Om presentatievoorbeelden te gebruiken, maakt u een account voor uzelf aan ( rekening) Google en log in: https://accounts.google.com

Onderschriften van dia's:

ROCOCO-SCHILDERIJ “MEESTERS VAN HET GALLANTE GENRE” Antoine Watteau Boucher Francois Leraar geschiedenis, sociale studies, MHC MBOU “Secondary School No. 48”, Vladivostok Svetlana Nikolaevna Shabalina

Rococostijl Jean Antoine Watteau (1684 – 1721) Boucher Francois (1703–1770) Plan

De term "rococo", afgeleid van het Franse "rocaille" (letterlijk: diamant- en schelpversiering), verscheen aan het einde van de 18e eeuw. Rococo wordt gekenmerkt door een vertrek uit het leven naar de wereld van fantasie, theatraal spel, mythologische plots en erotische situaties. rococo

Het voortreffelijke leven van de aristocratie ‘Dappere festiviteiten’ Afbeeldingen van ‘herdersleven tegen de achtergrond van de ongerepte natuur Het menselijk leven is tijdelijk vluchtig, en daarom moeten we het ‘gelukkige moment’ grijpen. De hoofdthema’s van de Rococo-schilderkunst

Jean Antoine Watteau (1684 – 1721) De schilderijen van Watteau worden sterk gekenmerkt door theatrale en maskerade-elementen. Het waren juist de dappere scènes die hem bekendheid brachten. “Gallant kan een elegante, nutteloze campagne worden genoemd van mensen die samen vrije tijd doorbrengen, waarvan flirten en liefdesaffaires natuurlijk de opname van commedia dell'arte-personages zijn de compositie van dergelijke scènes moet als een briljante uitvinding worden beschouwd. Pierrot, Columbine en Harlequin hielpen de kunstenaar de grens tussen theater en de buitenwereld, tussen fictie en realiteit, tussen intentie en actie, uit te wissen.

Gamma of Love (ca. 1715), National Gallery, Londen

Vreugden van het leven

Dappere harlekijn en akelei 1716-1718. Wallace-collectie, Londen.

Franse komedie (1716)

Venetiaans festival (ca.1718)

Francois Boucher (1703–1770) Francois Boucher, die naast schilderkunst ook in allerlei soorten decoratieve en toegepaste kunst: hij maakte karton voor wandtapijten, tekeningen voor Sevres-porselein, schilderde waaiers, voerde miniaturen en decoratieve schilderijen uit, schilderde later lampenkappen, panelen, schilderijen met mythologische, pastorale, genretaferelen, elegante en flirterige portretten, idyllische landschappen, ontworpen in zachte zilvergroene tinten

Landschap in de omgeving van Beauvais 1740-1745. Hermitage, Sint-Petersburg.

Portret van de markiezin de Pompadour 1756. Alte Pinakothek, München

Molen in Charaton, 1750. Kunstmuseum, Orléans.

Een kunstenaar in zijn atelier, jaren 1730. Louvre-museum, Parijs.

Hoedenmaker 1746. Nationaal Museum, Stockholm.

De verkrachting van Europa 1732-1734. Wallace-collectie, Londen.

Portret van de vrouw van de kunstenaar Marie-Jeanne Buzot 1743. Frick Collection, New York.

Ontbijt 1739. Louvre Museum, Parijs.

De belangrijkste thema's van de Rococo-schilderkunst zijn het verfijnde leven van de hofaristocratie, 'dappere festiviteiten', idyllische afbeeldingen van het 'herdersleven' tegen de achtergrond van de ongerepte natuur, de wereld van complexe liefdesaffaires en ingenieuze allegorieën. Het menselijk leven is ogenblikkelijk en vluchtig, en daarom moeten we het ‘gelukkige moment’ grijpen, ons haasten om te leven en te voelen. “De geest van charmante en luchtige kleine dingen” (M. Kuzmin) wordt het leidmotief van het werk van veel kunstenaars van de “koninklijke stijl”.

Voor de meeste Rococo-schilders overschaduwen Venus, Diana, nimfen en cupido's alle andere goden. Allerlei ‘baden’, ‘ochtendtoiletten’ en instantplezier zijn nu bijna het hoofdonderwerp van het beeld. Inbegrepen in de mode exotische namen kleuren: “de kleur van de dij van een bange nimf” (vlees), “de kleur van een roos die in melk drijft” (lichtroze), “de kleur van verloren tijd” (blauw). Goed doordacht, harmonieuze composities Het classicisme maakt plaats voor een elegant en verfijnd ontwerp.

Antoine Watteau (1684-1721) werd door zijn tijdgenoten ‘de dichter van zorgeloze vrije tijd’ en ‘dappere festiviteiten’, ‘de zanger van gratie en schoonheid’ genoemd. In zijn werken beeldde hij picknicks voor altijd af groene parken, muzikaal en theaterconcerten in de schoot van de natuur, hartstochtelijke bekentenissen en ruzies van geliefden, idyllische dates, bals en maskerades. Tegelijkertijd bevatten zijn schilderijen een pijnlijk verdriet, een gevoel van de vergankelijkheid van schoonheid en de vergankelijkheid van wat er gebeurt.

Een van de beroemde schilderijen van de kunstenaar is 'Bedevaart naar het eiland Cythera'. Mooie dames en dappere heren verzamelden zich aan de met bloemen bezaaide oever van de zeebaai. Ze zeilden naar het eiland Cythera - het eiland van de godin van liefde en schoonheid Venus, waar ze volgens de legende

Antoine Watteau. Bedevaart naar het eiland Kythira. 1717 Louvre, Parijs

kwam tevoorschijn uit het schuim van de zee. Het liefdesfeest begint bij een standbeeld dat Venus en Cupido's voorstelt, van wie er één naar beneden reikt om een ​​lauwerkrans op de mooiste godinnen te plaatsen. Aan de voet van het beeld liggen gestapelde wapens, harnassen, een lier en boeken - symbolen van oorlog, kunst en wetenschappen. Nou, liefde kan echt alles overwinnen!

De actie ontvouwt zich als een film en vertelt achtereenvolgens over de wandeling van elk van de verliefde stelletjes. In de relaties tussen de personages regeert de taal van hints: plotselinge blikken, een uitnodigend gebaar van een waaier in de handen van het meisje, een toespraak die midden in een zin wordt afgebroken... De harmonie van mens en natuur is in alles voelbaar.

Maar het is al avond, de gouden zonsondergang kleurt de lucht. De vakantie van de liefde vervaagt en vult het zorgeloze plezier van verliefde stelletjes met verdriet. Binnenkort keren ze terug naar hun schip, dat hen van de onwerkelijke wereld naar de wereld van de alledaagse werkelijkheid zal brengen. Een prachtig zeilschip – het schip van de liefde – is vaarklaar. Warme, zachte verven, gedempte kleuren, lichte penseelstreken die het canvas nauwelijks raken - dit alles creëert een bijzondere sfeer van charme en liefde.

En nogmaals, ik hou van de aarde omdat

Waarom zijn de stralen van de zonsondergang zo plechtig,

Wat met een lichte borstel Antoine Watteau

Heeft mijn hart een keer geraakt.

G. Ivanov

Een van de echte meesterwerken is Watteau’s schilderij “Gilles” (“Pierrot”), gemaakt als uithangbord voor de optredens van reizende cabaretiers.

Gilles is het hoofd- en favoriete personage van de Franse maskerkomedie, vergelijkbaar met Pierrot, de held van de Italiaanse commedia dell'arte. Het onhandige, naïeve wezen lijkt speciaal gemaakt voor de voortdurende spot en trucs van de slimme en sluwe Harlekijn. Gilles wordt afgebeeld in een traditioneel wit pak met cape en ronde hoed. Hij staat roerloos en verdwaald voor de kijker, terwijl andere cabaretiers neerstrijken om uit te rusten. Het lijkt alsof hij op zoek is naar zichzelf iemand die naar hem kan luisteren en hem begrijpt. Er is iets ontroerends en kwetsbaars in de absurde pose van de cabaretier, met zijn armen slap hangend en zijn blik strak gericht. Verborgen in het vermoeide en verdrietige uiterlijk van de clown schuilt de gedachte aan de eenzaamheid van een man die gedwongen wordt een verveeld publiek te amuseren en te vermaken. De emotionele openheid van de held maakt hem tot een van de meest diepgaande en opvallende beelden in de geschiedenis van de wereldschilderkunst.

Francois Boucher (1703-1770) beschouwde zichzelf als een trouwe leerling van Watteau. Sommigen noemden hem “de kunstenaar van de genaden”, “Anacreon van de schilderkunst”, “koninklijke schilder”. Anderen zagen hem als een ‘hypocriete’ kunstenaar, ‘die alles heeft behalve de waarheid.’ Weer anderen merkten sceptisch op: “Zijn hand plukt rozen waar anderen alleen doornen vinden.”

De kunstenaar schilderde een aantal ceremoniële portretten van de favoriet van koning Lodewijk XV, de markiezin de Pompadour. Het is bekend dat ze Boucher betuttelde en hem meer dan eens schilderijen met religieuze onderwerpen bestelde voor buitenverblijven en Parijse herenhuizen. In het schilderij 'Madame de Pompadour' wordt de heldin gepresenteerd omringd door verspreide bloemen en luxueuze voorwerpen, die doen denken aan haar artistieke smaak en hobby's. Ze leunt vorstelijk achterover tegen de achtergrond van weelderige, plechtige gordijnen. Het boek in haar hand is een duidelijk teken van verlichting en toewijding aan intellectuele bezigheden.

François Boucher. Mevrouw de Pompadour. 1756 Alte Pinakothek, München

De markiezin de Pompadour bedankte de kunstenaar genereus en benoemde hem eerst tot directeur van de Gobelin-fabriek en vervolgens tot president van de Academie voor Beeldende Kunsten, waardoor hij de titel kreeg van ‘de eerste schilder van de koning’.

Francois Boucher legde zich meer dan eens toe op het weergeven van frivole taferelen, waarvan de hoofdpersonen schattige, verlegen herderinnen of mollige naakte schoonheden in de vorm van mythologische Venussen en Diana's waren. Zijn schilderijen zitten vol dubbelzinnige hints en pikante details (de opstaande zoom van een satijnen rok van een herderin, het koket opgeheven been van een badende Diana, een vinger tegen haar lippen gedrukt, een welsprekende, uitnodigende blik, schapen die ineengedoken aan de voeten van geliefden, symbolisch duiven kussen, enz.). Welnu, de kunstenaar kende de mode en de smaak van zijn tijd heel goed!

In de geschiedenis van de wereldschilderkunst blijft Francois Boucher nog steeds een magnifieke meester van kleur en voortreffelijk design. Ingenieus ontworpen composities, ongebruikelijke hoeken van de personages, bijna bizarre silhouetten theatrale landschappen, rijke kleuraccenten, heldere reflecties van transparante verf aangebracht met kleine, lichte streken, vloeiende, vloeiende ritmes - dit alles maakt F. Boucher tot een onovertroffen schildermeester. Zijn schilderijen worden decoratieve panelen, versieren de weelderige interieurs van hallen en woonkamers, ze roepen de wereld van geluk, liefde en mooie dromen op.

Vragen en taken

1. Waarom wordt het werk van N. Poussin het hoogtepunt van het classicisme in de schilderkunst genoemd? Wat en hoe bracht hij zijn schoonheidsideaal tot uitdrukking? Bent u het eens met de verklaring van de kunstenaar dat al zijn werken thematisch kunnen worden onderverdeeld in ‘bacchanalen’ en ‘sublieme heldendaden’? Welke schilderijen van N. Poussin interesseerden je het meest? Waarom?

2. Is het mogelijk om het eens te zijn met de mening van tijdgenoten dat in de sculpturale werken van A. Canova “het leven zelf pulseert”? Leg je antwoord uit. Waarom denk je dat A. Canova en B. Thorvaldsen zich vaker wendden? mythologische verhalen en afbeeldingen? Wat zijn karakteristieke kenmerken creatieve stijl van A. Houdon?

3. Vertel ons over A. Watteau en F. Boucher - de grootste meesters van het 'dappere genre' in de rococoschilderkunst. Wat zijn de belangrijkste drijfveren van hun creativiteit?

Creatieve werkplaats

Vergelijk Poussins schilderij ‘Parnassus’ met het gelijknamige fresco van Raphael. Wat zijn de overeenkomsten en verschillen tussen de creatieve stijlen van deze kunstenaars?

Bereid een diavoorstelling voor voor een lezing over het onderwerp 'Sculpturale meesterwerken van het classicisme'. Begeleid het materiaal dat u hebt geselecteerd met korte annotaties.

Bereid een artikel voor voor een geïllustreerd kunsttijdschrift over de grootste meesters van het ‘gallant genre’ (A. Watteau, F. Boucher en O. Fragonard). Probeer daarin te reflecteren onderscheidende kenmerken artistieke stijl van elk van deze meesters.

Schrijf een kort essay over het onderwerp 'Waar zouden de helden van de schilderijen van Antoine Watteau over kunnen dromen en praten? "

GALLANT GENRE

GALLANT GENRE dappere vieringen (fr. fetes galantes) - een type alledaags genre, die oude wortels heeft. G.'s voorgangers. zijn ontstaan ​​in Europa in de 14e - 16e eeuw. afbeeldingen van de “Garden of Love”, scènes van miniaturen, wandtapijten, gravures, muur- en ezelschilderijen: dames en heren lopen, spelen muziek, wisselen beleefdheden uit in een bloeiende tuin: miniatuur in het “Luxe Getijdenboek van de Hertog van Berry ” door de gebroeders Limburg (ca. 1411 - 1416, Museum Conde, Chantilly), "De maand april", fresco van Francesco del Cossa (1469 - 1470, kasteel Schifanoia in Ferrara), schilderij van Giorgione "Landelijk concert" (ca. 1506 - 1510, Louvre). Het schilderij 'De tuin van de liefde' van Peter Paul Rubens (ca. 1632 - 1635, Prado) anticipeert op de belangrijkste kenmerken van de architectuur. Maar de werkelijke stijl van G.. gevormd in het begin. 18e eeuw in de werken van Antoine Watteau en zijn school in Frankrijk, vanwaar het zich naar vele Europese landen verspreidde ("Bedevaart naar Cythera", 1717, Louvre, en liefdesscènes in Watteau's parklandschappen). Gestileerde, soms groteske herinneringen aan G. Zh. kenmerkend voor schilderkunst en grafiek van de "World of Art" (K. A. Somov, D. I. Mitrokhin).

4. Schilderij uit het dappere tijdperk

De ‘gallante’ schilderkunst bestond in Frankrijk parallel met de Romeins-Hellenistische beweging en de vroege romantiek, oorspronkelijk uit de Schotse school, en domineerde tot aan de Grote Franse Revolutie.

Het artistieke leven begon toen vorm te krijgen op het gebied van de schilderkunst in de vormen waarin het vandaag de dag nog steeds voorkomt. Academies, tentoonstellingen, kunst kritiek begon te voorzien grote invloed voor gratis artistieke ontwikkeling. Samen met de Koninklijke Academie, die de beste krachten aantrok, werd de Academie van St. Luke's in Parijs, getransformeerd van het oude schildersgilde, kon slechts zelden bogen op een briljante naam; en samen met de Academie van Parijs konden provinciale hogere kunstscholen, waarvan de academies van Toulouse, Montpellier en Lyon de eerste plaats innamen,, zoals algemene regel, bevredigen alleen lokale artistieke behoeften. Alleen degenen die ‘gedetacheerd’ waren bij de Koninklijke Academie in Parijs hadden het recht om te exposeren in de ‘Salon’ van het Louvre; een paar jaar later ontvingen ze op vertoon van een ‘foto voor het recht op toelating’ de titel van gewone academicus. Deze academie verdient echter niet het verwijt van eenzijdigheid. Onder haar medeleden accepteerde ze Claude Gillot, de leraar van Watteau, als een “schilder van modieuze onderwerpen”, Watteau zelf als een “schilder van festiviteiten”, Greuze als een “genreschilder”; andere kunstenaars worden in de lijsten aangeduid als landschapsschilders, schilders van dieren, bloemen, enz. Naast academische tentoonstellingen in de “vierkante salon” en in de “grote galerij” van het Louvre, die vanaf 1737 regelmatig werden herhaald en hun hoogste niveau bereikten grens in 1789, ook en de Academie van St. Luki en de Jeugdbond organiseerden hun eigen tentoonstellingen.

Van alle schilders die de ‘dappere kanunniken’ volgden, worden traditioneel verschillende van de belangrijkste figuren onderscheiden.

5. Jean-Marc Nattier (1685-1766)

Nattier is een van de oudste ‘dappere’ schilders en in zijn werk kwam de beschreven richting in mindere mate tot uiting.

Geboren in een kunstenaarsfamilie: zijn vader Mark was portretschilder, zijn moeder Marie Courtua schilderde miniaturen en zijn broer Jean-Baptiste maakte schilderijen op basis van historische thema's.

Jean-Marc Nattier kreeg zijn eerste schilderlessen van zijn vader en volgde daarna tekencursussen aan de Koninklijke Academie. Op vijftienjarige leeftijd (!) ontving Nattier de eerste kunstprijs van de Parijse Academie.

In 1717 ging Nattier op reis naar Nederland, ontmoette Peter I in Amsterdam en schilderde portretten van de koning en Russische keizerin Catharina. Peter nodigde Nattier uit om Frankrijk te verlaten en met hem mee te gaan naar Rusland, maar onder verwijzing naar zijn liefde voor zijn vaderland sloeg de kunstenaar zijn aanbod af. Jean-Marc Nattier bracht bijna zijn hele leven door in Parijs.

Jean-Marc Nattier is de maker van een nieuwe schilderstijl: historisch portret (Franse portretgeschiedenis), waarin voornamelijk beroemde figuren uit het Franse verleden worden afgebeeld.

"Prins A.B Kurakin", "Tsaar Peter I", "Catherine I" werden voltooid voor St. Petersburg. In hen, evenals in de beroemde 'Madame de Pompadour naar het beeld van Diana de Jaagster', zijn kenmerken als idealisering van het uiterlijk van de geportretteerden, portretten in beeld oude held of god (kostuumportret), zachtheid van kleur. De psychologische kenmerken van de personages, direct of symbolisch uitgedrukt, verdwijnen. "Gezicht van het tijdperk" - een persoon met een vredige gezichtsuitdrukking die hem niet weerspiegelt innerlijke wereld(wat de kunstenaar echter niet is gelukt of niet wilde bereiken in ‘Princess E.D. Golitsyna’, waarin het duidelijke narcisme van het meisje tot uitdrukking komt); in dit aspect zie je de negatieve kant van de nieuwe stijl: de luchtige “Rocaille” heeft geen behoefte aan diepe gedachten.

6. Jean-Antoine Watteau (1684-1721)

Watteau is een van de beroemde artiesten in de wereldgeschiedenis van de kunst en is de grootste meester van het ‘gallant genre’. De verscheidenheid aan stemmingen en karakters die door zijn schilderijen worden overgebracht (en dit gaat niet ten koste van de zeer gemakkelijke ‘dapperheid’ die door zijn tijdgenoten werd gewaardeerd!) wordt vaak gecontrasteerd met andere, ‘gedachteloze’ werken van Rococo (vooral het werk van F. Boucher, volgens filosofen van de Verlichting, “ver van het leven”).

Watteau kwam in 1702 vanuit Noord-Frankrijk, vanuit Valenciennes, naar Parijs, waar hij ooit werd geboren in de familie van een dakdekker. Van 1703 tot 1708 werkte Watteau in het atelier van Claude Gillot, waar hij plots van de Italiaanse komedie kopieerde en afbeeldde. Hiervan belangrijke fase creatieve vorming Er is slechts één schilderkunstig bewijsstuk van de kunstenaar bewaard gebleven: het Moskouse schilderij 'Satire on Doctors'.

IN komende jaren Watteau probeerde zichzelf binnen verschillende genres, staat de controversiële chronologie van de weinige overgebleven werken uit deze periode ons niet toe definitieve conclusies te trekken over de evolutie van zijn interesses, maar zijn manier van doen wordt vrijer, zijn penseelstreek wordt frisser en lichter.

Vanaf 1710, na een korte trip naar Valenciennes, woonde Watteau opnieuw in Parijs, in de sfeer van schilderkunst, muziek en theater waar hij zo van hield. Onder zijn goede vrienden bevinden zich de schrijver en redacteur van de Franse Mercury Antoine de la Roque, handelaren in schilderijen, lijsten en glas Gersen en Sirois, acteurs van de Italiaanse komedie, dichters en muzikanten.

Watteau, gevormd buiten het strikt gereguleerde academische systeem, dacht rustig na over en selecteerde onderwerpen die hem fascineerden, zonder zich zorgen te maken over de hiërarchie van genres, en gaf zich vrijelijk over aan de wil van gevoelens en verbeelding. Hij hield er niet van om op bestelling te werken en gaf de voorkeur aan vrijheid van ontwerp en spel van verbeelding. Hij schilderde landschappen, maskerades in de geest van Gillot, portretten van Italiaanse acteurs, vakanties in parken, waarbij hij meer gaf om de stemming, de emotionele en picturale rijkdom van de scène dan om nauwgezette portretgelijkenis of plechtige grandeur. De invloed van de ‘dappere kunst’ werd op hem iets later uitgeoefend dan op Nattier, en daarom wordt hij in dit werk later aangehaald dan laatstgenoemde.

Dun maar helder psychologische kenmerken is te zien in zijn portretten, zoals 'Portret van meneer Pater'. Daarin zien we dus een extreem geconcentreerde Engelsman, die niet eens naar de kijker kijkt - een redelijk primaire vertegenwoordiger van zijn natie. De vrouw afgebeeld rechtsonder op de foto sculpturaal portret geeft blijkbaar het beroep van de man aan: hij is beeldhouwer.

Hetzelfde zien we, maar dan op de schaal van universele stemmingen die veel mensen tegelijk omarmen, in de beroemde ‘dappere festivals’: ‘Bedevaart naar het eiland Cythera’ en ‘Festival van de Liefde’.

Het moet gezegd worden dat Watteau alle Franse klassen heeft afgebeeld, en niet minder overtuigend dan de portretten van de adel zijn 'De Savoie met een marmot' en 'Gilles' (een rondzwervende muzikant), en talloze reizigers, arbeiders, boeren - karakters in reisschetsen - die mensen, waar Watteau vandaan kwam.

Watteau gaf de voorkeur aan schildersezelschilderen, maar hij was ook een meester decoratieve kunsten Zelf maakte hij sierpanelen voor de interieurs van herenhuizen, schilderde hij koetsdeuren, klavecimbels en ventilatoren, wat het architectonische decor in de rococo beïnvloedde.

EN decoratieve werken, en grote doeken onderscheiden zich door kenmerken die typisch zijn voor Watteau: verbazingwekkende schilderkunst, eerbiedig en teder, het fijnste scala aan vluchtige stemmingen, het gebruik van tekentechnieken in de schilderkunst (zie de uitwerking van boomkronen in “The Capricious One”), virtuoos compositorisch vaardigheid.

7. Francois Boucher (1703-1770)

"Zijn losbandigheid zou dandy's, frivole vrouwen, jongeren, mensen uit de samenleving moeten boeien, dat wil zeggen iedereen voor wie echte smaak, waarheidsgetrouwheid"

Francois Boucher werd geboren in Parijs in de familie van de kunstenaar Nicolas Boucher, die hem naar zijn vriend Francois Lemoine stuurde om te studeren.

Op zeventienjarige leeftijd ging Boucher het atelier van graveur Jean-François Cars binnen, waardoor hij in zijn levensonderhoud kon voorzien en nuttige contacten kon leggen met hooggeplaatste klanten van zijn mentor.

Ontvangt de eerste onderscheidingstitel - de Academische Prijs - voor stelling. Ook hier en daarbuiten is Boucher een aanhanger van een ultragladde, zelfs enigszins ‘strakke’ schrijfstijl, die zijn tijdgenoten in verrukking bracht en hem duidelijk onderscheidt van Watteau. Deelname in de jaren 1722-1723 aan de creatie van etsen voor de “Julien Collection”, waarin alle werken van de beroemde voorganger in gravure werden gereproduceerd, stelde hem in staat kennis te maken met de werken van deze kunstenaar en zijn compositietechnieken te leren.

In 1723 - de Rome-prijs. Tijdens zijn reizen door Italië beheerste de jonge kunstenaar de zachte clair-obscur-stijl van Cortona, de sterke tekenprincipes van Lanfranco en Tiepoli, maar accepteerde hij fundamenteel het diepe contrast en de compositorische dynamiek van de werken van de laatste twee - dit alles ging tegen de smaak in. van het Franse hof. In al zijn werken toont Boucher niet een voorliefde voor kleurdiversiteit, maar voor het gebruik van grote lokale vlekken, maar met prachtige overgangen daartussen. De landschappen “Gezicht op Tivoli” (Museum voor Kunst en Architectuur, Boulogne-sur-Mer) en “Gezicht op de Farnese-tuinen” (Metropolitan Museum, New York) zijn gebaseerd op Italiaanse indrukken.

Naast erkenning en faam ontving Boucher ook talloze bestellingen voor decoratieve kunstwerken, die hem pas op het einde van zijn leven verlieten.

In het daaropvolgende werk van Boucher moeten twee dingen worden opgemerkt. De eerste is de verdere verbetering van schildertechnieken, het beheersen van de technieken van stilering in de expressieve barokstijl van G. Tiepolo ("The Training of Cupido", "Leda and the Swan" en vele andere werken over mythologische thema's), in porselein ( "Venus troost Cupido", "Jupiter in de vorm van Diana, die Callisto verleidt"). En de tweede is de onveranderlijkheid van de ideologische component van zijn werken, diezelfde ietwat buitensporige ‘dapperheid’ waarvoor Voltaire en Diderot zijn stijl bekritiseerden. Psychologische en emotionele karakterisering ontbreekt volledig bij Boucher; in de plaats daarvan wordt zijn eigen houding ten opzichte van wat wordt afgebeeld door middel van ongecompliceerde kenmerken. Zo is de kunstenaar in 'Venus' Visit to Vulcan' niet minder gefascineerd door de heldin dan door laatstgenoemde, en dit komt tot uiting in de gratie van haar gang en de flirterige draai van haar krullende hoofd (en is deze Venus - eerder een moderne Boucher fashionista). Het zekere onvermogen van Boucher (en misschien de onwil, die in overeenstemming was met de smaak van het hof) tegenover het interne psychologisme van zijn werken berooft het drama van scènes als 'Pan en Syringa' en 'Jupiter in de gedaante van Diana die Callisto verleidt', die betrekking hebben op verhalen met een tragische plot. In de meeste gevallen wordt zijn werk echter als niet van hoge kwaliteit ervaren. prachtige foto's, maar als ontspannende doeken, als voorbeelden van gratie.

Er moeten verschillende punten worden opgemerkt in de genrediversiteit van Bouchers wereld.

Ten eerste, wat een onmisbaar kenmerk van zijn werk is, de idealisering van het uiterlijk van de geportretteerden, voornamelijk vrouwen (een serie portretten van Madame de Pompadour, “Portret van Madame Bergeret”). Ten tweede de modernisering van de gezichten van oude godinnen in mythologische werken (het meest indicatief in dit opzicht is het schilderij 'Toilet van Venus' uit 1751: donkere askrullen, modieus in de tijd van de kunstenaar, amandelvormige, licht samengeknepen ogen, een hartvormige mond, een klein lichaam - en ik kan nu al niet geloven dat dit een personage voor ons is oude mythologie). Dit alles spreekt van de invloed op de auteur van het toen wijdverspreide portretgenre, waarvan hij zelf in feite een van de belangrijkste figuren was. Samen met een reeks ‘odalisques’ (portretten van jonge meisjes in het naakt), waarvan ‘Dark-haired odalisque’ uit 1745 en ‘Blond-haired odalisque’ uit 1752 opvallen, spreekt dit alles over het belang van vrouwelijke schoonheid en seksualiteit in het werk van Boucher (maar nooit in de buurt van vulgariteit).

En het derde punt was Bouchers ietwat platte en ‘theatrale’, naar de mening van veel latere schilders, benadering van het landschap (die overigens gebruikelijk was bij de meeste kunstenaars uit die tijd). Zijn ‘podium’ en ‘gordijn’ vallen relatief duidelijk op; in mindere mate komt dit alleen tot uiting in zijn vroege ‘Italiaanse’ landschappen. Ondanks de mate van uitwerking van vegetatie en architectuur (zie ‘Landschap in de omgeving van Beauvais’, ‘De Molen’, ‘De brug oversteken’), worden de landschappen van Boucher bevolkt door volkomen onrealistische stafleden, ‘zijn ‘boeren’ zijn edelen, zijn ‘boeren’ zijn edelen, zijn stieren zijn als Zeus vóór de ontvoering van Europa ", en het weer is een rustige, licht bewolkte dag, ongeacht de afgebeelde plaats. Ondanks het feit dat het belangrijkste werk aan het landschap voor Boucher, net als alle andere schilders van zijn tijd, in het atelier werd uitgevoerd, staat die zeer ‘dappere theatrale benadering’ de meester nooit toe een idee te krijgen van de realiteit van de plek ( dat is de taak die hij zichzelf, in alle zichtbaarheid, voor ogen stelt en die hij niet heeft opgelegd). “Zijn Frankrijk is ‘klein Arcadia’, oneindig ver van de realiteit en toch mooi.”

Er wordt in het werk vrijwel niets gezegd over de genretaferelen van de kunstenaar.

Zo kwam François Boucher binnen wereldgeschiedenis kunst als kunstenaar van ‘gallante’, zoete schilderkunst, absoluut realistisch in de manier van uitbeelden en even onrealistisch in de keuze van wat wordt afgebeeld; als uitstekend stylist en meester in decoratieve en toegepaste kunst.

Zijn meest getalenteerde student J. O. Fragonard erfde van hem externe gratie, vrijheid van compositie en gedurfde kleur, maar hij probeerde ze te combineren met een grotere emotionele innerlijke diepgang in de weergave van beelden en plots; technieken van duidelijk kleurcontrast, die bij Boucher vrijwel afwezig zijn, worden vaker gebruikt; er wordt meer aandacht besteed aan licht- en schaduwcontrast. De penseelstreek is veel groter dan die van Boucher, maar dit wordt pas gevoeld bij nadere beschouwing; Maar we zullen ons niet concentreren op zijn werk, omdat met de uitzonderingen van het bovenstaande, evenals het overwicht genre-scène boven het mythologische volgde zijn kunst het ‘pad’ dat door Boucher was uitgezet om te ontspannen en de kijker te boeien.

De hedendaagse Franse kunstkritiek schat de kunst van Boucher niet hoog in. Hoewel ze de uitstekende techniek van de kunstenaar erkennen, merken critici de ‘zoetheid’ van zijn werk op, zijn vaak onvolmaakte artistieke smaak (de werken uit de late periode, die meestal weinig bekend zijn, bevatten nevenschikkingen van soortgelijke kleuren met buitensporig contrast), evenals de algemene ‘bourgeois’ karakter van zijn stijl.

8. Maurice Quentin de Latour (1704--1788)

De Latour - "De koning van de pastelkleuren"

Over "Portret van de koninklijke secretaris Duval de l'Epinay"

De Latour werd geboren in een bescheiden gezin. Op negentienjarige leeftijd verliet hij de zijne geboorteplaats, Saint-Quentin, en kwam naar Parijs, waar hij studeerde bij de middelmatige schilder Dupouch en bij enkele andere kunstenaars.

Latour's eerste twee publiekelijk tentoongestelde werken (portretten van hemzelf en de vrouw van de schilder Boucher), tentoongesteld op de Parijse Salon in 1737, leverden hem de titel van geassocieerd lid van de Academie van Beeldende Kunsten op; in 1746 werd hij tot volwaardig lidmaatschap gekozen en in 1750 ontving hij de titel van koninklijk schilder, die hij 23 jaar lang behield. In 1780 trok hij zich terug in zijn geboorteplaats.

Omdat hij de invloed had ervaren van de ideologie van de Verlichting, uitgeoefend door J.B.S. Chardin en de Engelse kunstenaars, bij wie De La Tour vanaf 1725 een aantal jaren studeerde, heeft De La Tour nooit de zoetheid en de zoetigheid van de meeste ‘dappere’ kunst aanvaard. maar omdat hij zelf iets van zijn invloed ervoer, en niet minder invloed op hem had.

M. C. de Latour is een man die het stokje heeft overgenomen van de Venetiaanse kunstenaar Rosalba Carriera in een belangrijke kwestie voor de beeldende kunst – in de kwestie van expansie visuele mogelijkheden pastelpotloden, waarbij het tekenen gelijktijdig met pastelkleuren wordt verspreid verschillende graden zachtheid, popularisering van pastelschilderen als een soort beeldende kunst waarmee je het onuitsprekelijke kunt uitdrukken olieverf. Wat is er zo moeilijk uit te drukken met olietechniek? Absoluut glad schilderen in olieverf leidt bijvoorbeeld vaak tot ‘gepolijstheid’, een zekere ‘doodheid’ van het beeld, wat de Nederlandse ‘gladde schilders’ uit de 17e eeuw niet altijd konden vermijden. Volledig glad schilderen in pastel stelt je daarentegen in staat om maximaal naturalisme te bereiken wanneer dat nodig is, terwijl (!) De afwezigheid van vernis in de compositie fruit in dergelijk werk bijvoorbeeld niet vergelijkt met poppen en gezichten met poppen. “Na twee jaar te hebben besteed aan het verbeteren van zichzelf in het tekenen, bereikte [de Latour] hierdoor zo'n beheersing in het pastelgenre van de schilderkunst, die door geen enkele pastellist die hem voorging en misschien ook door degenen die hem volgden werd geëvenaard.

Zijn bekendheid groeide steeds meer, wat mede mogelijk werd gemaakt door de mode voor pastel, die zich verspreidde in de toenmalige Franse samenleving.” Dit (en niet alleen) bestaat uit zijn belangrijke bijdrage aan beeldende kunst, zijn invloed op de schilderkunst van “dappere schilders”. Vanaf de La Tour werd pastel door vooral Franse hofkunstenaars gezien, niet alleen als een hulptechniek, maar ook als een onafhankelijke techniek.

Op zijn beurt ervoer De Latour de directe invloed van Rococo: de zachtheid van de kleur van zijn schilderijen, het beeld van de geportretteerden, hoewel niet geïdealiseerd, maar in een verheven stemming, was bij de Franse adel niet minder geliefd dan de geest van de geportretteerden. Verlichting en het psychologisme in zijn werken - door literaire figuren en filosofen van zijn tijd.

“Volgens de getuigenissen van Latours tijdgenoten begreep hij, zoals zelden iemand anders, de gelijkenis met deze kwaliteit, waarbij de kracht, harmonie en aangenaamheid van kleuren werden gecombineerd die tot op de dag van vandaag in zijn portretten bewaard zijn gebleven, ondanks hun leeftijd. Grootste aantal ze bevinden zich in het Saint-Quentin Museum; Er zijn er ook een flink aantal verzameld in het Louvre in Parijs. Veel van Latours werken zijn gegraveerd door vooraanstaande meesters uit zijn tijd." En hoewel De Latour traditioneel niet wordt gekarakteriseerd als een kunstenaar van de "dappere" stijl, stelt zijn "wederzijdse kruising" met Rococo ons in staat deze opmerkelijke kunstenaar te noemen.

Soorten en technieken van beeldende kunst

Schilderen is een platte kunst, waarvan de specificiteit erin bestaat om, met behulp van verf die op het oppervlak wordt aangebracht, een beeld van de echte wereld weer te geven, getransformeerd door de creatieve verbeeldingskracht van de kunstenaar...

Bijdragen van cultuur en kunst uit de 20e eeuw aan de wereldbeschaving

In de geschiedenis van de Russische cultuur, het begin van de 20e eeuw. kreeg de naam " zilveren tijdperk"De Russische cultuur, die begint met de 'World of Art' en eindigt met symboliek. 'World of Art' is een organisatie die in 1898 ontstond...

Gotisch. Een bevroren tijdperk uit vervlogen tijden

De gotische beweging in de schilderkunst ontwikkelde zich enkele decennia na het verschijnen van stijlelementen in de architectuur en beeldhouwkunst. Gebrandschilderd glas werd een van de belangrijkste trends in de gotische schilderkunst...

De invloed van de eisen van het hof van Versailles was vooral voelbaar op het gebied van de beeldende, decoratieve en toegepaste kunst en architectuur. Naast schildersezelschilderijen, porselein, waaiers en mode drong de ‘dappere’ stijl door tot in de interieurs van herenhuizen...

K.A. Somov. Teelt van het galante genre

2.1 De opkomst van het “dappere” genre in het Rococo-tijdperk Het begin van de 20e eeuw werd gekenmerkt door een nostalgische “terugkeer” naar de esthetiek van Rococo, naar de beelden uit de tijd van Lodewijk XIV, naar het voor altijd vervlogen dappere tijdperk ...

Culturele Revolutie in de Sovjet-Unie (1922-1941)

“Het programma van de partij op het gebied van de kunst stuitte op weerstand van kunstenaars die nauw verbonden waren met de burgerij en zich verzetten tegen de Sovjetmacht. Reactionaire kunstenaars en kunsttheoretici namen hun toevlucht tot het belasteren van de bolsjewieken en beschuldigden hen van...

Een buitengewone stijging nationale cultuur in de eerste helft van de 19e eeuw. stond ons toe deze tijd de ‘gouden eeuw’ te noemen. Als Rusland qua economische en sociaal-politieke ontwikkeling achterbleef bij de geavanceerde Europese staten...

Russische portretschilderijen en grafische afbeeldingen waren de eersten helft van de 19e eeuw eeuw

De Heilige Inquisitie in de Middeleeuwen en haar weerspiegeling in de kunst

Tijdens de middeleeuwen werd de schilderkunst een van de belangrijkste kunstvormen. Ook een aantal religieuze vernieuwingen hebben bijgedragen aan de nieuwe houding ten opzichte van de schilderkunst...