Италия — страна, которая всегда славилась художниками. Великие мастера, которые некогда жили в Италии, прославили искусство на весь мир. Можно сказать точно, что если бы не итальянские художники, скульпторы и архитекторы, мир сегодня выглядел совсем иначе. Наиболее значимым в итальянском искусстве, конечно же, считается . Италия в эпоху Возрождения или Ренессанса достигла небывалого подъёма и расцвета. Талантливые художники, скульпторы, изобретатели, настоящие гении, которые появились в те времена, до сих пор известны каждому школьнику. Их искусство, творчество, идеи, разработки сегодня считаются классикой, тем стержнем, на котором построены мировое искусство и культура.

Одним из самых известных гениев итальянского возрождения, конечно же, является великий Леонардо да Винчи (1452-1519). Да Винчи был настолько одарён, что добился большого успеха во многих областях деятельности, в том числе, в изобразительных искусствах и науке. Ещё одним известнейшим художником, который является признанным мастером, является Сандро Боттичелли (1445-1510). Картины Боттичелли — это настоящий дар человечеству. Сегодня его плотна находятся в самых известных музеях мира и являются по-настоящему бесценными. Не менее знаменитым, чем Леонардо да Винчи и Боттичелли, является и Рафаэль Санти (1483-1520), который прожил 38 лет, и за это время успел создать целый пласт ошеломительной живописи, которая стала одним из ярких примеров Раннего Возрождения. Ещё одним великим гением итальянского Возрождения, без сомнения, является Микеланджело Буонаротти (1475-1564). Помимо живописи, Микеланджело занимался скульптурой, архитектурой и поэзией, и добился в этих видах искусства больших результатов. Статуя Микеланджело под названием «Давид» считается непревзойдённым шедевром, примером высшего достижения искусства скульптуры.

Помимо художников, о которых говорилось выше, величайшими художниками Италии эпохи Возрождения, стали такие мастера, как Антонелло да Мессина, Джованни Беллини, Джорджоне, Тициан, Паоло Веронезе, Якопо Тинторетто, Доменико Фетти, Бернардо Строцци, Джованни Баттиста Тьеполо, Франческо Гварди и другие. Все они были ярким примером восхитительной венецианской школы живописи. К Флорентийской школе итальянской живописи принадлежат такие художники, как: Мазаччо, Андреа дель Верроккьо, Паоло Уччелло, Андреа дель Кастаньо, Беноццо Гоццоли, Сандро Боттичелли, Фра Анджелико, Филиппо Липпи, Пьеро ди Козимо, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Фра Бартоломмео, Андреа дель Сарто.

Чтобы перечислить всех художников, которые работали в эпоху Возрождения, а также во времена позднего Возрождения, и спустя столетия, которые стали известны на весь мир и прославили искусство живописи, разработали основные принципы и законы, которые лежат в основе всех видов и жанров изобразительных искусств, пожалуй, понадобится написать несколько томов, однако и этого списка достаточно,чтобы понять, что Великие Итальянские художники — это то самое искусство, которое мы знаем, которое мы любим и которое будем ценить вечно!

Картины великих итальянских художников

Андреа Мантенья — Фреска в Камере дельи Спози

Джорджоне — Три философа

Леонардо да Винчи — Мона Лиза

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV-XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность - человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение - это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до .

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан - титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.

1. Джотто (1267-1337 гг.)

XIV век. Проторенессанс. Главный его герой - Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа - золотой фон. Как, например, на этой иконе.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.

Главное творение Джотто - это цикл его фресок в капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье.

Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401-1428 гг.)

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.

Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто - прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)

Леонардо да Винчи - один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Главное же новаторство Леонардо - это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако сами подумайте. 19 картин - и он - величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье .

4. Микеланджело (1475-1564 гг.)

Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы - это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни - это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483-1520 гг.)

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о . Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы - это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен..

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого - образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты - ещё более динамичные и драматичные.

Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника . И техника художников XIX века: барбизонцев и . Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье.

Художники эпохи Возрождения - это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

Вконтакте

Итальянского художника Микеланджело Меризи да Караваджо прославили знаменитые светотени. Фигуры на его картинах будто выступают из мрака, выхваченные яркими лучами света. Этот метод после смерти художника переняли многочисленные последователи.

Взятия Христа под стражу, 1602

Искусство Караваджо оказало огромное влияние на творчество не только многих итальянских, но и ведущих западноевропейских мастеров XVII века — Рубенса, Йорданса, Жоржа де Латура, Сурбарана, Веласкеса, Рембрандта. Караваджисты появились в Испании (Хосе Рибера), Франции (Трофим Биго), Фландрии и Нидерландах (Утрехтские караваджисты — Геррит и Виллем ван Хонтхорсты, Хендрик Тербрюгген, Юдит Лейстер) и других странах Европы, не говоря о самой Италии (Орацио Джентилески, его дочь Артемизия Джентилески).

«Положение во гроб» (1603)

Микеланджело Меризи да Караваджо /Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 сентября 1571, Милан — 18 июля 1610, Порто-Эрколе) — итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, основатель реализма в живописи, один из крупнейших мастеров барокко. Одним из первых применил манеру письма «кьяроскуро» — резкое противопоставление света и тени. Не обнаружено ни одного рисунка или эскиза, художник свои сложные композиции сразу реализовывал на холсте.

Милан 1571—1591

Сын архитектора Фермо Меризи и его второй жены Лючии Аратори, дочери землевладельца из городка Караваджо, неподалёку от Милана. Отец служил управляющим у маркиза Франческо Сфорца да Караваджо. В 1576 году во время чумы умерли отец и дед, мать с детьми переехала в Караваджо.

Давид и Голиаф 1599

Первыми покровителями будущего художника были герцог и герцогиня Колонна. В 1584 году в Милане Микеланджело Меризи приходит в мастерскую Петерцано, считавшегося учеником Тициана. В то время в художественном мире Италии господствовал маньеризм, но в Милане были сильны позиции ломбардского реализма.

Первые работы художника, написанные в Милане, жанровые сцены и портреты, до наших дней не дошли.

Уже к концу 1580-х годов жизнь вспыльчивого по характеру Меризи омрачается скандалами, драками и тюремными заключениями, которые будут сопровождать его всю жизнь.

В 1589 году художник приезжает домой продать свой земельный надел, по-видимому, нуждаясь в деньгах. Последний раз он посещает дом после смерти матери в 1590 году. Осенью 1591 года он вынужден бежать из Милана после ссоры за карточной игрой, завершившейся убийством. Заехав сначала в Венецию, он направляется в Рим.

«Призвание апостола Матфея» (1600)

Рим 1592—1594

В столице по обычаю итальянских художников того времени он получает прозвище, связанное с местом рождения, как, например, это было с Веронезе или Корреджо. Так Микеланджело Меризи стал Караваджо.

В 1593 году Караваджо поступает в мастерскую Чезари д’Арпино, который поручает Караваджо писать на фресках цветы и листья. В мастерской д’Арпино он познакомился с меценатами и художниками, в частности, Яном Брейгелем Старшим.

Ранние работы Караваджо написаны под влиянием Леонардо да Винчи (с «Мадонной в скалах» и «Тайной вечерей» он познакомился ещё в Милане), Джорджоне, Тициана, Джованни Беллини, Мантеньи. Первая дошедшая до нас картина — «Мальчик, чистящий фрукт» (1593). В мастерской д’Арпино Караваджо знакомится с Марио Миннити, который стал его учеником и моделью ряда картин, первой из которых является «Юноша с корзиной фруктов» (1593—1594).

«Мальчик с корзиной фруктов», 1593-94, галерея Боргезе

После драки Караваджо попадает в тюрьму Тор ди Нона, где происходит его встреча с Джордано Бруно. Вскоре он порывает с Чезари д’Арпино, бездомного Караваджо пригласил к себе Антиведуто Грамматика.

В 1593 заболел римской лихорадкой (одно из названий малярии), шесть месяцев он находился в госпитале на грани жизни и смерти. Возможно, под впечатлением от болезни создаёт картину «Больной Вакх» (1593) — первый свой автопортрет.

«Больной Вакх» (фрагмент) (1593), галерея Боргезе

Первые многофигурные картины созданы в 1594 году — это «Шулеры» и «Гадалка» (Капитолийские музеи). Жорж де Латур впоследствии напишет свою «Гадалку» с идентичной композицией.

«Шулеры» (1594)

«Гадалка» (1594)

Осенью 1594 Караваджо начинает работать на кардинала Франческо дель Монте, перебирается в его виллу Мадама, где он встречается с Галилеем, Кампанеллой, Делла Порта, поэтами Марино и Милези.

Рим 1595—1599

Этот период жизни, проведённый на вилле Мадама, оказался для Караваджо весьма плодотворным, кроме того, картины, созданные в это время почти все сохранились до наших дней. На картине «Музыканты» (1595) в центре изображён Марио Миннити, а рядом художник разместил себя с рожком.

«Музыканты» (1595). Караваджо написал себя с рожком между двумя музыкантами

В образе Амура с виноградом некоторые исследователи усматривают эротический намёк на отношения с Миннити. Миннити изображён и на картине «Мальчик, укушенный ящерицей» (1596, Лондон), проданной торговцу предметами искусства Валентино.

«Мальчик, укушенный ящерицей»

В 1595 году несмотря на рекомендации, данные Джентилески, Грамматикой, Просперо Орси, Караваджо было отказано в приёме в Академию Святого Луки. Главным противником приёма Караваджо в Академию был её президент — Федерико Цуккаро. Он считал, что эффекты живописи Караваджо были следствием экстравагантного характера, а успехом его картины обязаны лишь своим «оттенком новизны», которую высоко ценили богатые покровители.

В 1596 году Караваджо создаёт первый натюрморт в истории итальянской живописи — «Корзина с фруктами».

«Корзина с фруктами» (1596), пинакотека Амброзиана, Милан

В «Лютнисте» (1596, Эрмитаж) партитуру прочитать оказалось несложно, это мадригал Якоба Аркадельта «Вы знаете, что я люблю вас». Кому адресовано это послание, неизвестно.

Он пишет такие полотна как:

«Вакх» (1596)

А также «Куртизанка Филлида» (1597), «Портрет Маффео Барберини» (1598). В 1597 году от кардинала дель Монте поступил заказ на роспись потолка его резиденции. Так появилась единственная фреска Караваджо «Юпитер, Нептун и Плутон».

Картины Караваджо становятся популярны. Подлинную славу Караваджо принесли картины на библейские сюжеты — новаторской по исполнению является «Отдых на пути в Египет» (1597). «Главное достоинство картины — мастерски воссозданная световоздушная среда, создающая атмосферу поэтичности и покоя, дополняемую скромным пейзажем, написанным под явным впечатлением воспоминаний о родной Ломбардии с её тростником, осокой у водной глади, серебристыми тополями на фоне холмистой гряды и вечереющего сизого неба»

«Отдых на пути в Египет» (1597)

Им написаны также «Экстаз св. Франциска» (1595), «Жертвоприношение Исаака» (1598).

Экстаз святого Франциска, 1595

«Принесение в жертву Исаака»

Первый женский образ в творчестве Караваджо — «Кающаяся Мария Магдалина» (1597), показывает способность художника на глубокую и поэтически значительную трактовку образа. Картина была продана банкиру и покровителю искусств Винченцо Джустиньяни.

«Кающаяся Мария Магдалина»

За ней последовали

«Святая Екатерина Александрийская» (1598)

«Марта и Мария» (1598)

«Юдифь, обезглавливающая Олоферна» (1598) демонстрирует, что Караваджо в своём реализме не чуждается нарочито натуралистических эффектов

В «Иоанне Крестителе» (1598) заметно влияние Микеланджело:

Караваджо стал знаменит. Он покидает виллу Мадама и перебирается в дом банкира и коллекционера Чириако Маттеи, купившего «Гадалку». Марио Миннити после ссоры с Караваджо женился и уехал на Сицилию.

Рим 1600-1606

Несколько месяцев Караваджо скрывался в имении Колонна. Там он написал несколько картин, но стиль его стал мрачным: «Святой Франциск в раздумье» (1606), «Ужин в Эммаусе» (1606). Фигура Христа напоминает фреску Леонардо «Тайная вечеря».

Караваджо переезжает в Неаполь, где им было написано более десяти картин, хотя сохранились не все:

«Экстаз Магдалины» (1606)

«Христос у колонны» (1607)

«Саломея с головой Иоанна Крестителя» (1607)

По заказу церкви Пио Монте делла Мизерикордия он написал с огромной живописной энергией картину «Семь дел милосердия» (1607), которая до сих пор находится в этой церкви.

Неожиданно в июле 1607 года Караваджо направляется на Мальту — в Ла Валетту.

«Св. Иероним» (1608)

Н аписан им для кафедрального собора Сан Джованни деи Кавалиери, понравился великому магистру мальтийского ордена Алофу де Виньякуру. Караваджо пишет портреты: Алофа де Виньякура, позже высоко оценённый Делакруа, и соратника магистра Антонио Мартелли.

14 июля 1608 года Караваджо становится кавалером мальтийского ордена без права ношения мальтийского креста, так как он не был дворянином.

ЖИВОПИСЬ ИТАЛИИ

В Италии, где в XVII веке окончательно восторжествовала католическая реакция, очень рано формируется, расцветает и становится господствующим направлением искусство барокко.

Для живописи этого времени были характерны эффектные декоративные композиции, парадные портреты, изображающие надменных вельмож и дам с горделивой осанкой, утопающих в роскошных одеяниях и драгоценностях.

Вместо линии предпочтение отдавалось живописному пятну, массе, светотеневым контрастам, с помощью которых создавалась форма. Барокко нарушало принципы деления пространства на планы, принципы прямой линейной перспективы для усиления глубинности, иллюзии ухода в бесконечность.

Зарождение живописи барокко в Италии связано с творчеством братьев Карраччи, основателей одной из первых художественных школ Италии – «Академии идущих по правильному пути» (1585), так называемой Болонской академии – мастерской, в которой начинающие мастера обучались по специальной программе.

Аннибале Карраччи (1560-1609) был самым талантливым из трех братьев Карраччи. В его творчестве четко прослеживаются принципы Болонской академии, ставившей своей главной задачей возрождение монументального искусства и традиций Ренессанса периода его расцвета, которые современниками Карраччи почитались как образец недосягаемого совершенства и некий художественный «абсолют». Поэтому Карраччи воспринимает шедевры своих великих предшественников скорее как источник, откуда можно черпать найденные титанами Возрождения эстетические решения, а не как отправной пункт для собственных творческих исканий. Пластически прекрасное, идеальное не является для него «высшей степенью» реального, а лишь обязательной художественной нормой, – искусство, таким образом, противопоставлено действительности, в которой мастер не находит нового основополагающего идеала. Отсюда условность и отвлеченность его образов и живописных решений.

В то же время искусство братьев Карраччи и болонского академизма оказалось как нельзя более пригодным для того, чтобы быть поставленным на службу официальной идеологии, недаром в высших (государственных и католических) сферах их творчество быстро получило признание.

Крупнейшее произведение Аннибале Карраччи в области монументальной живописи – роспись галереи палаццо Фарнезе в Риме фресками, повествующими о жизни богов – на сюжеты из «Метаморфоз» древнеримского поэта Овидия (1597-1604, выполнена совместно с братом и помощниками).

Роспись состоит из отдельных панно, тяготеющих к центральной большой композиции, изображающей «Триумф Вакха и Ариадны», что вносит в живописный ансамбль элемент динамики. Обнаженные мужские фигуры, помещенные между этими панно, имитируют скульптуру, являясь в то же время действующими лицами росписей. Итогом стало впечатляющее масштабное произведение, эффектное внешне, но не объединенное какой-либо значимой идеей, без которой были немыслимы монументальные ансамбли Возрождения. В дальнейшем эти воплощенные Карраччи принципы – стремление к динамичности композиции, иллюзионистическим эффектам и самодовлеющей декоративности – будут характерны для всей монументальной живописи XVII века.

Мотивы, взятые в искусстве Ренессанса, Аннибале Карраччи хочет наполнить живым, современным содержанием. Он призывает изучать натуру, в ранний период творчества он даже обращается к жанровой живописи. Но, с точки зрения мастера, сама по себе натура слишком груба и несовершенна, поэтому на полотне она должна отобразиться уже преображенной, облагороженной в соответствии с нормами классического искусства. Поэтому конкретные жизненные мотивы могли существовать в композиции только на правах отдельного фрагмента, призванного оживить сцену. Так, например, в картине «Едок бобов» (1580-е) чувствуется ироническое отношение художника к происходящему: он подчеркивает духовную примитивность крестьянина, жадно поедающего бобы; изображения фигуры и предметов нарочито упрощены. В том же духе выдержаны и другие жанровые картины молодого живописца: «Лавка мясника», «Автопортрет с отцом», «Охота» (все – 1580-е) – прил., рис. 1.

Многие картины Аннибале Карраччи имеют религиозную тематику. Но холодное совершенство форм оставляет в них мало места проявлению чувств. Лишь в редких случаях художник создает произведения иного плана. Таково «Оплакивание Христа» (ок. 1605). В Библии повествуется, как святые почитательницы Христа явились на поклонение к его гробнице, но нашли ее опустевшей. От ангела, сидящего на краю саркофага, они узнали о его чудесном воскресении и были счастливы и потрясены этим чудом. Но образность и взволнованность древнего текста не находят у Карраччи особого отклика; он мог только противопоставить легкие, развевающиеся одежды ангела массивности и статичности фигур женщин. Колорит картины тоже довольно зауряден, но в то же время отличается силой и интенсивностью.

Особую группу составляют его произведения на мифологические темы, в которых сказалось его увлечение мастерами венецианской школы. В этих картинах, прославляющих радость любви, красоту обнаженного женского тела, Аннибале проявляет себя как замечательный колорист, живой и поэтический художник.

Среди лучших произведений Аннибале Карраччи – его пейзажные работы. Карраччи и его ученики создали на основе традиций венецианского пейзажа XVI века тип так называемого классического, или героического, пейзажа. Природу художник также преображал в искусственно-возвышенном духе, но без внешнего пафоса. Его работы положили начало одному из наиболее плодотворных направлений в развитии пейзажной живописи этой эпохи («Бегство в Египет», ок. 1603), нашедшему затем свое продолжение и развитие в творчестве мастеров последующих поколений, в частности, у Пуссена.

Микеланджело Караваджо (1573-1610). Самым значительным итальянским живописцем этого периода был Микеланджело Караваджо, которого можно причислить к крупнейшим мастерам XVII века.

Имя художника происходит от названия городка в северной Италии, в котором он родился. С одиннадцати лет он уже работал подмастерьем одного из миланских живописцев, а в 1590 г. уехал в Рим, который к концу ХVII века стал художественным центром всей Европы. Именно здесь Караваджо достиг наиболее значительных успехов и славы.

В отличие от большинства своих современников, воспринимавших лишь более или менее привычный набор эстетических ценностей, Караваджо сумел отказаться от традиций прошлого и создать собственный, глубоко индивидуальный стиль. Отчасти это стало результатом его негативной реакции на художественные штампы того времени.

Никогда не принадлежавший к определенной художественной школе, он уже в ранних своих произведениях противопоставил индивидуальную выразительность модели, простые бытовые мотивы идеализации образов и аллегорическому истолкованию сюжета, свойственным искусству маньеризма и академизма («Маленький больной Вакх», «Юноша с корзиной фруктов», обе – 1593).

Хотя на первый взгляд может показаться, что он отошел от художественных канонов эпохи Возрождения, более того – ниспровергал их, в действительности пафос его реалистического искусства явился их внутренним продолжением, заложившим основы реализма XVII столетия. Об этом со всей определенностью свидетельствуют его собственные высказывания. «Каждая картина, что бы она ни изображала, и кем бы ни была написана, – утверждал Караваджо, – никуда не годится, если все ее части не исполнены с натуры; этой наставнице нельзя ничего предпочесть». В этом высказывании Караваджо с присущей ему прямолинейностью и категоричностью воплощена вся программа его искусства.

Художник внес большой вклад в становление бытового жанра («Шулеры», 1596; «Мальчик, укушенный ящерицей», 1594). Герои большинства произведений Караваджо – люди из народа. Он находил их в пестрой уличной толпе, в дешевых кабачках и на шумных площадях городов, приводил в свою мастерскую в качестве натурщиков, предпочитая именно такой метод работы изучению античных статуй – об этом свидетельствует первый биограф художника Д. Беллори. Его излюбленные персонажи – солдаты, игроки в карты, гадалки, музыканты («Гадалка», «Лютнист» (обе – 1596); «Музыканты», 1593) – прил., рис. 2. Именно они «населяют» жанровые картины Караваджо, в которых он утверждает не просто право на существование, но и художественную значимость частного бытового мотива. Если в ранних работах живопись Караваджо при всей ее пластичности и предметной убедительности была все же несколько грубоватой, то в дальнейшем он избавляется от этого своего недостатка. Зрелые произведения художника – это монументальные полотна, обладающие исключительной драматической силой («Призвание апостола Матфея» и «Мученичество апостола Матфея» (обе – 1599-1600); «Положение во гроб», «Смерть Марии» (обе – ок. 1605-1606)). Эти работы, хотя и близки по стилю его ранним жанровым сценам, но уже наполнены особым внутренним драматизмом.

Живописная манера Караваджо в этот период основана на мощных контрастах света и тени, выразительной простоте жестов, энергичной лепке объемов, насыщенности колорита – приемах, создающих эмоциональное напряжение, подчеркивающих острую аффектацию чувств. Обычно художник изображает несколько фигур, взятых крупным планом, вплотную приближенных к зрителю и написанных со всей пластичностью, материальностью и зримой достоверностью. Большую роль в его произведениях начинает играть окружающая среда, бытовой интерьер и натюрморт. Вот как, например, в картине «Призвание Матфея» мастер показывает явление возвышенно-духовного в мир «низкой» обыденности.

Сюжет произведения основывается на рассказе из Евангелия о том, как Христос призвал презираемого всеми сборщика податей мытаря Матфея стать его учеником и последователем. Действующие лица изображены сидящими за столом в неуютном, пустом помещении, причем персонажи представлены в натуральную величину, одеты в современные костюмы. Неожиданно вошедшие в комнату Христос и апостол Петр вызывают у собравшихся разнообразную реакцию – от изумления до настороженности. Поток света, входящий сверху в темное помещение, ритмически организует происходящее, выделяя и связывая его главные элементы (лицо Матфея, руку и профиль Христа). Выхватывая фигуры из мрака и резко сталкивая яркий свет и глубокую тень, живописец дает ощущение внутреннего напряжения и драматической взволнованности. В сцене господствует стихия чувств, человеческих страстей. Для создания эмоциональной атмосферы Караваджо мастерски использует и насыщенный колорит. К сожалению, суровый реализм Караваджо не был понят многими его современниками, приверженцами «высокого искусства». Ведь даже создавая произведения на мифологические и религиозные темы (самая знаменитая из них – «Отдых на пути в Египет», 1597), он неизменно оставался верен реалистическим принципам своей бытовой живописи, поэтому даже наиболее традиционные библейские сюжеты получили у него совершенно иную интимно-психологическую интерпретацию, отличную от традиционной. А обращение к натуре, которую он сделал непосредственным объектом изображения своих произведений, и правдивость ее трактовки вызвали множество нападок на художника со стороны духовенства и официальных лиц.

Тем не менее среди художников XVII столетия не было, пожалуй, ни одного сколько-нибудь значимого, который так или иначе не испытал бы на себе могучего воздействия искусства Караваджо. Правда, большинство последователей мастера, которых называли караваджистами, усердно копировали лишь его внешние приемы, и прежде всего – его знаменитую контрастную светотень, интенсивность и материальность живописи.

Через этап увлечения караваджизмом прошли Питер Пауль Рубенс, Диего Веласкес, Хусепе де Рибера, Рембрандт ван Рейн, Жорж де Латур и многие другие знаменитые художники. Невозможно представить себе дальнейшее развитие реализма XVII века без того переворота, который совершил в европейской живописи Микеланджело Караваджо.

Алессандро Маньяско (1667-1749). Его творчество связывают с романтическим направлением в итальянском искусстве XVII века.

Родился будущий художник в Генуе. Учился сначала у своего отца, затем, после его смерти – в Милане у одного из местных мастеров, который обучил его техническим приемам венецианской живописи и преподал искусство портрета. В дальнейшем Маньяско много лет проработал в Милане, Генуе, Флоренции, и только на склоне лет, в 1735 г. окончательно вернулся в родной город.

Этот талантливый, но крайне противоречивый художник был наделен чрезвычайно яркой индивидуальностью. Творчество Маньяско не поддается никакой классификации: то глубоко религиозный, то богохульствующий, в своих произведениях он проявлял себя то заурядным декоратором, то живописцем с трепетной душой. Его искусство проникнуто повышенной эмоциональностью, стоящей на грани мистики и экзальтации.

Характер ранних произведений художника, выполненных во время его пребывания в Милане, определили традиции генуэзской школы живописи, тяготевшей к пасторали. Но уже такие его произведения, как несколько «Вакханалий», «Привал бандитов» (все – 1710-е) – с изображением мятущихся человеческих фигурок на фоне величественных античных руин – несут в себе совершенно иной эмоциональный заряд, нежели безмятежные пасторали его предшественников. Они выполнены в темной цветовой гамме, порывистым динамичным мазком, свидетельствующим о восприятии мира в драматическом аспекте (прил., рис. 3).

Внимание художника притягивает все необычное – сцены трибуналов инквизиции, пыток, которые он мог наблюдать в Милане, находящемся под властью Испании («Камера пыток»), проповедь в синагоге («Синагога», конец 1710-х-1720-е), кочевой быт цыган («Трапеза цыган») и др.

Излюбленные сюжеты Маньяско – разнообразные эпизоды из монастырской жизни («Похороны монаха», «Трапеза монахинь», обе – 1720-е), кельи отшельников и алхимиков, руины зданий и ночные пейзажи с фигурами цыган, нищих, бродячих музыкантов и др. Вполне реальные персонажи его произведений – бандиты, рыбаки, отшельники, цыгане, комедианты, солдаты, прачки («Пейзаж с прачками», 1720-е) – действуют в фантастической среде. Они изображены на фоне мрачных руин, бушующего моря, дикого леса, суровых ущелий. Маньяско рисует их фигуры преувеличенно вытянутыми, как бы извивающимися и находящимися в постоянном непрерывном движении; их удлиненные изогнутые силуэты подчинены нервному ритму мазка. Картины пронизаны трагическим ощущением ничтожества человека перед лицом слепых сил природы и суровостью социальной действительности.

Та же тревожная динамика отличает его пейзажные зарисовки, с их подчеркнутой субъективностью и эмоциональностью, отодвигающими на задний план передачу реальных картин природы («Морской пейзаж», 1730-е; «Горный пейзаж», 1720-е). В некоторых позднейших произведениях мастера ощутимо влияние пейзажей итальянца Сальваторе Розы, гравюр французского художника-маньериста Жака Калло. Эта трудноразличимая грань реальности и причудливого мира, созданного фантазией художника, остро ощущавшего все происходящие вокруг него трагические и радостные события окружающей действительности, всегда будет присутствовать в его произведениях, придавая им характер то притчи, то бытовой сцены.

Экспрессивная живописная манера Маньяско в чем-то предвосхитила творческие искания художников XVIII в. Он пишет беглыми, стремительными мазками, используя мятущуюся светотень, рождающую беспокойные эффекты освещения, что придает его картинам нарочитую эскизность, а иногда даже декоративность. В то же время колорит его произведений лишен красочной многоцветности, обычно мастер ограничивается сумрачной серовато-коричневой или зеленоватой гаммой, правда, по-своему довольно утонченной и изысканной. Признанный при жизни и забытый потомками, этот своеобразный художник вновь приобрел популярность лишь в начале XX века, когда в нем увидели предтечу импрессионизма и даже экспрессионизма.

Джузеппе Мария Креспи (1665-1747) , уроженец Болоньи, начинал свою живописную карьеру с прилежного копирования картин и фресок известных мастеров, в том числе и своих земляков братьев Карраччи. Позднее он совершил путешествие по северной Италии, знакомясь с творчеством мастеров Высокого Возрождения, главным образом венецианских (Тициана и Веронезе).

К началу XVIII в. Креспи уже достаточно известен, в частности, своими алтарными образами. Но главной работой раннего периода его творчества является монументальная роспись плафонов палаццо графа Пеполи (1691-1692) в Болонье, мифологические персонажи которой (боги, герои, нимфы) в его интерпретации выглядят на редкость земными, оживленными и убедительными в отличие от традиционных отвлеченных образов барокко.

Креспи работал в различных жанрах. Он писал картины на мифологические, религиозные и бытовые сюжеты, создавал портреты и натюрморты, и в каждый из этих традиционных жанров привнес новое и искреннее видение современного ему мира. Приверженность художника к натуре, точному отображению окружающей действительности вступала в непримиримое противоречие с дряхлеющими, превратившимися к этому времени в тормоз развития искусства традициями болонского академизма. Поэтому через все его творчество красной нитью проходит непрестанная борьба против условностей академической живописи за торжество реалистического искусства.

В начале 1700-х гг. Креспи переходит от мифологических сцен к изображению сюжетов из крестьянской жизни, трактуя их сначала в духе пасторали, а затем придавая им все более убедительный характер бытовой живописи. Одним из первых среди мастеров XVIII столетия он начал изображать быт простых людей – прачек, посудомоек, кухарок, а также эпизоды из крестьянской жизни.

Стремление придать своим картинам большую достоверность заставляет его обратиться к приему «погребного» света Караваджо – резкому освещению части темного пространства интерьера, благодаря чему фигуры приобретают пластическую четкость. Простота и искренность повествования дополняются вводимыми в изображение интерьера предметами народного обихода, которые всегда выписаны Креспи с большим живописным мастерством («Сцена в погребе»; «Крестьянская семья»).

Высшим достижением бытовой живописи того времени стали его полотна «Ярмарка в Поджо-а-Кайяно» (ок. 1708) и «Ярмарка» (ок. 1709) с изображением многолюдных народных сцен.

В них проявился интерес художника к графике Жака Калло, а также его близкое знакомство с творчеством голландских мастеров жанровой живописи XVII века. Но образы крестьян у Креспи лишены иронии Калло, и он не столь мастерски умеет охарактеризовать среду, как это делали голландские жанристы. Фигуры и предметы первого плана у него выписаны более детально, чем остальные – это напоминает манеру Маньяско. Однако творения генуэзского живописца, исполненные в бравурной манере, всегда содержат элемент фантастики. Креспи же стремился к обстоятельному и точному рассказу о красочной и веселой сцене. Четко распределяя свет и тень, он наделяет свои фигуры жизненной конкретикой, постепенно преодолевая традиции пасторального жанра.

Самым значительным произведением зрелого мастера явилась серия из семи полотен «Семь таинств» (1710-е) – наивысшее достижение барочной живописи начала XVIII столетия (прил., рис. 4). Это совершенно новые по духу произведения, в которых обозначился отход от традиционной отвлеченной трактовки религиозных сцен.

Все картины («Исповедь», «Крещение», «Бракосочетание», «Причащение», «Священство», «Миропомазание», «Соборование») написаны в рембрандтовской теплой красновато-коричневой тональности. Приём резкого освещения привносит в повествование о таинствах определенную эмоциональную ноту. Цветовая палитра художника скорее монохромна, но при этом удивительно богата различными оттенками и переливами цветов, объединенных мягкой, подчас как бы светящейся изнутри светотенью. Это придает всем изображаемым эпизодам оттенок таинственной сокровенности происходящего и одновременно подчёркивает замысел Креспи, стремящегося поведать о наиболее значимых для каждого человека того времени этапах бытия, которые преподносятся в виде сцен из реальной действительности, приобретающих характер своего рода притч. Причем этот рассказ отличает не дидактика, свойственная барокко, а светская назидательность.

Почти все, что было написано мастером после этого, представляет картину постепенного угасания его таланта. Все чаще он использует в своих картинах примелькавшиеся штампы, композиционные схемы, академические позы, которых ранее избегал. Неудивительно, что вскоре после его смерти творчество Креспи было быстро забыто.

Как яркий и самобытный мастер он был открыт лишь в ХХ веке. А ведь по своей добротности, глубине и эмоциональной насыщенности живопись Креспи, завершающая искусство ХVII столетия, в своих лучших проявлениях уступает, быть может, только Караваджо, творчеством которого столь блистательно и новаторски началось итальянское искусство этой эпохи.