als een heterogene en verenigde entiteit, en wijzelf als onderdeel daarvan. Voor een constructief gesprek over de ‘Sovjet’-ervaring is het noodzakelijk om de tijden van Lenin, Stalin en post-Stalin te historiseren, rekening houdend met de interne periodisering. Naast de historische context is het ook noodzakelijk om een ​​geografische context te creëren: om de Sovjet-Unie te plaatsen wereldkaart, of beter gezegd aan de rand ervan. Rusland deelt zijn identiteit met landen als India, Japan of staten Latijns-Amerika. Deze contexten zijn vandaag de dag relevant en productief, en als een dergelijke vergelijking voor iemand vernederend lijkt, dan moeten ze nadenken over het verborgen racisme in zichzelf.

Ik heb veel curatoriële projecten over Sovjetkunst voorbereid en ben tot de conclusie gekomen dat informatie hierover vrijwel ontoegankelijk is voor onderzoekers. Als je begint te googlen, is er een obscuur Westerse kunstenaar dan vind je hoogstwaarschijnlijk meteen een link naar zijn Wikipedia-pagina, foto's van zijn werken en een artikel van een kunstcriticus - allemaal in het Engels. Bij het zoeken naar Russische kunst komen voortdurend verbroken links naar voren - vaak zelfs naar teksten die ik zelf heb geschreven. Het blijkt dat er inmiddels meer informatie op internet te vinden is over Latijns-Amerikaanse kunst dan over Russische kunst.

Discussies in het begin van de jaren dertig heiligden de formule van het socialistisch realisme. Het realisme verschilde van de vorige dominante trend, het futurisme; de toekomst is al gearriveerd in de vorm van realisme. Het woord ‘socialistisch’ moest deze richting scheiden van de bourgeoisie realisme XIX eeuw, die zichzelf verraadde en begon af te dalen naar het rijk van het modernisme, de belangrijkste tegenstander van het socialistisch realisme. Ik wil u eraan herinneren dat het modernisme sociale vervreemding, symbolische vlakheid en fragmentatie uitstraalt. In plaats daarvan negeerden communistische kunstenaars de vervreemding door experimenten met documentaire (fotomontage, film, factografie) en creëerden bevooroordeelde figuratieve schilderijen – een felle ontkenning van autonome kunst, die een destructief principe in zich draagt.

Wat is realisme? Aan de ene kant is dit wat van bovenaf werd opgelegd, aan de andere kant populistische kunst die van onderaf komt, kitsch, die wordt beschreven in het artikel ‘Avant-garde en kitsch’ van Clement Greenberg. Ik geloof dat socialistisch realisme ook geassocieerd wordt met de ervaring van zelfkolonisatie en toe-eigening van de klassieke kunst van het Westen. Dit gebeurt na de Tweede Wereldoorlog, wanneer klassenretoriek plaats maakt voor nieuwe culturele retoriek en nieuw nationalisme. Er ontstaat een idee van realisme, dat een dubbele kopie met zich meebrengt – de realiteit en tegelijkertijd imitatie van de grote kunstenaars uit het verleden – die als positief wordt bestempeld. Dit is een klassiek kluwen van problemen in een koloniale context.

Het verzet tegen de burgerlijke orde begint in culturele en nationale termen te worden geïnterpreteerd. De Sovjet-overwinning op het nazisme en de verzoening met de Russisch-Orthodoxe Kerk worden geïnterpreteerd als een overwinning op de westerse overheersing. Ik wil u eraan herinneren dat Hitlers beleid impliciet koloniaal was met betrekking tot het Oostblok. De culturele oorlog met het Westen werd in 1946 heviger en ging gepaard met arrestaties en sterfgevallen van culturele producenten binnen de USSR. Internationalisme en modernisme worden gestigmatiseerd als een ‘westers element’. Tegelijkertijd wordt ‘Westers’ toegeëigend door Sovjetkunstenaars. Dit werd mogelijk doordat veel schatten uit Europese collecties, bijvoorbeeld de Dresden Gallery, in de USSR terechtkwamen.

Vasili Jakovlev. "Portret van maarschalk Zhukov." 1945

In het schilderij van Vasily Yakovlev domineert Zhukov niet alleen het nazisme, maar ook de westerse cultuur, die in dit werk wordt getoond als 'beheerst en overtroffen'. Er wacht ons een dekoloniserende triomf Sovjet-kunstenaar, vergelijkbaar met de positie van modern Russische autoriteiten, - bevrijding van het Westen door de toe-eigening van zijn culturele codes. Ik wil u eraan herinneren dat de seculiere schilderkunst werd opgelegd Russische kunstenaars V begin XVIII eeuw door Peter de Grote. Rusland werd via Peter door het Westen gekoloniseerd. Als gevolg van een dergelijke kolonisatie is de taal Europese schilderkunst geïnterpreteerd als Russisch. Dit proces wordt ook weerspiegeld in het Russisch klassieke literatuur. Tegelijkertijd vindt de kolonisatie van de eigen marginale zones en de buitenwijken van het Sovjetrijk plaats. Houd er rekening mee dat de republieken van de USSR nationaal werden genoemd - in tegenstelling tot Rusland, dat supranationaal was en de plaats van Europa innam ten opzichte van deze republieken.

Om de context van de Sovjetcultuur te herstellen moet er rekening mee worden gehouden dat de realistische Sovjet-esthetiek sterk werd beïnvloed door Lenins tekst “Tolstoj als spiegel van de Russische Revolutie”. De schrijver werd gezien als de maker van afbeeldingen van het Russische leven en de taken van de schrijver werden aan de kunstenaar toevertrouwd. Schilderkunst en literatuur worden naast elkaar geplaatst. In de literatuur moeten we heldere en kleurrijke beelden van het leven zien, en op een schilderij moeten we niet alleen het moment zien dat de kunstenaar heeft afgebeeld, maar ook het verleden en de toekomst. IN beeldende kunst Dit probleem werd opgelost in het genre van een thematische foto.

Fedor Shurpin. "Ochtend van ons moederland." 1946–1948

Dit werk toonden wij naast abstracte schilderijen van Josef Anderson. De foto toont de dag die we ons moeten voorstellen. Wat er geschreven staat, komt op geen enkele manier overeen met de realiteit in de USSR. Zeer veel werken hedendaagse kunst zijn gebaseerd op wat we moeten doen als we het beeld naderen.

Dmitry Mochalsky. “Na de demonstratie. Ze hebben Stalin gezien." 1949

We moeten ons mentaal de Stalin voorstellen die ze tijdens de demonstratie zagen; wat de kunstenaar achter het schilderij heeft geplaatst. De Sovjet-esthetiek definieerde realisme als een weerspiegeling van de werkelijkheid in haar hoge artistieke selectiviteit, gericht op het mogelijke en waarschijnlijke. Al eind jaren 80 waren mensen bijvoorbeeld vreselijk verontwaardigd dat de film "Kuban Cossacks" niet waar was, de watermeloenen waren gemaakt van papier-maché, de acteurs stierven van de honger op de set. Wanneer het realisme buiten het werk wordt geprojecteerd, begint het werk zelf een andere rol te spelen; de kwaliteit van de kunst verandert, dus we kunnen de criteria van de Hoge Renaissance niet op deze schilderijen toepassen.

Er moet rekening mee worden gehouden dat ons idee van kunst grotendeels gericht is op het concept van ‘meesterwerk’, en dat dit verband houdt met de markt. Een Sovjetkunstwerk nodigt ons uit om naar een onvolmaakte werkelijkheid te kijken. Voor ons ligt een beeld waarin we moeten geloven, zoals het begin van ‘de ochtend van ons moederland’.

De Sovjet-kunstenaar droomde ervan dat hij ooit een vergelijking zou kunnen maken met Rembrandt, met degene met wiens werken hij op de kunstacademie was opgegroeid. Dit is waar de esthetische en ethische bescheidenheid van dergelijke kunst tot uiting komt. De kijker kan naar deze foto kijken zoals hij zou kunnen zijn – denk aan The Principle of Hope van Ernst Bloch. Als gevolg hiervan ontwikkelen we geen afkeer, maar sympathie voor het werk.

De theorie van het socialistisch realisme als cognitief instrument was gebaseerd op Lenins reflectietheorie: kennis komt overeen met de werkelijkheid, de werkelijkheid beïnvloedt het beeld. Volgens Slavoj Žižek is het idee van zo’n spiegelbeeld idealistisch omdat het kennis scheidt van de werkelijkheid zelf.

Merk op dat na de Tweede Wereldoorlog “Marxism and Questions of Linguistics” (een werk toegeschreven aan Stalin, 1950) de relatieve onafhankelijkheid van de bovenbouw van de basis verkondigde, en dit is geen marxistische formulering van de vraag. De partijgroet voor het Eerste All-Union Congres van Kunstenaars in 1957 klinkt als een oproep om een ​​gevoel van echt esthetisch plezier en vreugde te brengen, om iemand te veredelen. Een dergelijk standpunt is onmogelijk voorstelbaar in de klassenretoriek van de jaren twintig. Dit is een revisionistische beweging van de bolsjewistische revolutie naar het kapitalisme.

In de jaren zestig werd de ‘ernstige stijl’ ingevoerd. Creativiteit van kunstenaars" harde stijl"is gericht op zowel klassieke als moderne kunst. Bovendien is de term ‘klassieke kunst’ onvertaalbaar Engelse taal. Als we het over klassiekers hebben, bedoelen we vaak zowel de Renaissance als de Renaissance Griekse klassiekers, en in het Westen zijn klassiekers slechts de oudheid.

In de werken van kunstenaars van de “zware stijl” wordt ons getoond hoe het beeld ontstaat, we zien de waarheid van de details en technieken. Op dit moment wordt Hegels oordeel over de “waarheid van de dingen die zich manifesteren” de slogan van het socialistisch realisme. Dergelijke veranderingen vinden al plaats in een meer gesloten context; de kunstenaar is veel minder verbonden met de westerse wereld dan in de jaren twintig en dertig. Kunstenaars wenden zich tot de studie van figuratieve taal en gaan verder dan het raamwerk van de feitelijke realiteit en belanden in de zone van generalisatie. Om dit proces te begrijpen, is het noodzakelijk om rekening te houden met de sociale status van eigendom in de USSR.

Voor Korzjev was het belangrijk om voortdurend de ervaring van de universele klassieke kunst te kopiëren. We kijken naar het moment van het kopiëren, waarvoor de revolutie is gemaakt. Er moet rekening mee worden gehouden dat klassieke kunst in Rusland en in het Westen anders wordt en is bestempeld. Hoge cultuur is, in tegenstelling tot populaire cultuur, een cultuur voor de rijken. De Sovjet-man klassieke muziek voornamelijk verband houden met radio-uitzendingen, die openbaar beschikbaar zijn en worden opgelegd. Klassieke kunst in de USSR behoorde tot de zone van universaliteit en kwam in kopieën naar de kijker. Het belangrijkste systeem van het bestaan ​​van kunst in de USSR is replicatie, gebaseerd op de initiële handeling van het kopiëren van het leven, die iedereen reproduceert nieuw lid. Dit kopiëren is zowel een kopie van het Westen als een creatief gebaar om mee te doen Westerse cultuur. Uit de onmogelijkheid van daadwerkelijk contact met het Westen ontstaat een koloniale depressie; de ​​kijker kan deze klassieke cultuur niet bereiken en kan niet naar het buitenland reizen om de originelen te zien.

Oleg Filatchev. Zelfportret met moeder. 1974

In de jaren zeventig ontstond een ander soort toe-eigening van de westerse ervaring: bewust verzet tegen het westerse modernisme, creatieve bewerking van klassiekers en imitatie ervan. Deze methode van toe-eigening wordt door Mikhail Livshits beschreven op de pagina’s van de krant ‘Sovjetcultuur’, waarbij hij erop wijst dat er voor ons ‘denkende’ kunstenaars staan ​​die hun koloniale status in deze wereld begrijpen. Laten we bijvoorbeeld eens kijken naar het dubbele zelfportret van Oleg Filatchev. In hem zien we wanhoop, een onvermogen om te vergelijken met de schilderijen uit de Renaissance. Het schilderij ‘Geluk’ van Larisa Kirillova was een bijna direct citaat uit de wereld van de Nederlandse Renaissance. Daarin beginnen individuele objecten hun sculpturale en verkoopbare uiterlijk te demonstreren.

Laten we tot slot eens kijken naar het werk van Elena Romanova. Ik ervoer deze foto als kitsch, als een flirt met het beeld van de Russische schrijver. Dit werk was erg populair; ze appelleert aan de basisbewegingen van de ziel van de kijker. Maar het lijkt mij dat er veel klasse-invloed schuilt in onze mogelijke minachting voor kitsch. Het is alsof we zeggen dat het bewustzijn van mensen niet het recht heeft om hun eigen kunst te creëren. Deze argumentatie is koloniaal van aard; we mogen vanuit ons standpunt aan niemand iets authentieks voorschrijven. Op deze foto zien we het ongeluk van Shukshin en intern conflict, gebrek. De aanwezigheid van een fout in Sovjet-schilderijen deze periode wordt geassocieerd met een onjuiste reproductie van de natuur of het westerse model, en deze fout is zeer interessant voor onderzoek.

Elena Romanova. Portret van Shukshin met zijn gezin. 1967

De situatie in de naoorlogse Sovjetkunst die ik heb beschreven, is nu onmogelijk te reproduceren. Kunst is overal burgerlijk en kapitalistisch. Soms is er een triomf van de Sovjetkunst. Zo kon de popcultuur uit het Oostblok in het verleden bijvoorbeeld niet concurreren met de westerse popcultuur. Nu is de meest modieuze modeontwerper, de hoofdontwerper van het Balenciaga-huis, een Russische Georgiër. Als kind vluchtte hij van Georgië naar Duitsland. Tegenwoordig doet deze ontwerper wat Petliura eind jaren tachtig en begin jaren negentig creëerde: mensen dragen Europese kleding in onvoorstelbare combinaties. De Europese kijker leest deze acties meteen: als teken van het Oostblok wordt kleding een wapen op cultuurgebied.

Een van de meest beroemde werken Banksy's straatkunst 'Girl with a Balloon' vernietigt zichzelf onmiddellijk nadat het werd verkocht bij Sotheby's in Londen, meldt de Daily Mirror.

Aanvankelijk bedroegen de kosten van het schilderij ongeveer $ 250-400 duizend, maar veilingdeelnemers waardeerden het veel hoger: $ 1,4 miljoen. Zodra de hamer in de hal sloeg, ging een papierversnipperaar in het frame aan, waardoor het canvas passeerde . Uit de gepubliceerde video van de veiling blijkt dat het grootste deel van het schilderij voor een verbaasd publiek in kleine reepjes werd geknipt.

‘Banksy heeft ons gemaakt. Een dergelijke situatie hebben we in het verleden nog nooit meegemaakt”, aldus Sotheby’s-directeur Alex Branzik over het incident.

De kunstenaar zelf veroorzaakte op zijn Instagram nog meer verbijstering bij het publiek door een foto te plaatsen van een uitgesneden schilderij met het onderschrift: “Het komt eraan, het komt eraan, het is weg...”.

Vertegenwoordigers van Sotheby's hebben al telefonisch contact opgenomen met de koper die het schilderij heeft gekocht. Volgens het veilingpersoneel was hij ‘verrast’. Volgende stappen erin op dit moment worden besproken. Conform het veilingreglement heeft de koper het recht het kavel te weigeren indien het beschadigd is. Tegelijkertijd kan de mogelijkheid van een stijging van de kosten van het schilderij als gevolg van de promotie met een shredder niet worden uitgesloten.

"Girl with a Balloon" wordt beschouwd als het belangrijkste werk van Banksy. Het verscheen in 2002 op de brug over de Theems in het South Bank-gebied van Londen. Achter het schilderij staan ​​de woorden: ‘Hoop leeft altijd.’ Vier jaar later maakte de kunstenaar het enige exemplaar van het schilderij acrylverf op doek. Het werk werd in een grote vergulde lijst geplaatst, waarin, zo bleek, een versnipperaar was ingebouwd.

De auteur van het werk is straatartiest, wiens echte naam niet bekend is bij journalisten, politieagenten of de meerderheid van de samenleving die zijn werk volgt. Hij houdt zich al twintig jaar schuil onder het pseudoniem Banksy.

Hij begon zijn graffiti in de jaren negentig op straat achter te laten. De werken die hij maakt worden momenteel gewaardeerd op miljoenen dollars. Dankzij zijn werken neemt de waarde van het onroerend goed waarop ze zich bevinden aanzienlijk toe, en daarom wordt de schade aan deze schilderijen geclassificeerd als vandalisme. Het gebruik van stencils is de kenmerkende stijl van Banksy.

Zijn werken weerspiegelen veel sociaal-politieke kwesties, waaronder de onderdrukking van burgers in Palestina, de hypocrisie van politici, vluchtelingen en kapitalistische hebzucht in Londen. Hij heeft al ongeveer 130 street art-tekeningen gemaakt.

Zijn werk werd tot 2007 als hooliganisme beschouwd, toen werken van Banksy werden gekocht door Angelina Jolie, Brad Pitt, Kate Moss, Jude Law en andere beroemdheden.

Toen werd hij wereldwijd beroemde kunstenaar moderniteit. Dienovereenkomstig stegen de biedingen op zijn tekeningen bij Sotheby's ook: zes werken gingen onder de hamer voor £ 372.000.

De publieke belangstelling wordt echter niet alleen gewekt door het werk van Banksy, maar ook door zijn persoonlijkheid zelf, waarover vrijwel niets bekend is. Journalisten en fans bouwen verschillende versies van de naam die verborgen zit achter het creatieve pseudoniem. Eén theorie is dat zijn echte naam Robert of Robin Banks is.

Begin maart 2016 verscheen in sommige media het nieuws dat wetenschappers van de Queen Mary University of London de echte naam van Banksy hadden ontdekt. Ze geloven dat de kunstenaar Robin Cunningham is.

Volgens de meest voorkomende versie schildert de Britse muzikant van de band Massive Attack, zanger en graffitikunstenaar Robert Del Naya onder het pseudoniem Banksy. Tijdens een interview maakte DJ Goldie een foutje waarin hij deze theorie bevestigde. Hoe het ook zij, de identiteit van Banksy is nog niet officieel vastgesteld.

Trouwens, in 2005 maakte de kunstenaar nog een schilderij, waarop een meisje wordt afgebeeld, maar niet met één, maar met meerdere ballonnen. Toen was hij in Palestina, waar ondanks protesten meerdere meters hoog waren betonnen muur tussen Palestina en Israël.

Voor de kunstenaar werd dit bouwwerk een enorm canvas van 680 kilometer lang.

Om uitdrukking te geven aan zijn houding ten opzichte van wat er in dit gebied gebeurde, plaatste hij elke ochtend op zijn website een andere tekening van de muur met het onderschrift: ‘Vakantiefoto.’ Meestal beeldde hij in zijn schilderijen kinderen af, die naar zijn mening de belangrijkste slachtoffers waren van militaire conflicten.

“De Israëlische regering bouwt een muur rond de bezette Palestijnse gebieden. De hoogte is drie keer zo hoog als de Berlijnse Muur, en de lengte bedraagt ​​uiteindelijk 700 km – de afstand van Londen tot Zürich. De muur schendt het internationaal recht en verandert Palestina feitelijk in de grootste open gevangenis ter wereld”, schreef Banksy op zijn website.

Redacteursportfolio voor 2013

Ter voorbereiding op en tijdens het bezoek van de secretaris-generaal van het Centraal Comité van de CPSU, M.S. Gorbatsjov, aan de VS, aan Washington op 7 en 10 december 1987, hebben we de mogelijkheid van een terroristische daad tegen de Sovjetleider niet buiten beschouwing gelaten.

Badges van de beveiligingsdienst

Uitgave 1, 2006

Veiligheidsfunctionarissen van de overheid, die door talloze buitenlandse delegaties bezoeken aan gevoelige faciliteiten organiseerden, stonden altijd voor een dilemma: óf een absolute en grondige controle organiseren, óf überhaupt welke inspectie dan ook weigeren. In het eerste geval werden niet alleen de documenten van elk lid van de delegatie gecontroleerd, maar was het ook nodig om metaaldetectoren of handmatige metaaldetectoren te gebruiken om wapens of verboden voorwerpen te identificeren, waardoor alle protocolschema's werden verstoord en enorme wachtrijen bij de ingangen ontstonden.

De waarheid over het spandoek

Uitgave 2, 2006

In augustus 2005 zou Ilya Yakovlevich Syanov 100 jaar oud zijn geworden. De fragmenten uit zijn memoires die we hebben gedrukt zijn een eerbetoon aan onze liefde en diepste respect voor de gezegende herinnering aan deze geweldig persoon, Held Sovjet-Unie, deelnemer historische strijd voor Berlijn. Dit alles werd vastgelegd volgens de verhalen van de ervaren held, bewaard in de manuscripten van zijn onvoltooide boek over de bestorming van de Reichstag en de ware waarheid over de Banner of Victory.

Hoe veiligheidsagenten de Amerikaanse president redden

Redacteursportfolio voor 2016

Tijdens een van de bezoeken De Amerikaanse president Ronald Reagan Wij zijn erin geslaagd een aanslag op zijn leven te voorkomen. Het zou worden uitgevoerd door een journalist die voor deze gebeurtenis was geaccrediteerd in de persgroep van het Witte Huis, in een ver verleden lid van de terroristische organisatie “Red Brigades”.

EPRON OGPU onder de Raad van Volkscommissarissen van de USSR. Kroniek

Redacteursportfolio voor 2012

Op 2 november 1923 vaardigde de OGPU order nr. 463 uit over de oprichting van de Special Purpose Underwater Expedition (EPRON) met de aankondiging van de eerste staf. Op 17 december 1923 werd OGPU-bevel nr. 528 uitgevaardigd, waarin opnieuw de oprichting van een speciale onderwaterexpeditie werd aangekondigd. Het is niet erg duidelijk, maar EPRON vierde zijn verjaardag altijd op 20 december - Chekist Day.

Toen in 1941... Naar de 70e verjaardag van de Grote Overwinning

Redacteursportfolio voor 2015

Aan de vooravond van de viering van de 70e verjaardag van de overwinning van de USSR in de Grote Patriottische oorlog 1941-1945 over Nazi-Duitsland keerden de gedachten vaak terug naar de vooroorlogse gebeurtenissen en de gebeurtenissen uit de beginperiode van de oorlog. De afgelopen jaren zijn nieuwe documenten over de oorlog toegevoegd aan de memoires van militaire leiders en maarschalken van de Sovjet-Unie, deelnemers aan de oorlog, en zijn sommige archieven vrijgegeven, waardoor professionele historici konden meedoen om het verloop en de resultaten van de oorlog te begrijpen. oorlog.

NAAR het schilderij "Day Off" van Dmitry Mochalsky (1908–1988), voortreffelijk geconstrueerd, plastisch overtuigend, waarin eenheid wordt bereikt in de combinatie van details en het geheel, is een van de beste werken die op de tentoonstelling in de State Tretyakov Gallery worden gepresenteerd "Dmitry Mochalsky - een romanticus van het socialistisch realisme", opgedragen aan de 100e verjaardag van de geboorte van de kunstenaar. De rest van twee jonge mensen wordt op een vrije picturale manier afgebeeld, elk detail, elke streek is zorgvuldig doordacht. En de resultaten waren ruime en expressieve beelden.

Vrije dag. 1967

Meester van de Sovjet alledaags genre, een verhalenverteller in de tradities van P. Fedotov, V. Makovsky, Mochalsky doorliep een uitstekende professionele school: hij studeerde aan de Moskouse Academie kunstacademie ter nagedachtenis aan 1905 nam hij lessen van D.N. Kardovsky. Aan de Academie voor Beeldende Kunsten waren zijn leraren N.E. Radlov, V.N. Meshkov, N.I.

Tsjernysjev, A.I. Savinov. Hij leerde de basisprincipes van grafische kunst van A.D. Goncharov, verbeterde compositie van V.A. Favorsky en bestudeerde de basisprincipes van ruimtelijke relaties van K.S. "In mijn leven had ik geluk met leraren die creatieve impulsen in mij wakker maakten en mij liefde voor kunst bijbrachten", schreef Mochalsky in zijn autobiografie. De figuratieve monumentale tekeningen van hoofden die op de tentoonstelling worden getoond, herinneren aan de ‘lessen’ van Kardovsky en Petrov-Vodkin. 1947

Overwinning. Berlijn, 1945. Het artikel werd gepubliceerd met steun van de Hadley online winkel. Heren tassen - voor laptops, tablettassen, aktetassen, reistassen , stadsrugzakken, documententassen, clutches, maar ook accessoires en damestassen . Kwaliteitsborging, betaalbare prijzen

, kortingen, levering in heel Rusland, in Moskou per koerier of afhaalservice. U kunt de productcatalogus bekijken en een bestelling plaatsen op de website, die zich bevindt op: http://hadleybags.ru. Tijdens de oorlog reisde Mochalsky naar gevechtsgebieden. Samen met Sovjet-troepen trok hij het verwoeste Berlijn binnen (houtskooltekeningen uit de serie “ Sovjet-troepen in Berlijn, 1945)". Tussen de zakenreizen door gaf Mochalsky les aan het Surikov Instituut. In de jaren veertig schilderde hij "

Zoja Kosmodemjanskaja 1949

", "Overwinning. Berlijn, 9 mei”, “Mijnwerker. Don Front”, “Terugkeer van de demonstratie”, waarin hij monumentale grafische taal gebruikte. Dit zijn levendige bewijzen van deze tijd. Na de demonstratie., maakt hij het plastisch overtuigend dankzij een scherp gevoel voor kleur, briljante plaatsing van figuren in de ruimte, het vermogen om een ​​soort spirituele stemvork te vinden voor de communicatie tussen zijn personages, goed opbouwende mise-en-scènes, waarbij iedereen zijn eigen eigen rol. De composities boeien door de natuurlijkheid en het gemak waarmee de personages zich gedragen.

Drie-eenheid. 1975	Vriendinnen. 1957

Mochalsky sprak over de rol van compositie in zijn werk: “Een woord over compositie - als ik erover zou kunnen schrijven, zoals ik denk, zou het er een lied over zijn, de schoonheid ervan. Hoe te bereiken artistieke beelden, innerlijke schoonheid? Een vak leren zien, beleven en beheersen? Aandacht, observatie, verbeelding en generalisatie." Hij bleef zijn hele leven trouw aan deze verbonden. En hij stierf op zijn post als een soldaat: in het decanaatkantoor van het Surikov Instituut.

Lange uitleg. 1954

In de jaren vijftig werd de schilderstijl van de kunstenaar vrijer; hij liet de overmatige uitwerking van details uit de voorgaande periode varen. In Kazachstan, tijdens zomerreizen naar ongerepte gebieden in de jaren vijftig en zestig. Met enthousiasme en groot inzicht schetst hij het leven in maagdelijke landen, hun leven is moeilijk, hard, maar vol romantiek (“Tractor Drivers’ Tent”, 1957, “Boyfriends”, 1956). Niet veel mensen hebben zo'n expressief en zo kunnen vinden eenvoudige remedies poëzie overbrengen alledaags werk, creëer zulke natuurlijke en ontspannen composities. Schetsen, schetsen, schetsen voor schilderijen, portretten geven een idee van hoe het idee van een bepaald schilderij is ontstaan, van het arbeidsintensieve voorbereidende werkzaamheden. Daarin kun je zien hoe de auteur de houdingen en bewegingen van de personages eindeloos varieerde. Bijzonder goed zijn de lyrische doeken - "Girlfriends" (1957), "Newlyweds from Virgin Lands" (1959).

Mochalsky, de eerste niet-partijkunstenaar die leiding gaf aan de Moskouse Unie van Kunstenaars, was een van de organisatoren van de herdenkingstentoonstelling ter gelegenheid van de 30e verjaardag van de Moskouse Unie van Kunstenaars in Manege. Op een rustige manier probeerde hij Chroesjtsjov en de partijleiders de verdiensten uit te leggen van schilderijen van verschillende meesters, voornamelijk R. Falk, maar hij kon de begonnen politieke vervolging van kunstenaars niet voorkomen.

In de jaren zestig en zeventig verbeterde Mochalsky zijn vaardigheden door de beroemde werken 'Four Generations' (1968), 'Self-Assembled Tablecloth' (1970) te creëren... En zijn tekeningen zijn een portretgalerij van kunstenaars Viktor Popkov, Alexei Tkachev, Tair Salakhov, Georgy Nyssa - laat zien wat een geweldige tekenaar hij was.

Mochalsky werkte 51 jaar aan het Surikov Instituut, zijn studenten waren de broers A.P. en S.P. Tkachevs, B.N Nemensky, P.P. Ossovsky, N.A. Andronov, V.F. Tozharov, O.V. Boelgakova... Boelgakova schreef over de leraar: “Mochalski is een heel tijdperk in het leven van zijn studenten. Ieder mens, ieder verhaal, iedere foto werd door hem acuut ervaren als een plastische gebeurtenis. Hij was ervan overtuigd dat een mens een kunstenaar wordt wanneer hij voor het eerst de dringende noodzaak beseft om de visuele indruk te creëren die hem trof – met alles en op alles wat voorhanden is, en dit wordt later natuurlijk.”

De tentoonstelling presenteert een honderdtal schilderijen en grafische werken van Mochalsky uit de collecties van de State Tretyakov Gallery, de International Confederation of Unions of Artists en de familie van deze klassieker van het socialistisch realisme.